El Blog de Julio Medina

Gabriel Estarellas

2011-11-27T07:05:00.000-08:00

Nacido en Palma de Mallorca, Gabriel Estarellas está considerado como el heredero de la escuela española de la guitarra. Con casi 200 estrenos mundiales, 17 discos grabados y varias composiciones, como sus conocidos "Diez Estudios de Virtuosismo" , Gabriel Estarellas es un punto de referencia del instrumento. En 2004 se le concedió el Premio Trujamán , el más importante de guitarra a nivel nacional y que se otorga por el conjunto de su trayectoria. Ha ganado numerosos concursos internacionales, entre los que destacan el "Viotti" en Italia, "Ramírez" en Santiago de Compostela y el "Francisco Tárrega" en Benicasim.

Ha actuado en relevantes Festivales Internacionales, entre los que destacamos los de Stresa, París, Santander, Pollensa, Alicante, Santiago de Compostela, "Andrés Segovia" en Madrid, Córdoba, Puerto Rico, Cuba y Texas Music Festival. Ha actuado como solista con la English Chamber Orchestra, London Mozart Players, Orquesta de Cámara de París, Orquesta Nacional de España, Orquesta de la RTVE , Orquesta Sinfónica de Madrid, Orquesta Comunidad de Madrid, Filarmónica de Minsk, Nacional de Cuba, Orquesta Sinfónica de Puerto Rico, Camerata de Houston, Orquesta Reina Sofía, Filarmónica de Galicia, Sinfónicas de Málaga, Murcia, Castilla y León, Baleares, Orquesta de Cámara Española, etc. bajo la dirección de Enrique García Asensio, Odón Alonso, Leo Brouwer, Uros Lajovic, Christian Florea, Aldo Ceccato, José Collado, Arturo Tamayo, Leo Krämer, Víctor Pablo Pérez, Edmon Colomer, Antoni Ros Marbá, David Parry, Salvador Brotons, Manuel Galduf, José de Eusebio, entre otros. Ha dado recitales por toda Europa, Centro-América, Asia y Estados Unidos.

Ha colaborado estrechamente con casi todos los grandes compositores españoles del siglo XX, que le han dedicado y escrito específicamente para él. Entre sus estrenos mundiales destacan el Concierto de Benicasim de Leo Brouwer, Concierto del Agua de Tomás Marco, Concierto de Gibralfaro de Antón García Abril, Concierto Poético de Claudio Prieto, Música de Corte de Alexandre Tansman, Concierto de Bellver de Valentín Ruiz, Concierto Cervantino de Gabriel Fernández Álvez y el Concertante de Xavier Benguerel.

Ha grabado numerosos discos de compositores actuales, entre los que destacan la integral para guitarra sola y guitarra y orquesta de Antón García Abril; integrales de Tomás Marco, Claudio Prieto, Ángel Barrios, Bernardo Juliá y Gabriel Fernández Álvez, así como obras de Luis de Pablo, Cristóbal Halffter, Goffredo Petrasi, Miguel Alonso, Agustín Bertomeu, Carmelo A. Bernaola, José Luis Turina , Antón Larrauri, Salvador Brotons, etc.

Es Catedrático de Guitarra del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid y Profesor Honorario de la Universidad Nacional de San Agustín de Arequipa, Perú.

"Brad Paisley"

2011-11-13T05:56:00.000-08:00

Nacido en Glen Dale, West Virginia, en 1972, Brad Paisley es uno de los artistas más prometedores en el panorama de la música country actual. Debutó con la canción "Who needs pictures" en 1999, el mismo año en el que actuó por primera vez en en Grand Ole Opry. Desde entonces la sucesión de premios recibidos ha sido incesante: video del año en los premios CMA en 2002 con en video "I'm Gonna Miss Her", video del año en 2004 "Whiskey Lullaby", un grammy en el año 2008 por "Throttleneck"... Brad Paisley destaca, además de como intérprete y autor de canciones, como guitarrista demostrando su absoluto control sobre el instrumento en todos y cada uno de sus lanzamientos.

Su abuelo fue quien le puso una guitarra en las manos y con doce años ya despuntaba en el dominio de este instrumento. Que ello sucediera en un rancho, totalmente metido en el “country side”, condicionó el tipo de música al que Brad Paisley se iba a dedicar, Country, claro.

Pero le ha dado un giro. La ha hecho suya. No importa si con temas rabiosos o con excelentes (y a veces empalagosas) baladas, sus composiciones llevan el claro sello Paisley.

"Gentil Montaña"

2011-11-06T04:26:00.000-08:00

Inició sus estudios en el Conservatorio de Ibague, a la edad de 7 años. Su primer instrumento fue el violín pero a la edad de 13 años se dedicó a la guitarra.

Fueron sus profesores : Domingo González, y Daniel Baquero M. Realizó sus estudios de armonía con Juan Carruba. A la edad de diecinueve años comenzó su carrera como concertista, llevando a cabo su primer recital en el Teatro Lido de Medellín; desde entonces se destaca como el precursor de la Guitarra clásica en Colombia. En Europa adelantó estudios de música contemporánea con Kakleen Keinell., y posteriormente se especializó en instrumentación con los maestros Blas E. Atehortúa y Gustavo Yepes.

Participó en el primer concurso mundial de guitarra Alirio Díaz efectuado en la ciudad de Caracas en 1975, donde obtuvo el tercer premio. Allí fue como guitarrista autodidácta ya que en Colombia para la época no existía aún una catedra de guitarra. En 1994 y en el 2002, este mismo concurso invitó al maestro a participar como jurado e interprete.

Fue solista con las orquestas Filarmónica de Bogotá, Sinfónica de Colombia, Sinfónica de Antioquia, Colegium Musicum, Cámara de Colombia, del Conservatorio entre otras. Ha realizado conciertos con gran éxito, en las principales salas de Colombia y del mundo: España, Francia, Alemania, Suiza, Grecia, Italia, Venezuela, Chile, Uruguay, Paraguay, Argentina, Cuba, Costa Rica, Ecuador, Estados Unidos e Inglaterra.

Fue profesor en la Academia Luis A Calvo, en los períodos 1966 - 1972, y desde 1983 hasta el año 2001. Enseñó además en la Universidad Pedagógica Nacional desde 1985 hasta 1996, y en el Conservatorio de la Música de la Universidad Nacional en 1991. Participó como jurado en concursos de guitarra en Colombia y en el exterior; Primer Concurso Iberoamericano de Guitarra, auspiciado por la Fundación Arte de la Música y la Móbil, "Concurso Internacional de Guitarra Alirio Díaz ", en el Concurso Nacional de Interpretación Musical Anselmo Durán Plazas, en el Festival del Pasillo Colombiano y el "Colono de Oro" en Florencia, Festival "Principes de la canción" en Ibagué. Fue ganador de una beca de Colcutura en la modalidad de composición.

Grabó siete discos como solista de la guitarra, destacándose los que hizo con la Orquesta Filarmónica de Bogotá en honor a los Reyes de España, con música de la independencia de Carmen Caycedo, y otro en Francia, para el sello Carré, con obras homenaje a Agustín Barrios Mangore. Su producción discográfica incluye además fonogramas para Discos Zeida en 1964 y 1965, un CD grabado en 1967, y fonogramas para Discos Bambuco.

Recientemente fue invitado a dirigir un Master Class en el Conservatorio Superior de Música de Paris y en la Universidad Charles Darwin en Australia.

Además de su gran éxito como intérprete, Gentil Montaña fue un reconocido compositor, campo en el que se le considera destacado junto con grandes virtuosos y compositores latinoamericanos como Agustín Barrios-Mangoré, Heitor Villa-Lobos, Antonio Lauro, Leo Brouwer y Manuel Ponce.

"Es esta una gran oportunidad para decirle a mi patria querida; a mi patria natal, ese Tolima grande; a mi querida capital, Bogotá, la vida les debo y mi vida les doy. Sesenta y ocho años amando a mi pueblo, 60 años descubriendo y construyendo identidad musical con mi guitarra me llenan de gozo y esperanza cuando veo el fruto y la cosecha de esta ardua labor en excelentes guitarristas que hoy llevan nuestra música colombiana a todas las naciones del planeta. Fue este mi sueño desde siempre y el señor me lo ha concedido".

Gentil Montaña murió el 27 de Agosto de 2011, en Bogotá.

Hoy se cumplen 25 años de la desaparición física del insigne compositor y guitarrista venezolano Antonio Lauro

2011-04-18T14:28:00.000-07:00

Compositor y uno de los más importantes ejecutantes de la guitarra en Venezuela. Fundó y dirigió conjuntos corales en diversos institutos de educación media tales como el liceo Fermín Toro, el liceo Luis Razetti y la Escuela Normal Gran Colombia. Su padre, Antonio Lauro Ventura, era un barbero y músico, nacido en Pizzo Calabri, Italia. Su madre, Armida Cutroneo, nacida en Marate un pueblo al sur de Italia, fue la inspiración para la pieza musical que lleva su nombre. Lauro comenzó su carrera musical (piano y composición) en la Academia de Música y Declamación, donde estudió con Vicente Emilio Sojo, Juan Bautista Plaza y Savador Llamozas . En 1932 escuchó en Caracas un concierto de Agustín Barrios y quedó tan impresionado que decidió dedicarse por entero al estudio de la guitarra, abandonando el piano y el violín. Los estudios de guitarra los realizó en Caracas con Raúl Borges (1888-1967), quien fue su maestro entre 1930 y 1940 y creador de la escuela guitarrística venezolana . Debido a que carecía de recursos económicos con los cuales financiar sus estudios musicales, los tuvo que costear trabajando como guitarrista acompañante en los programas de la emisora de radio Broadcasting Caracas (actual Radio Caracas Radio). También fue integrante del Orfeón Lamas, donde musicalmente le tocaba hacer las veces de bajo. Integró dos importantes grupos de cámara: el trío "Los Cantores del Trópico" (1935-43), junto con Marco Tulio Maristani y Manuel Enrique Pérez Díaz y en 1945, el legendario "Trio Raúl Borges", junto a Flamínia De Sola y Manuel Enrique Pérez Díaz/Antonio Ochoa, recorriendo gran parte de Centro y Sudamerica. En 1940, al recibir su título de maestro compositor se dedicó formalmente a la creación musical.

En 1947, compuso una de sus primeras obras de importancia, el poema sinfónico con solistas y coro Cantaclaro, inspirado en la obra homónima de Rómulo Gallegos. A raíz del golpe de Estado del 24 de noviembre de 1948, fue encarcelado por su vinculación con algunos dirigentes del partido Acción Democrática y estuvo preso durante los años 1951 y 1952, tiempo en que escribió dos obras importantes: la Suite Venezolana y la Sonata. Permaneció 10 años en el destierro (1948-1958). Obtuvo los Premios Oficiales de Música en los años 1947, 1948 y 1950, además de tres premios «Vicente Emilio Sojo» correspondientes a los años 1948, 1955 y 1957. Poco antes de su muerte recibió el Premio Nacional de Música (1986). Antonio Lauro es considerado como uno de los principales maestros latinoamericanos de la guitarra, contribuyendo además a ampliar de manera definitiva el repertorio universal de ese instrumento. Fue presidente de la Orquesta Sinfónica Venezuela, compuso numerosas piezas para guitarra entre las cuales cabe destacar el valse Natalia, de fama internacional.

Aún siendo reacio a tocar en público, fue convencido por amigos y colegas a realizar una gira por América y Europa en 1980, que culminó con un triunfante concierto en el Wigmore Hall de Londres.

Dimitri Illarionov, uno de los jóvenes guitarristas clásicos más brillantes

2011-04-10T05:20:00.000-07:00

Dimitri Illarionov (1979) joven guitarrista clásico ruso que ha ganado diversos premios en numerosos concursos en EE.UU., España, Italia, Polonia, Rusia y otros países. En 2002 ganó la XX edicion del concurso internacional de guitarra de la Asociación de Guitarra de América (GFA-Miami, Florida, EE.UU.). En 2008 ganó el Concurso Internacional de Guitarra Francisco Tárrega. Por primera vez en 42 años ganó este certamen un guitarrista ruso; obtuvo además el Premio a la mejor interpretación de una obra de Tárrega y el Premio del público. Dimitri fue también el primer guitarrista que consiguió el 2º Premio en el III Concurso Internacional Alexander Tansman (Lodz, Polonia, 2000), en le que piano, violín, cello, guitarra y otros instrumentos compiten directamente entre sí; Dimitri consiguió mejor clasificación que cualquier guitarrista participante en el concurso Tansman.

Además de estos premios como guitarrista, Dimitri también ha conseguido distinciones en concursos de composición y dirección. Estudió con Natalia Dmitrieva (conservatorio Tchaikovsky de Moscú), Alexander Frauchi (Russian Gnesins´s Academy of Music) y Nikita Koshkin; también ha asistido a masterclasses de Carlo Marchione, Roberto Aussell, Hopkinson Smith y David Geringas. Actualmente Dimitri da clases en al academia de música rusa Gnesins, da conciertos como solista y con renombradas orquestas en Rusia, Turquía, Italia, Alemania, Polonia, Canadá y España. Además de numerosas actuaciones en Rusia, ha dado conciertos por toda Europa, y en México, EE.UU., Canadá, Puerto Rico, Corea y Japón.

Ha grabado varios CDs: East Side Story (Daminus Records), Premieres, con la Orquesta de Cámara de Moscú The Season (Les Editions Doberman-Yppany) y también para Naxos Laureate Series. También el CD Classical Duo (Delos Records) con Boris Andrianov, uno de los jóvenes cellistas rusos más galardonados.

Famosos compositores han dedicado sus obras a Dimitri. Angelo Gilardino le escribió el concierto Star of the Morning (Homenaje a Nikolaj Roerich) para guitarra, cello y orquesta; el ruso Nikita Koshkin le dedicó Concerto Grosso para guitarra y orquesta.

Desde 2006 Dimitri, junto a la Sociedad Filarmónica de Moscú, organiza el Guitar Virtuosi Festival de Moscú, que se realiza e una de las más prestigiosas salas del mundo –la Sala Tchaikovsky.

"Enfermedades producidas por la ejecuciòn de la guitarra"(Salud para Guitarristas 1)

2011-03-30T04:32:00.000-07:00

Por el Dr: Carlos Rubèn Gòmez(autor de la Escuela fisiològica de la guitarra)

La mayoría de los guitarristas desconoce que puede enfermarse por tocar la guitarra. Esta falta de conciencia puede tener graves consecuencias, pues las enfermedades que se producen por lesiones muy pequeñas y acumulativas (enfermedades por sobreuso) pueden perturbar de tal modo la practica del instrumento que el guitarrista puede llegar a abandonar su carrera musical. Una nueva corriente en la difusión de dichos conceptos está comenzando a gestarse en el mundo del arte. Casos emblemáticos como los de Schumann y Teleman que padecieron enfermedades por sobreuso. Están siendo considerados como un llamado de atención.
No obstante, suele ocurrir que el guitarrista que comienza paulatinamente con pequeños dolores y molestias no le de importancia, mientras no le perturbe en su ejecución. Puede ser que no quiera parar porque tiene que seguir una gira, por razones profesionales, por conceptos equivocados como por ejemplo que cuando duele es mejor, por desidia, por negación, o quizá también por temor al ridículo o a tener algo malo. Múltiples razones imposibles de enumerar en su totalidad pueden contribuir a que estas lesiones progresen.
Cuando el guitarrista consulta a un médico, lo más común es que un médico, que desconozca la existencia de estas enfermedades, no sepa qué está pasando, le de reposo, un calmante y basta. Con lo cual no soluciona el problema.
Al final el guitarrista cansado de los médicos puede recurrir a medicinas alternativas (curanderos, etc). Con lo cual la enfermedad continúa. Cuando el guitarrista llega al Medico del Arte (que es una especialidad nueva y queatiende dichos problemas) tal vez la enfermedad ya sea irreversible. Por eso es tan importante defendernos de dichas contingencias.
¿Que debemos hacer?Primero saber que dichas enfermedades existen. Ante los primeros síntomas consultar con médicos que sepan atender el problema, que en general, atendido a tiempo puede ser reversible y de poca monta.
¿Cuáles son estas enfermedades?Se producen en un porcentaje elevadísimo: entre un 50 a 70% de los guitarristas. Las partes del cuerpo más afectadas son los miembros superiores (hombros, brazos, antebrazos, mano y dedos). Las lesiones son producidas por el uso excesivo de las manos, que provoca el roce de los tendones y dichos roces producen lesiones inflamatorias que se van acumulando con el tiempo.(enfermedades por sobreuso).
Síndrome del túnel carpiano Se afectan los tendones que flexionan los dedos el dolor aparece en la palma de la mano y se "duermen" los dedos pulgar, indice y medio por compresión del nervio mediano. El dolor suele agudizarse de noche y despertar al guitarrista.
Dedo en resorteCuando la inflamación del tendón provoca un agrandamiento localizado del mismo, al pasar por la 'vaina´, más estrecha, salta de golpe como un resorte.
Codo de tenista Ocurre cuando se altera un músculo (segundo radial) que sirve para fijar la muñeca para que los dedos puedan ejecutar, es frecuente en los tenistas. Aparece un dolor en el codo y en el dorso de la muñeca.
Distonía Es una contracción brusca, involuntaria, que se produce en determinadas circunstancias: por ejemplo al ejecutar la escala cromática o un arpegio, el dedo se levanta y perturba la ejecución. Es una enfermedad hereditaria que se desarrolla con la ejecución de la guitarra, después de varios años como guitarrista.

Slash se presenta en Caracas.

2011-03-27T07:53:00.000-07:00

Slash, uno de los guitarristas de mayor renombre de los últimos 20 años, conocido por haber sido uno de los creadores de bandas como Gun's N Roses y Velvet Revolver, se presenta en Caracas para ofrecer una única presentación el 31 de marzo en el Anfiteatro del Sambil.

Reconocido como uno de los más importantes guitarristas de rock, Saúl Hudson, mejor conocido como Slash, se dio a conocer a mediados de los 80s, cuando 'Appetite for Destruction', el primer disco de su banda, Guns N' Roses, se convirtió en el disco debut más exitoso de la historia, comenzando así una saga llena de fama, conciertos multitudinarios, y mucha polémica, que fueron las constantes durante los 12 años que Slash se mantuvo como parte fundamental de Guns N'Roses.

Muchos de sus éxitos de esa época se han convertido en auténticos himnos y sus solos de guitarra han sido constantemente ubicados ente los mejores del rock. Ha sido igualmente exitoso con sus otros proyectos musicales, como Snakepit y Velvet Revolver, banda que formó con varios de los miembros de Guns N' Roses.

Las entradas están a la venta en Esperanto del CC San Ignacio, CC Tolón y en la tienda Confetti del Sambil. Venta online a través de www.profitproducciones.com.

John Williams ha contribuido de forma decisiva a despertar el interés por la guitarra clásica...

2011-03-20T05:42:00.000-07:00

John Williams ha contribuido de forma decisiva a despertar el interés por la guitarra clásica no solo por su trabajo en solitario, sino también colaborando con intérpretes de rock, jazz y world music.
Al igual que Julian Bream, ha ampliado y enriquecido el repertorio de la guitarra clásica y es considerado mundialmente como uno de sus más destacados exponentes. No obstante, a diferencia de Bream, que se ha dedicado de manera exclusiva a la música occidental, Williams se ha involucrado con frecuencia en proyectos de fusión. Ha colaborado con intérpretes procedentes del mundo del jazz y del rock, grabando discos muy exitosos, y manteniendo a la vez una carrera musical de tipo más convencional en la plataforma de los conciertos.

Nacido en Melbourne, Australia, John Williams emigró con su familia a Inglaterra en 1952. Al principio le enseñó a tocar la guitarra su padre, fundador de un centro de educación musical muy influyente, el Spanish Guitar Center de Londres. En su juventud, estudió en el Royal College of Music, y también viajó a Siena, Italia para estudiar en la Accademia Chigiana con Andrés Segovia, regresando a Inglaterra en 1957. Tras debutar en el Wigmore Hall de Londres en 1958, tardó muy poco en convertirse en un prestigioso solista respetado en todo el mundo por su estilo de técnica depurada y por la claridad de sus notas. Williams sobresalía en la interpretación del repertorio estándar del instrumento (que incluía las piezas españolas y las transcripciones de Bach popularizadas por Segovia), pero en los años sesenta empezó a decantarse cada vez más por la exploración de nuevos territorios musicales.
El interés de Williams por la música popular se refleja en su disco Changes (1971), realizado con el compositor y arreglista cinematográfico Stanley Myers, cuyo tema "Cavatina", utilizado en la banda sonora de The Deer Hunter (1978), proporcionaría más adelante al guitarrista un exitoso sencillo. En 1979, Williams se convirtió en nuevo miembro de Sky, un grupo híbrido de rock y música clásica en el cual tocaba tanto la guitarra acústica española como la guitarra eléctrica. A pesar de las burlas de los puristas, los discos de la banda se vendían muy bien y Williams continuó en el grupo hasta 1984.
Su relación con Sky y, más adelante, con el jazz y el folk, nunca debilitó su compromiso con la música formal. Desde los años setenta, ha promocionado de forma muy activa nuevas piezas de corte clásico y ha defendido piezas desconocidas u olvidadas que merecían salir a la luz. Además, se ha asociado de forma muy estrecha con dos compositores y guitarristas latinoamericanos: Agustín Barrios (1885-1944), el "Paganini de la guitarra" paraguayo, y leo Brouwer (1939), de Cuba. También ha tocado en dúo de forma regular con Julian Bream hasta finales de los setenta y ha continuado los esfuerzos por popularizar la guitarra clásica.
Williams continuó manteniendo una apretada agenda de giras, conciertos y grabaciones en solitario y apareciendo como músico invitado del grupo chileno Inti-Ilimani. También ha tocado mucho con su propio grupo de World music, John Williams and Friends. En el año 2003 grabó un CD con música de compositores venezolanos llamado "El Diablo Suelto"·

Chuck Berry se recupera en su hogar...

2011-01-04T07:41:00.000-08:00

LOS ÁNGELES, ESTADOS UNIDOS (03/ENE/2011).-Informador.com... El cantante estadunidense Chuck Berry, considerado una leyenda del rock and roll, ya descansa en su casa de San Luis tras haber sufrido un desmayo mientras ofrecía un concierto el pasado fin de semana en Chicago, señalaron medios locales.

De acuerdo con su amigo Joe Edwards, el músico se recupera en su hogar y no necesitó hospitalización.

'Creo que fue sólo agotamiento', dijo Edwards, y explicó que Berry ofreció dos conciertos en Nueva York en la víspera de Año Nuevo y casi de inmediato viajó a Chicago para tocar en el Congress Theater el sábado por la noche.

'Creo que ya para cuando el concierto de Chicago estaba por terminar, se cansó', añadió.

Berry, de 84 años, se encontraba en plena actuación, en el Congress Theater de Chicago, de su espectáculo "Winter Dance", cuando se sintió indispuesto y se desmayó.

Chuck Berry se desplomó sobre el teclado cuando llevaba más o menos una hora de actuación. Desde el teatro se pidió una ambulancia y el equipo médico atendió al cantante en el escenario.

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"Richard Sambora"

2010-07-06T09:08:00.000-07:00

Richard Stephen Sambora (nacido el 11 de julio de 1959 en Perth Amboy, New Jersey), de nombre artístico Richie Sambora, es el guitarrista y principal compositor junto a Jon Bon Jovi del grupo que ambos lideran, Bon Jovi.

En 1983, después de haber audicionado para ser el nuevo guitarrista de Kiss y no conseguirlo, vio a Bon Jovi en vivo en New Jersey. Al final del concierto, Sambora se acercó a Bon Jovi y le dijo "yo soy el guitarrista que necesitas", y tras tocar varios minutos le convenció para entrar en la banda. Salta al estrellato junto a su banda con el exitoso album Slippery When Wet (1986), de él sale el single "Wanted Dead Or Alive", pero sobre todo Sambora se destaca por sus riffs y solo de esta canción. Posteriormente, después de actuar en los MTV Awards (1989) y en el Moscow Muisc And Peace Festival, la banda no lanzó más discos.

En 1991 Sambora lanzó su disco en solitario "Stranger In This Town" (1991), con temas como Rosie, Ballad of Youth o Mr. Bluesman (canción en la cual el solo es interpretado por Eric Clapton, haciéndose realidad uno de los sueños de Richie) luego de una gira de promoción de este disco, Bon Jovi se reúne en 1992 y graban Keep The Faith. En 1994 contrajo matrimonio con la actriz Heather Locklear y tuvieron una hija, de nombre Ava. A principios del 2006, la pareja se separó en medio de diversos escándalos, una de las causas fue el escarceo amoroso de este con la mejor amiga de su mujer, Denise Richards. Desde el 2009 forma parte del prestigioso "Songwriters Hall of Fame" (Salón de la Fama de los compositores) junto a su compañero de grupo Jon Bon Jovi.Fue colocado en el puesto Nº 28 según la revista Total Guitar de los 100 mejores guitarristas de la historia . Se destacó junto a Jon Bon Jovi, ya que este último no es el único líder, sino que Richie ha sabido demostrar que puede ser un excelente frontman, basado en su carisma y su gran capacidad de show "On the stage"

Es un virtuoso guitarrista mundialmente reconocido, no solo por la banda que integra sino por su estudio sobre las escalas pentatónicas.

Richie ha lanzado dos discos como solista, Stranger In This Town (1991) y Undiscovered Soul (1998), ambos han tenido un éxito moderado, pero son obras de gran calidad de composición y muy valoradas por los seguidores de Bon Jovi. Ha realizado colaboraciones con Eric Clapton, B.B. King, Eddie Van Halen o Bryan Adams entre otros artistas.

Infancia
A corta edad, ya se inclinaba hacia el mundo de la música, tratando de tocar el piano, el saxofón o la trompeta, pero a los 14 años se decidió por la guitarra. Fue a la raíz de la muerte de Jimi Hendrix que empezó a tocar guitarra, influenciado por sus ídolos: Eric Clapton y Jimmy Page. Después tomo su estilo y principal influencia de Joe Perry. Comenzó tocando en pequeños grupos: Screaming Minds, Bruce Foster Band, Duke Williams & The Extremes, Mercy y The Message (con Alec John Such, quien posteriormente también se uniría a Bon Jovi).

Los 80
Inicios
En 1983 despues de haber audicionado para ser el nuevo guitarrista de KISS , Richie fue a un concierto de Bon Jovi, una banda que ganaba cada vez mas popularidad en New Jersey, despues del concierto, Richie se acercó a Jon y le dijo: " Yo soy el guitarrista que necesitas", Jon lo miro con cara de superioridad preguntándose: "¿Quién es este loco?", como Jon estaba cansado le dio poco tiempo para que le demostrase lo que sabe hacer, en ese poco tiempo Richie dejó asombrado a Jon y este lo contrato. En el siguinte año graban el primer disco de la banda con el mismo nombre de esta destacandose el tema Runaway, que sonaba mejor en vivo, luego de una gira se encierran en los estudios para grabar el segundo disco.

En 1985 sale a la venta 7800º Fahrenheit,aunque su calidad era baja ya que habian tenido 6 semanas para grabarlo. Cabe destacar que en vivo las canciones de este disco sonaban mucho mejor y sin duda Richie era quien mas se destacaba con unos solos extensos y unos arreglos alucinantes a todas las canciones. "In And Out Of Love" era la cancion en vivo que mejor tocaba Richie, empezaba con un llamado "supersolo", y la lleveva al Heavy Metal. En el disco en vivo "Document In Japan"(1985) se puede oir claramente la clase de guitarrista que es Richie.

La fama
En 1986 lanzan Slippery When Wet, uno de los 100 discos mas vendidos del mundo, del que salen los singles: You Give Love a Bad Name, Never Say Goodbye, Wanted Dead or Alive(considerada la mejor composicion de Richie), y Living On A Prayer en la cual utilizo por primera vez el Talk Box y es considerada la mejor cancion de los 80's. Con estas canciones lograron acuar en los MTV VMA's con la cancion "Living on a Prayer" ganando el premio a mejor presentacion, en una presentacion en Sydney(Australia), Richie tocó un "supersolo" haciendo sonar su guitarra como una motocicleta y luego como una ambulancia . En 1987 tambien se presentaron en el Monsters Of Rock Festival, siendo Bon Jovi la principal atracción, para ese entonces con ese gran repertorio la banda tocaba excelente en vivo siendo Richie obviamente el mas destacado de la banda, luego lanzan el disco en vivo "Live In Cincinati" en el que se puede apreciar las grandes técnicas que Richie usa para todas las canciones.

En 1988 lanzan New Jersey que se convirtio en otra superventa para la banda y en donde Richie compone su primera cancion Heavy Metal: Lay Your Hands On Me, pero vale tambien destacar otras canciones que tienen una gran composicion entre ellas otra que esta dentro del Heavy Metal: "Homebound Train", y otras canciones propias del estilo de la banda como "Born To Be My Baby", "Blood On Blood" Y Bad Medicine. En ese mismo año Bon Jovi se presenta junto a Aerosmith tocando "Walk This Way" en donde claramente Richie se destaca mas que Joe Perry . el disco ganaba cada vez mas reputación aunque era muy sentimental. En 1989 tocan en el Moscow Music And Peace Festival donde Bon Jovi fue la mejor banda en actuar . Posteriormente se separaron en 1990.

Los 90
El 31 de Diciembre de 1990 en Japon, Bon Jovi dio el concierto de año nuevo empezando con "Tokyo Road" donde Richie tocó como nunca.[7] En 1991 Richie lanzó su primer disco en solitario "Stranger In This Town" con temas como "Rosie" que se caracterizaban por tener un sonido distinto a Bon Jovi; el album tuvo exito moderado aunque es muy valorado por los fans de Bon Jovi.

En 1992 tras una ausencia discografica de 4 años la banda vuelve y lanzan "Keep The Faith" un disco con otro estilo a los anteriores era mas Hard Rock y habian abandonado las raices Heavy Metal. El disco fue un exito mundial la banda dio una gira por 37 paises dando en ese tour el concierto mas pesado de la historia. En 1993 tocaron en un programa dedicado solamente a Bon Jovi en MTV. Los cambios eran notorios Richie habia cambiado su estilo aunque seguia tocando bien. La cancion en vivo que mas destaca es "Keep The Faith" en la que simpre ejecuta un solo al final. La cancion Dry County es considerada como una obra maestra y su solo es una de las mejores composiciones de Richie por su solo que dura casi 2 minutos.

En 1994 contrajo matrimonio con la actriz Heather Locklear con la que tuvo una hija llamada Ava Elizabeth; luego junto a su banda lanzan "Crossroad", otro de los discos mas vendidos, aunque es ahi donde verdaderamente caen en el Hard Rock con temas como "Always", aunque no hicieron un tour muy largo fue un disco bastante apreciado.

En 1995 lanzan "These Days", un disco oscuro y Hard Rockero con el que emprenden una gira mundial tocando 3 veces en Londres y paises nunca antes visistados como Ecuador, Medio Oriente y paises de Africa.

En 1997 la banda se separa de nuevo y Richie graba su segundo disco solita "Undiscovered Soul".

Desde esta decada hasta la actualidad su estilo se trastorno debido a diversos problemas en especial porque Jon Bon Jovi no le deja lucirce mas que en unas cuantas oportunidades.

Los 2000
En el 2000 Bon Jovi regresa con el superhit "It's my life" en el que vuelve a usar el Talk Box y es considerada una de las 100 mejores canciones de esa decada. Posteriormente la banda decae, pero vale destacar dicos moderados como "Bounce", Have A Nice Day" y "Lost Highway". En 2006 Richie se divorcio de su esposa debido a diversos escandalos amorosos con la actris Denise Richards y empezaron unos problemas de adiccion. En 2007 Richie tuvo problemas con el alchool y las drogas, se interno voluntariamente, luego se recupero.

Guitarras y amplificadores
En los años 80, Sambora jugado sobre todo superstrats (Kramer, Jackson, Charvel, Hamer) así como modificado y costumbre Les Paul modelos, tales como su modelo de Rod Schoepfer. En 1987 temprano-mediados de, Kramer ponga hacia fuera un modelo de la firma de Richie Sambora con tres humbuckers, el cabezal inclinado pointy, el hardware del oro, los embutidos estrella-formados del fingerboard y un trémolo de fijación original de Floyd Rose, que paran la producción en 1989. Ha sido reeditado hoy por Musicco, y se nombra “estrella de Jersey”, llevando no más el nombre real de Sambora. Él también había utilizado varios otros modelos de Kramer, incluyendo una variedad de costumbre unos (los “one-offs”). Sus dos guitarras más notables del deslizadizo cuando el álbum mojado/el viaje era su firma de Kramer Richie Sambora y una Jackson blanca de encargo con un trémolo de Floyd Rose y las recolecciones del HSS, e invertido Empezar-como el cabezal. Hay también un nother de sus guitarras muy famosas de Kramer, que es un kramer doble del cuello usado en “endecha sus manos en mí”.
1989. Utiliza principalmente guitarras Kramer tipo Stratocasters, entre las cuales se incluye el modelo firmado por Richie Sambora. También Gibson Les Paul. Una guitarra hecha a medida V Shoephfer. Varias guitarras acústicas Ovation, incluida la hecha a medida de tres mástiles (un mástil para mandolina, otro con doce cuerdas y el tercero con seis cuerdas).
En 1991, Defensa publicó una firma de Richie Sambora Stratocaster modelo que ofreció una original Sistema del trémolo de Floyd Rose y una combinación de favorable humbucking de DiMarzio PAF y 2 de la defensa Tejas especial solo-arrolla recolecciones.
Esta guitarra vino en dos versiones; Americano y más adelante en 1996, japonés. el modelo Nosotros-hecho de Sambora ofreció un cuerpo del aliso con las chapas de la ceniza y estaba disponible en la cereza Sunburst y el blanco olímpico, mientras que la versión japonesa tenía un cuerpo del basswood con los gráficos negros de Paisley. Otro ofrece incluyó un cuello/un fingerboard de una sola pieza del arce con 22 trastes y estrella-formó marcadores de la posición, tan bien como un 25dB activo mediados de-alza el circuito con controles del tono de TBX y un activo/una voz pasiva de botón interruptor.

1995. Fender saca al mercado la Stratocaster modelo Richie Sambora que incluye un trémolo Floyd Rose II, pastilla Humbucker DiMarzio en el puente, e inlays con forma de estrella. Una Gibson Les Paul Goldtop del año 54. Una Fender Telecaster del 51. Dos Fender hechas especialmente para él en el taller original Fender, una con trémolo y otra sin él. Una Fender Stratocaster de doble mástil. Una Gibson ES 335 del año 59 y su vieja guitarra negra Charvel Stratocaster (utilizada para grabar 'Slippery') Y muchas más, hasta un total de 28 guitarras que se usaban dependiendo del repertorio del concierto.
1997. Modelo exclusivo Custom Shop Eric Clapton Stratocaster construido para Richie. Fender Telecaster Thinline hecha especialmente para él. Y muchas más.
En 1998 el modelo se ha puesto al día con un trémolo del vendimia-estilo, un sistema de silencioso caliente de la defensa solo-arrolla, circuito sin carga del tono y un 12dB activo mediados de-alza con un selector de botón de puente.
En el período de 2003-2006, él tocó las guitarras anchas de una variedad en etapa, incluyendo las guitarras de encargo de “Sambora” construidas por su tech Chris Hofschneider “aterronado” de la guitarra, Guitarras de Zemaitis, Floyd Rose guitarras,Zemaitis, Ovación,Taylor y Martin guitarras, vendimia y tienda de encargo Gibson y modelos de la defensa, así como las guitarras de su colección. Una de las guitarras construyó por sus características del tech de la guitarra que un fretboard hizo de arce y el palo de rosa, en un cuerpo de la ceniza con la construcción del cuello-por-cuerpo y el humbucker del costumbre/escoge/las solas recolecciones. Actualmente, él toca sobre todo la guitarra negra de encargo de “Sambora”, (que es ahora un modelo de encargo llamó sambora SA-2 para ESPECIALMENTE EL LTD, diversos modelos de Gibson Les Pauls y la defensa Telecasters y Stratocasters (vendimia, tienda de lujo, de encargo y otros modelos).
Para la mayor parte de los años 80 y el 90s temprano-mediados de, él utilizó Ordenar los amplificadores, particularmente el JCM800 modelan con " gabinetes del altavoz 4x12 y una variedad de unidades del estante y del pedal (efectos incluyendo). Durante el suyo Extranjero en esta ciudad viaje, Sambora utilizó a 2 cabezas y a cabeza del amperio de la defensa (modelo del ordenar JCM800 2203 no especificado), con los " gabinetes del ordenar 3 4x12. En 1995, Sambora comenzó a usar Defensa ToneMasters con Defensa Gabinetes del altavoz de ToneMaster 4x12 ", siguiente Actualmente Viaje. En viaje, él utilizó hasta 12 gabinetes en etapa. Para las sesiones del estudio de su álbum a solas del segundo, Alma sin descubrir, él también utilizó a Defensa Bassman 4x10 " combo y a Voz AC30. En el viaje, él utilizó Defensa ToneMasters, una cabeza del amperio del ordenar, una cabeza y un VHT Pitbull del amperio de la voz conjuntamente con Defensa Gabinetes del altavoz 4x12 " y 2x12 " de ToneMaster. En 2000, Sambora comenzó usar Ordenar Serie de JCM2000 DSL (ambas en las sesiones del viaje y de la grabación de Agolpamiento). La canción “Es mi vida“también fue registrado con a Mesa Boogie Rectificador dual. Él también ha utilizado la serie del DSL del ordenar en Despedida viaje, así como a Hughes y Kettner amperio, de vez en cuando. Durante su Tenga un día de Niza el viaje, Sambora utilizó Diezel y dividido por la amplificación 13 y los " gabinetes del altavoz 4x12 por encargo. Durante las sesiones de la grabación del estudio del Carretera perdida álbum, él utilizó los amperios incomparables, de Bogner del Ecstasy y de Diezel Herberto. En 2007, él comenzó a aparecer en etapa con 2 halfstacks, otra vez ofreciendo los amplificadores del ordenar JCM2000 DSL y los " gabinetes 4x12 por encargo.
ESP SA-2 Signature series Richie Sambora
Hughes & Kettner Triamp
Estilo
Con el pasar de los años Richie ha cambiado mucho su estilo: Paso del Hair Metal al Glam Metal fusisnandolo con el Heavy Metal; del Heavy Metal al Hard Rock, de este al Rock con sonidos modernos, de ste al Country y esta estancado en el Rock/Pop. Pero en fin se caracterisa por el uso de la palanca de vibracion y pinch armonics que muchas veces los usa unidos dando un sonido alucinante; tambien se caracterisa por pasar la vitela por las tres primeras cuerdas pero de manera inversa a lo que se hace comunmente al pasar la vitela por las cuerdas. Tambien es un guitarrista muy rapido y lo ha demostrado en cada uno de sus solos.

"Pétalos de Amor"

2010-05-12T07:26:00.000-07:00

"Los Romero, cuarteto de guitarras en Caracas"

2010-04-22T15:28:00.000-07:00

El próximo domingo 25 de abril de 2010 se presentará en la Sala Rios Reyna del Teatro Teresa Carreño la Orquesta Sinfónica Municipal con la participación de solistas internacionales. El programa del día incluye una pieza de Beethoven (Concierto para Violín) con Virginie Robilliard, el Concierto de Aranjuez y el Concierto Andaluz para cuatro guitarras con Los Romero. Las entradas para este evento están a la venta en las taquillas del Teatro Teresa Carreño.

"Carlos Eduardo Arellano"

2010-04-18T11:49:00.000-07:00

GRANDEZA ES IGUAL A HUMILDAD, y esto lo podemos ver reflejado en un gran maestro y mùsico venezolano llamado Carlos Eduardo Arellano que es uno de mis guitarristas favoritos. Esta es la direcciòn de su excelente pàgina para que todos la visiten y apoyen su trabajo, en verdad la recomiendo y no dejen de escuchar su mùsica es increible y de muy alto nivel. Carlos desde mi blog mi respeto, admiraciòn y un fuerte abrazo hermano. http://www.carlosarellano.com/music/

Carlos Eduardo Arellano es músico, compositor e instrumentista. Nació en Ciudad
Bolívar, estado Bolívar, en el sur-oriente de Venezuela en febrero de 1957. A los
cuatro años de edad se muda con su familia al Táchira, al sur-occidente del país,
donde Emilio Biggi es su primer tutor. Al cumplir 10 años ingresa a la escuela de
música Miguel Ángel Espinel de la ciudad de San Cristóbal, pero el anticuado sistema
de enseñanza adormece sus aspiraciones como músico por un tiempo.
En su adolescencia descubre múltiples vertientes musicales, desde la música tradicional
andina y afrovenezolana hasta el rock, el blues y el jazz. Estudia guitarra
clásica con el maestro Rafael Suárez. Recibió instrucción de piano en la Escuela
Normal Román Valecillos y se gradúa de maestro de música mientras cursa estudios
de ingeniería industrial en la Universidad Experimental del Táchira (UNET).
Allí, Carlos se destaca en la música y en el campo de la electrónica, la tecnología,
el audio y la grabación. Se integra al Cine Club UNET, compone y produce la música
para varias películas y obras de teatro que participaron, y ganaron, en festivales nacionales e internacionales. Tal es el caso
de Las Novias del Mendigo, de Rómulo Gallegos, dirigida por el cineasta Carlos Molina y ganadora en el Festival Internacional
de Cine de Agua Linda, Brasil, con mención a la mejor música original. Al mismo tiempo, participa como líder de sus propias
agrupaciones de rock y jazz latino.
A los 20 años, Carlos Eduardo ya era miembro del cuarteto de jazz del pianista Virgilio Armas, participa en festivales de rock,
compone cientos de jingles comerciales para radio y TV, es arreglista, compositor y ejecutante para artistas e instituciones como
Enrique Hidalgo, Gualberto Ibarreto, Gerardo Chacón, Virgilio Armas, Rotary Club International, Televisora Regional del Táchira,
Rajatabla y Televisora Niños Cantores del Zulia. Asume la dirección musical de la Televisora Regional del Táchira, donde se crea,
bajo su diseño, el primer MIDI estudio de tecnología digital de producción musical en el Occidente del país.
Algunos de los músicos con los cuales Carlos Eduardo ha tocado como invitado o miembro de banda en festivales, conciertos,
giras o grabaciones son Andrés Briceño, Pablo Gil, Roberto Koch, Gustavo Caruccí, Julio Andrade, Thomas Scarbee (Dinamarca),
Scott Lerner (EUA), Julio Flores, Miguel Chacón, María Virginia Ramírez, Otmaro Ruiz, Alexander Livinalli, Kitimba Jazz,
María Rivas, Gualberto Ibarreto, Gerardo Chacón, Rubén Soto, Benjamin Carriel, Cheo Cárdenas, Pedro López, Víctor Cuica,
Pedro Castillo, Miguel Hernández, Rodner Padilla, Gonzalo Micó, Ilan Chester, Luis Alvarado y Vitas Brenner. Ha estado presente
en diversos eventos y festivales como Nuevo Jazz en la sala Ana Julia Rojas de Caracas, conciertos en Petróleos de Venezuela
(PDVSA), gira de conciertos pedagógicos en Pto. Ordaz, San Cristóbal Jazz Festival, Festival de Jazz Mérida, con Pablo Gil y Andrés
Briceño, 2do. Festival Internacional de Música Urbana y el programa Jazz en Venezolana de Televisión (VTV), entre otros.
Su planteamiento musical es amplio, con un variado prisma de atmósferas, ritmos y tendencias, que van desde géneros como el
jazz latino, el jazz y samba fusión de Brasil, pasando por world music y la música indígena y afrovenezolana. Su exposición como
solista gira en torno a la guitarra, tanto eléctrica como acústica, y al scat o improvisación-canto simultáneos al instrumento.

"MANUEL BARRUECO"

2010-04-11T20:48:00.001-07:00

Manuel Barrueco está reconocido internacionalmente como uno de los guitarristas más importantes de nuestros tiempos. Su maestría, de un estilo muy propio, es frecuentemente calificada como la de un gran instrumentista y músico superior y elegante, con un sonido seductor y un lirismo fuera de lo común.
Barrueco ha dedicado su carrera a llevar la guitarra a los centros musicales más importantes del mundo. Durante tres décadas de conciertos, en los Estados Unidos ha actuado de un extremo al otro del país. Desde Miami con la New World Symphony hasta la Sinfónica de Seattle, y desde el Hollywood Bowl con la Filarmónica de Los Ángeles, hasta las salas más importantes de Nueva York. Ha sido solista con grandes orquestas como la Orquesta de Filadelfia y la Sinfónica de Boston con la que, bajo la dirección de Seiji Ozawa, hizo el estreno americano de To the Edge of Dream (Al Filo del Sueño) del gran compositor japonés Toru Takemitsu. Además, es invitado habitual de la Orquesta Sinfónica de Baltimore y San Francisco Performances.

Sus giras internacionales lo han llevado a las salas más prestigiosas del mundo como Royal Albert Hall de Londres, Musikverein de Viena, Concertgebouw de Ámsterdam, Philharmonie de Berlín, Teatro Real de Madrid, y el Palau de la Música de Barcelona. En Asia ha realizado una decena de giras por Japón, mas otras actuaciones en Corea del Sur, Taiwán, Singapur y Hong Kong. En Latinoamérica ha actuado en Méjico, Brasil, Colombia, Costa Rica y Puerto Rico. Ha sido solista con orquestas como la Sinfónica del Estado Ruso, la Filarmónica de Helsinki, Filarmónica Real de Londres, Orquesta NHK de Japón, la Filarmónica de Nuevo Japón, la Sinfónica de Auckland de Nueva Zelanda, y las orquestas de la radio de Munich y Frankfurt.

Manuel Barrueco ha realizado más de una docena de grabaciones para EMI. Su grabación del Concierto de Aranjuez de Joaquín Rodrigo, con Plácido Domingo como director y la Orquesta Philharmonia, fue elegida por Classic CD Magazine como la mejor grabación realizada de dicha pieza, y su disco "¡Cuba!", ha sido calificado como "una proeza musical extraordinaria" por el San Francisco Chronicle. "Nylon & Steel" es una selección de dúos con otros grandes de la guitarra como Al Di Meola, Steve Morse (Deep Purple) y Andy Summers (The Police), con los que demuestra su excelente creatividad y versatilidad musical. "Concierto Barroco", su último disco con Víctor Pablo Pérez y la Orquesta Sinfónica de Galicia, recibió una nominación a los Latin Grammys como la Mejor Grabación Clásica. Este disco contiene estrenos mundiales de nuevos conciertos para guitarra y orquesta de Roberto Sierra y Arvo Pärt, así como dos conciertos de Antonio Vivaldi. El resto de sus grabaciones incluyen repertorio español y latinoamericano, Bach y Mozart, Keith Jarrett y Chick Corea, etc... Colaboró con la soprano Barbara Hendricks y el flautista Emmanuel Pahud en "Cantos y Danzas", con The King's Singers en un disco con música de Strauss, y con la Sinfónica de Londres en el disco "Manuel Barrueco plays Lennon & McCartney". Sus primeras grabaciones para la casa Vox se han convertido en un clásico entre las grabaciones de guitarra.

Su interés por la música contemporánea y su dedicación a contribuir a la ampliación del repertorio para guitarra, lo ha llevado a colaborar con compositores tan prestigiosos como Steven Stucky, Michael Daugherty, Roberto Sierra, Arvo Pärt y Toru Takemitsu, cuya última obra orquestal Spectral Canticle (Cántico Espectral) es un doble concierto escrito para Manuel Barrueco y el violinista Frank Peter Zimmermann.

En la televisión norteamericana ha aparecido en programas como "CBS Sunday Morning", A&E "Breakfast with the Arts" y "Mister Rogers' Neighborhood." El documental biográfico "Manuel Barrueco: Un Don y Una Vida" (Manuel Barrueco: A Gift and a Life) ha sido emitido por varias estaciones de la televisión publica (PBS) del país, incluyendo el WNET-TV en Nueva York. Asimismo, ha protagonizado un anuncio publicitario del automóvil Lexus. En otras partes del mundo, sus conciertos han sido retransmitidos por diferentes cadenas de televisión como NHK TV de Japón, Bayerischer Rundfunk TV de Alemania y RTVE de España.

Entre sus próximos proyectos se encuentra el estreno de Danzas Concertantes del compositor Roberto Sierra con la Orquesta Sinfónica de Castilla y León, y un nuevo quinteto de Gabriela Lena Frank el cual Barrueco llevará en gira con el Cuarteto Latinoamericano. También actuará como solista con la Orquesta Nacional de España, con la Orquesta de Cámara St. Paul, con las orquestas sinfónicas de New Jersey y Utah, y ofrecerá recitales en Liechtenstein, Islandia, San Francisco y Seattle. También participará en los Festivales de Guitarra de Koblenz y Córdoba, en Alemania y España, respectivamente.

Próximamente serán editados dos nuevos discos, ambos con música de Astor Piazzolla, "Solo Piazzolla" y "Tango Sensations", éste último en colaboración con el Cuarteto Latinoamericano. Estas grabaciones saldrán como parte de la Colección Manuel Barrueco, bajo el sello discográfico Tonar, específicamente creado para lanzar las grabaciones de Barrueco.

Manuel Barrueco comenzó a tocar la guitarra a la edad de ocho años, asistiendo a clases en el Conservatorio Esteban Salas de su ciudad natal, Santiago de Cuba. En 1967 emigró con su familia a Estados Unidos como refugiados políticos y completó sus estudios superiores en el Conservatorio Peabody de la ciudad de Baltimore. Es en ese mismo conservatorio donde en la actualidad es profesor y comparte sus experiencias y conocimientos con un pequeño numero de jóvenes talentos guitarristas llegados de todas partes del mundo.

George Benson

2010-04-04T15:11:00.000-07:00

George Benson (Pittsburgh, 22 de marzo de 1943) es un guitarrista estadounidense de jazz; ha hecho también algunas exitosas aportaciones al jazz vocal (su voz es grave y su canto similar en su manierismo al de artistas como Stevie Wonder y Donny Hathaway). Se trata de uno de los artistas de jazz más populares de las últimas décadas, habiendo recibido además encendidos elogios por parte de la crítica.

Niño virtuoso de la guitarra, grabó su primer single "It should have been me" a la edad de los 10 años. Su música ha abarcado tanto el swing y el bop como el hard bop, el quiet storm y la fusión del jazz con el pop y el soul; en Benson se pueden reconocer las influencias de Charlie Christian y Wes Montgomery. Es un guitarrista con un gran dominio de la velocidad de ejecución y del swing.
Benson comenzó su carrera artística como cantante, actuando en nightclubs a los ocho años y grabando cuatro caras para el sello X de RCA en 1954; formó también una banda de rock a los 17 en la que ya tocaba la guitarra. Su audición de las grabaciones de Christian, Montgomery y Charlie Parker le llevaron a interesarse en el jazz y, hacia 1962, empezó a tocar en la banda de Brother Jack McDuff. Tras formar su grupo en 1965, Benson grabó dos discos de soul jazz y hard bop para Columbia y colaboró en otros discos con artistas como Miles Davis, en Miles in the Sky. Firmó con Verve en 1967 y, tras la muerte de Montgomery, el productor Creed Taylor le hizo grabar con grandes conjuntos en A&M (1968-1969) y CTI (1971-1976).

Estos discos le convirtieron en una estella dentro del mundo del jazz, popularmente empezó a adquirir resonancia tras prodigarse más en lo vocal tras firmar con Warner Bros. en 1976. Su primer disco para esta compañía, Breezin', se convirtió en un éxito gracias a su solo vocal en la canción "This Masquerade" lo que le llevó a frecuentar la fusión con el pop, cuya culminación fue el disco producido por Quincy Jones, Give Me the Night (1980). Durante los ochenta frecuentó material comercial dejando su guitarra únicamente como acompañamiento. A finales de los ochenta, volvió a terrenos jazzísticos grabando un disco de estándares, Tenderly, y otro con la banda de Basie, en los que su guitarra volvió a tener protagonismo. Su oscilación entre el jazz y el pop ha sido frecuente desde entonces....

Álbumes:

1964: George Benson/Jack McDuff
1964: The New Boss Guitar
1965: Benson Burner
1965: It's Uptown
1966: The George Benson Cookbook
1966: Willow Weep for Me
1967: Blue Benson
1968: Giblet Gravy
1968: Goodies
1969: Shape of Things to Come
1969: Tell It Like It Is
1969: The Other Side of Abbey Road
1970: I Got a Woman & Some Blues
1971: Beyond the Blue Horizon
1972: White Rabbit
1973: Jazz on a Sunday Afternoon, Vol. 1
1973: Jazz on a Sunday Afternoon, Vol. 2
1973: Witchcraft
1974: Body Talk
1975: Bad Benson
1976: Good King Bad
1976: Benson & Farrell
1976: Breezin'
1977: In Concert-Carnegie Hall
1977: In Flight
1978: Space Album
1978: Weekend in L. A.
1979: Livin' Inside Your Love
1979: Take Five
1980: Cast Your Fate to the Wind
1980: Give Me the Night
1981: GB
1981: The George Benson Collection
1983: In Your Eyes
1983: Pacific Fire
1984: 20/20
1984: Live in Concert
1985: The Electrifying George Benson
1986: While the City Sleeps...
1987: Collaboration (con Earl Klugh)
1988: Twice the Love
1989: Tenderly
1990: Big Boss Band
1991: Midnight Moods
1992: The Essence of George Benson
1993: Love Remembers
1994: The Most Exciting New Guitarist on the Jazz Scene
1995: The Best of George Benson
1996: California Dreamin'
1996: Lil Darlin'
1996: That's Right
1998: Standing Together
1998: Masquerade
1999: The Masquerade Is Over
2000: Live at Casa Caribe
2000: Absolute Benson
2001: All Blues
2002: Blue Bossa
2002: After Hours
2003: Irreplaceable
2003: The Greatest Hits of All
2004: Golden Legends Live
2005: Jazz After Hours with George Benson
2005: Best of George Benson Live
2006: Givin' It Up (con Al Jarreau)
2006: Givin' It Up (con Al Jarreau)
2007: Live from Montreux
2009: Songs And Stories

Sencillos:

1975: "Supership"
1976: "This Masquerade"
1976: "Breezin'"
1977: "Everything Must Change"
1977: "Nature Boy"
1977: "Gonna Love You More"
1977: "The Greatest Love of All"
1978: "On Broadway"
1978: "Lady Blue"
1979: "Love Ballad"
1979: "Unchained Melody"
1980: "Give Me the Night"
1980: "Love X Love"
1981: "Love All the Hurt Away" (con Aretha Franklin)
1981: "Turn Out the Lamplight"
1981: "What's On Your Mind"
1981: "Turn Your Love Around"
1982: "Never Give Up on a Good Thing"
1983: "Inside Love (So Personal)"
1983: "Lady Love Me (One More Time)"
1983: "Feel Like Makin' Love"
1983: "In Your Eyes"
1984: "Late At Night"
1984: "20/20"
1985: "Beyond The Sea (La Mer)"
1985: "I Just Wanna Hang Around You"
1985: "New Day"
1985: "No One Emotion"
1986: "Kisses in the Moonlight"
1986: "Shiver"
1987: "Teaser"
1988: "Twice the Love"
1998: "Standing Together"
2004: "Cell phone"

"Chamado"

2010-04-02T23:26:00.000-07:00

"Mais Choro serás tú"

2010-04-02T23:14:00.000-07:00

"Samba Doido" Julio Medina

2010-03-07T09:35:00.000-08:00

John Petrucci - Estiramientos y masajes

2010-02-14T17:46:00.000-08:00

"Nirse González"

2010-02-14T13:42:00.000-08:00

Hoy recibí la grata noticia de la culminación del postgrado con la máxima nota y una estrella que otorgan en Alemania como sobresaliente de nuestro gran guitarrista y mejor amigo Nirse González, que orgullo…

Tal como me comenta Nirse, el examen se realizó en dos partes, la primera el día 13 de enero donde interpretó el Concierto de Aranjuez acompañado con piano, la segunda parte y final se realizó ayer 13 de febrero en Düsseldorf en la sala de concierto PartiKasaal de la universidad de música Robert Schumann, con diferentes Jurados: el director de orquesta de la opera de Düsseldorf, un cantante, un pianista y un guitarrista.

En el programa de la segunda prueba interpretó la sonata BWV 1001 de Bach para Violín ( transcripción de Nirse ), Piazzola La muerte del Ángel y Verano porteño, Rondo de Aguado , la sonatina de Torroba y el Nocturnal de Britten , luego interpretó dos bis El Niño y Natalia de Antonio Lauro .

Nirse, Felicidades por tus logros, todo lo mejor, un fuerte abrazo desde Venezuela…

www.nirse-gonzalez.com

"Jason Becker"

2010-02-14T06:09:00.000-08:00

Jason Becker nació el 22 de julio, 1969, Estados Unidos.
Comenzó a tocar la guitarra desde muy joven, debido a que su padre y su tío eran guitarristas. Tocaba temas de Bob Dylan, Eric Clapton, Jeff Beck, Jimi Hendrix, Eddie Van Halen e Yngwie Malmsteen etc, además como el mismo afirma en su video "The legendary guitar of Jason Becker", aprendió a tocar de oído y de forma autodidacta, ya que traspasó ampliamente las influencias de su tío y su padre: "escuchaba frases de Yngwie Malmsteen en sus conciertos o una obra de Stravinski y luego tocaba esas frases de oído en mi guitarra, los fallos que cometía al tocarlas de oído hicieron que desarrollase mis propias frases". Jason Becker estudio el trabajo del violinista Niccolò Paganini. A los 16 años conoce a Marty Friedman, guitarrista que ya había editado un par de discos.

Su primer disco, Perpetual Burn (1988), demostraba la habilidad técnica y compositiva de Becker, con muchas influencias clásicas, principalmente barrocas (puestas de moda en la época por Yngwie Malsmteen) e influencias provenientes de Stravinski, es decir neoclásicas y serialistas, como se puede notar en todo su disco, además de las influencias de armonías orientales occidentalizadas que le inculca Marty Friedman en Cacophony y por supuesto, el rock, heavy metal, thrash metal e incluso blues, incluyendo en su canción "Eleven Blue Egyptians" una serie de solos improvisados en Blues Bar.

A los 20 años, se une a la banda de David Lee Roth (vocalista de Van Halen) gracias a unos demos en los que Becker interpretaba canciones de Van Halen como Hot For Teacher, entre otras. Este puesto era muy codiciado, ya que estaba reemplazando al muy respetado guitarrista Steve Vai.

Mientras grababan el álbum de 1989, A Little Ain't Enough, Becker comienza a sentir algo raro en la pierna derecha.

En 1989 le diagnostican Esclerosis lateral amiotrófica (ALS - el mal de Lou Gehrig), una extraña e inusual enfermedad que atrofia todos los músculos del cuerpo hasta finalmente morir. Le dan solo 3 años de vida.

Porfín pudo terminar el álbum usando guitarras delgadas y otras técnicas ya que la enfermedad cada vez lo iba inmovilizando más y más.

En 1990 sale elegido como el mejor guitarrista del año según los lectores de la revista Guitar Magazine.

Durante la gira con David Lee Roth, Becker comienza a perder la movilidad de su cuerpo, no puede tocar la guitarra y empieza a componer en un teclado, primero con las dos manos, luego con una. Hasta que pierde la movilidad casi total de su cuerpo por culpa de la enfermedad, llegando a poder mover únicamente los ojos con los que se comunica con su familia y además mediante un sistema informático adaptado a sus ojos empieza a componer su disco Perspective(1996), este disco tan sólo rescata una canción tocada por él, que es más bien una improvisación, el resto lo compone con los ojos mediante el ordenador y lo interpreta su gran amigo y virtuoso guitarrista Michael Lee Firkins, acompañado por una orquesta.

Ya sin movilidad, Becker vive con su familia sentado en una silla de ruedas y comunicándose mediante movimientos de sus ojos. Aún así, en 1999 y 2003 editó 2 nuevos discos llamados Raspberry Jams y Blackberry Jams respectivamente, compuestos por demos grabados en su estudio de su casa, ensayos, improvisaciones y rarezas. A pesar de que los doctores le dijeron que sólo iba a tener 3 años de vida, Becker ha podido sobrevivir durante 18. La historia de su vida esta resumida en el video The Legendary Guitar of Jason Becker, que además incluye una clínica suya en Atlanta en un instituto cuando estaba sano e imágenes de conciertos suyos con Cacophony además de otros contenidos inéditos.

Só Sambistas "Samba Doido" Julio Medina

2010-02-12T16:03:00.000-08:00

Parte del concierto de Só Sambistas en en Centro de Arte La Estancia. La Floresta, Caracas, Venezuela, Febrero 2010. El tema "Samba Doido" de Julio Medina.
Los Músicos de derecha a izquierda: Daniely Benitez ( chocalho), Julio Medina (Guitarra), Pedro Isea (pandeiro)

Só Sambistas "Chamado" Julio Medina

2010-02-12T16:01:00.000-08:00

Parte del concierto de Só Sambistas en en Centro de Arte La Estancia. La Floresta, Caracas, Venezuela, Febrero 2010. El tema "Chamado" de Julio Medina.
Los Músicos de derecha a izquierda: Daniely Benitez (Flauta, voz, percusión), Luciano Calello (Banjo, coros), Julio Medina (Guitarra, coros), Pedro Isea (Surdo, tantan, pandeiro, voz), José Ramón Navarro (Repique de mão, Pandeiro) y Luis Miguel Cabriles (Tambourim, Pandeiro, Agogo, chocalho)

Giuliani Concierto para Guitarra y Orquesta Solista: Luis Quintero

2010-01-23T08:43:00.000-08:00

"Romero Lubambo"

2010-01-01T09:14:00.000-08:00

Romero Lubambo nació en Río en 1955.

Empezó a estudiar guitarra en la escuela Villa Lobos de Río de Janeiro a los diecisiete años. Iniciado en la música clásica, posteriormente le sedujo el jazz, estudiando improvisación y armonía.

También estudió con el gran maestro Guerra Peixe, quien llegó a componer una pieza para Romero por la gran fluidez y elocuencia de su técnica con la guitarra Mientras estudiaba ingeniería mecánica, tocaba en bares de Río. Posteriormente, en 1985, se fue a vivir a Nueva York, donde vive desde entonces.

Hoy día es uno de los músicos más requeridos por su gran dominio de la guitarra en diferentes estilos, profundo conocimiento y creatividad armónica, unido a una técnica personal depurada, que ha llevado a los críticos a calificarle como uno de los mejores músicos en su instrumento en actividad hoy en el mundo. Ha tocado con muchas de las primeras figuras del jazz y la música brasileña como Dianne Reeves, Michael Brecker, Yo-Yo Ma, Kathleen Battle, Diana Krall, Herbie Mann, Wynton Marsalis, Jane Monheit, Kenny Barron, Ivan Lins, Grover Washington Jr., Vernon Reid, Flora Purim and Airto, Sadao Watanabe, Paquito D’Rivera, Harry Belafonte, Larry Coryell, Gato Barbieri, Leny Andrade, James Carter, Paula Robison, Dave Weckl, Claudia Acuña, Jason Miles, Regina Carter, Luciana Souza, Gil Goldstein y Cesar Camargo Mariano además de muchos otros.

En Honor a mi gran Amigo y excelente guitarrista Horacio Castillo...

2009-11-11T09:36:00.000-08:00

Nació en Posadas, Misiones en el seno de una familia en la que predominaron desde siempre los encuentros musicales – sobre todo de música del litoral (chamamé) - y rodeado de un paisaje abundante en ríos y selva, ámbito mejor que forjaría en él tanto la sensibilidad, como también el amor por la música y la naturaleza.-
Su primer acercamiento a la guitarra fue en forma autodidacta, y como desde muy temprana edad sintió especial interés por la música popular argentina y del litoral, conformó y fue parte de diferentes agrupaciones dedicadas a estos géneros.-
Inició sus estudios formales de guitarra y lecto-escritura musical en el Liceo Municipal de la ciudad de Santa Fe, estudios que luego complementó con los de armonía y piano en el Instituto Superior de Música de la misma ciudad. Realizó cursos de “Arreglos y formas musicales” con Juan Falú, de “Tango” con Rodolfo Mederos, y de “Ensamble” con Lilián Saba.-
Con el trío de música del litoral “LA TRÍADA ” del cual fue fundador, recorrió distintos escenarios del país entre los que se destacan el Festival Nacional de Chamamé, el Festival de Doma y Folklore y el Festival Nacional de Folklore de Cosquín.-
Desde el año 2002 fue guitarrista estable del reconocido acordeonista RAÚL BARBOZA, junto a quien realizó giras ininterrumpidas por Argentina, Brasil, Uruguay y algunas ciudades de Francia.-
A partir del 2005 fue convocado por el maestro Juan Falú para participar del Festival Guitarras del Mundo.-
Realizó presentaciones en dúo junto al acordeonista Julito Ramírez ( Barranquera-Chaco), y en trío junto al percusionista Cacho Bernal y el marimbista Mauricio Bernal ( MATERERÉ trío Posadas- Misiones); interpretando sus propias composiciones y arreglos sobre el cancionero popular argentino y latinoamericano.-
Compartió escenarios con artistas de la talla de Juan Falú, Liliana Herrero , Rudi Flores, Teresa Parodi , Chango Spasiuk, Juan Quintero, Coqui Ortíz, Daniel Maza, Jorge Orozco, Aca Seca y el Alter Quintet, entre otros. Así mismo prestó su colaboración e hizo sus aportes en calidad de intérprete, compositor y arreglador, en las producciones discográficas de éstos mismos y de muchos otros músicos argentinos como ser Los Núñez y Ruíz Guiñazú, Natalia Pérez , Patricia Noval, Guillermo Ibáñez, Trío derecho viejo, Martín Sosa, Carlos Zelko, y Raúl Barboza .-
En 2006 se radicó en la localidad de Garupá, provincia de Misiones, y editó desde allí, el que fuera su primer y único disco solista llamado “GUITARRAS”.-
Brindó clases y talleres de música del litoral, en distintas partes del país, y en las ciudades de Nantes y Ardèche (Francia) .-
La edición del libro “Guitarra Argentina” impulsada por el Fondo Nacional de las Artes incluye una de sus composiciones, Corazón Chaqueño (chamamé) junto a otras obras de reconocidos autores e intérpretes de este instrumento, entre los cuales se encuentran Juan Falú, Jorge Cardozo y Carlos Moscardini.-
En el marco del Festival “Guitarras del Mundo”, Clarín.com y Epsa Publishing ha publicado videos, audio y partituras de los temas: Pombero (polca), Chamarra de los Chivatos (chamarrita), El cumpita (gato) y Corazón Chaqueño (chamamé) .-
Varios de sus proyectos y creaciones fueron avalados, reconocidos y galardonados, por importantes instituciones del ámbito y quehacer cultural argentino: 42º Festival Nacional de Folklore “Mención Especial Cosquín 2002” a “EL PUENTE trío”. BIENAL PREMIO FEDERAL 2007 del CFI – Rubro Música, Autor de Canción Folklórica – “Primer Mención” por la polca titulada “POMBERO”. Concurso de canción inédita POR UNA ARGENTINA QUE CANTE 2008 de SADAIC – Rubro Folklore – “Primer Premio” por la cueca cuyana titulada “DE SOL Y VENDIMIA”. Concurso Fomento para ediciones discográficas de música folklórica argentina FONDO NACIONAL DE LAS ARTES 2008 “Primer Premio” a Horacio Castillo y Julio Ramírez por el disco “La música del río”.-
En 2008 prestó su testimonio para la realización del Documental Radial "Chamamé" de la productora Rachel Hopkin, emitido en exclusivo en el programa "Into the Music" y cuya trascripción se encuentra publicada en ABC Radio Nacional Australia.-
Sus composiciones han sido utilizadas como música incidental en el film “NINA” de la cineasta Sofía Vaccaro.-
En 2009 fue convocado por el músico argentino ALFONSO PACÍN, para realizar actuaciones en las ciudades de Casa Blanca y Meknès en el marco del "FESTIVAL DE TANGO ARGENTINO en MARRUECOS"; en el "BUENOS AIRES SUR SCÉNE" llevado a cabo en el STUDIO DE L'ERMITAGE.-
de París; y en la 3er. edición del FESTIVAL MARAF en Ardèche Centre, Francia.-
El 7 de Julio de 2009, cuando se dirigía al encuentro de su entrañable amigo, el músico COQUI ORTÍZ (Resistencia-Chaco) con quien iniciaría la grabación de un nuevo trabajo discográfico; perdió la vida a sus jóvenes 36 años, víctima de un accidente.

"Murió Les Paul"

2009-08-13T19:20:00.000-07:00

Clarin.com. Sus inventos revolucionaron la música: le pusieron electricidad, literalmente. Por eso, aunque logró fama como intérprete de jazz, trascendió sobre todo por su carácter de inventor. A los 94 años y por las complicaciones de una neumonía, hoy falleció en un hospital de Nueva York Les Paul, el creador de uno de los modelos más famosos de guitarras de la historia.

La noticia la dio la marca de instrumentos Gibson, a la que el músico estaba vinculado desde hace más de 50 años cuando fue contratado para diseñar la guitarra que inmortalizaría a ambos: la Gibson Les Paul, considerada la primera guitarra de cuerpo sólido, heredera eléctrica de la guitarra española y modelo elegido por un sin fin de músicos, desde el blusero B.B. King, pasando por los Beatles, Keith Richards (Rolling Stones), Jimmy Page (Led Zepelin), U2, Slash (Guns & Roses), Metallica y Pearl Jam hasta el local Pappo.

"Recibió el mejor tratamiento disponible durante su última batalla, cuando mostró una fortaleza, tenacidad y coraje increíbles", asegura la nota de prensa sobre la muerte del artista.

Lester William Polsfuss (Les Paul) nació en 1915 en la ciudad de Waukesha, en el estado norteamericano de Wisconsin. Aunque su carrera comenzó en la década de 1930, ya había actuado todavía antes, a los 13 años. Su afición por los instrumentos lo llevó a diseñar la primera guitarra eléctrica de cuerpo sólido; quería "amplificar la pureza de las cuerdas sin la resonancia de la madera mezclándose en el sonido".

Con un trío que creó durante la Segunda Guerra Mundial consiguió su primer número uno en los rankings de ventas de Estados Unidos: It's been a long, long time.

Ganador de tres Grammy, también experimentó y abrió un nuevo camino en las técnicas de grabación. En 1947, para el tema Lover (When You're Near Me), mezcló ocho fragmentos diferentes de grabaciones de guitarra eléctrica y los hizo sonar simultáneamente, sentando las bases para la futura grabación por pistas. En otros de sus experimentos, como el de pegar los instrumentos al micrófono, muchos ven algunas de las raíces del rock.

En 1952 diseñó para Gibson el modelo que lleva su nombre y que se conoció en distintas series como las Les Paul Goldtop, "Black Beauty", Junior, Special y Standard, entre otros.

Su nombre ya era parte de los salones de la Fama del Rock, de los premios Grammy y de los Inventores y de los Locutores de Estados Unidos.

"El mundo perdió a un ser humano excepcional y verdaderamente innovador. Su encanto musical era extraordinario y nadie ha conseguido igualar sus técnicas", expresó en el comunicado el consejero delegado de Gibson Guitar, Henry Juszkiewicz, quien prometió "preservar el legado de Les para siempre".

Giuitarras Gretsch (me lo envio mi amigo y maestro Gonzalo Micó)

2009-06-24T08:45:00.001-07:00

Algunos músicos tocando Giuitarras Gretsch ( me lo envio mi amigo y maestro Gonzalo Micó)

2009-06-24T08:13:00.000-07:00

"Andrès Segovia"

2009-01-25T05:02:00.000-08:00

Andrés Segovia, nació el 18 de febrero de 1894, en el pueblo de Linares, provincia de Jaén, España.Hijo de un humilde carpintero, es probable que de haberse criado con él jamás hubiera podido seguir su vocación musical. Sin embargo, el destino quiso ponerlo en manos de unos tíos que disfrutaban de una posición económica holgada... Y aun así, las cosas no fueron tan sencillas.El estribillo repetido en la infancia de muchos de los grandes músicos de la historia, es que sus familiares no veían con buenos ojos sus afanes artísticos. Y Andrés Segovia no fue la excepción. Para él, la familia quería el oficio de farmacéutico, por lo cual no tuvo más remedio que estudiar guitarra solo y a escondidas.A lo anterior, debe sumarse el hecho de que en los años de su niñez, la guitarra era un instrumento menospreciado, pues se consideraba propio de los gitanos y sus bailadores.Su primer maestro fue un barbero flamenco que rasgaba con buen gusto las cuerdas de la guitarra. Después, durante la adolescencia, estuvo en el Instituto de Música de Granada, donde la experiencia fue ampliando poco a poco el caudal de recursos que le permitió perfeccionar su desempeño.Y aun al paso de los años, convertido ya en el más grande guitarrista clásico del mundo, Andrés Segovia seguía en etapa de preparación. Nunca dejó de estudiar y la práctica de la guitarra de llevaba al menos cinco horas al día.
Su gusto hacia el instrumento y el interés que ponía en su aprendizaje, lo llevó avanzar rápidamente. En 1910, cuando tenía 16 años, dio su primer concierto en la ciudad española de Granada, donde presentó un repertorio que había formado con partituras halladas en bibliotecas y adaptaciones a obras de los grandes músicos.Aunque continuó ofreciendo recitales, fue una presentación ofrecida en Madrid en 1913 la que Segovia consideró como su debut. Como no tenía una buena guitarra, decidió rentarla y el resultado fue un éxito clamoroso.Once años más tarde, en París, se presentaría ya como un virtuoso internacional. Tenía 31 años y era el mejor guitarrista del mundo.Además, era aficionado a la lectura; los libros de filosofía e historia eran sus favoritos. Incluso ya entrado en los setentas, había empezado a escribir sus memorias que llevaba como título "La guitarra y yo". Andrés Segovia se casó en tres ocasiones a lo largo de los 94 años que vivió. Las dos primeras veces enviudo, y su tercera esposa, Emilia del Corral, a quien él llamaba cariñosamente Emilita, era cuarenta y cinco años más joven que él y lo acompañó hasta el último momento de su vida.Luego de muchas presentaciones, reconocimientos y aplausos a lo largo y ancho del mundo, el rey de España le otorgó en 1981 el título de Marqués de Salobreña. Seis años después, Segovia trabajaba en su discurso de envestidura como doctor "honoris causa", cuando lo sorprendió la muerte. Tenía 94 años, la mayoría de ellos dedicados a su pasión: la guitarra.

"NOSTALGIA" Rodrigo Riera

2009-01-09T04:58:00.000-08:00

Renè Toledo

2009-01-04T06:39:00.000-08:00

René L. Toledo nace en La Habana (Cuba), el 3 de Julio de 1957. Comienza sus estudios de Guitarra a la edad de diez años bajo la tutela de la profesora Leopoldina Núñez. A la edad de doce años ingresa en el conservatorio Alejandro García Caturla donde cursa estudios de Solfeo, Teoría, Apreciación Musical y Guitarra Clásica con la profesora Clara Nicola. A la edad de quince años y graduado de nivel elemental de Música ingresa en el Conservatorio Provincial Amadeo Roldan donde cursa estudios de Harmonía, Contrapunto, Morfología, Historia de la Música, Solfeo, Teoría, Orquestación con Pedagogía y Guitarra Clásica con la profesora Marta Cuervos. En el año 1978 se gradúa y obtiene su titulo de Guitarrista y Profesor de Guitarra; paralelamente a sus estudios de música se gradúa también de Bachillerato en Ciencias y Letras.Su principal inquietud fue, de siempre, convertirse en un músico de Jazz, un género musical considerado como “Música Imperialista” en su país de origen. La presión del gobierno, la falta de libros y de información musical no fueron obstáculos suficientes para detener su deseo; aprende autodidácticamente la guitarra de Jazz y a la tierna edad de dieciséis años se integra en el grupo de Felipe Dulzaides, el único quinteto de Jazz “autorizado” de Cuba en esa época. A la edad de dieciocho años funda el grupo Afro Cuba con José Carlos Acosta, Nicolás Reynoso y Tony Valdés, grupo musical innovador cuya música fundía las raíces afrocubanas con el Jazz. En el año 1977 obtienen el Premio UNEAC, premio al mejor grupo musical y graban un LP.
En el año 1980 emigra a los Estados Unidos y es donde realmente explota su carrera musical, convirtiéndose en un músico de estudio y en un productor musical de reconocimiento internacional. Además fue nombrado profesor de Guitarra de Jazz en la Florida International University entre los años 1994 y 1997.
Su carrera musical ha obtenido tres Grammys:
Por su participación en la producción del álbum “Alma Caribeña” de Gloria Estefan (Grammy como productor y compositor)
Con Shakira en el álbum “Oral Fixation” (Grammy por su participación como guitarrista)
Y finalmente con Arturo Sandoval en el álbum “Danzon” (Grammy como Artista Invitado).
Asimismo ha participando en cientos de grabaciones con artistas de fama internacional como :Carlos Santana, Celine Dion, Shakira, Ricky Martin, Julio Iglesias, Chayanne, Vanessa Williams, Gloria Estefan, Mark Anthony, Jennifer López, Christina Aguilera, Jane Monheit, Nyee Moses, Rhona Bennett, Enrique Iglesias, The Manhattan Transfer, Jon Secada, Chyna Philips, Alexandre Pires, Michael Greene, Jose Feliciano, Bette Midler, Patti Austin, Haddaway, Patricia Kass, Eri Hiramatsu, Tami Hert, Roberto Carlos, Simone, Juan Luis Guerra, Christian, Cachao, Francisco Céspedes, Gonzalo Rubalcaba, Carlos Ponce, Alejandro Fernández, Emmanuel, Celia Cruz, Thalía, Miriam Hernández, Paulina Rubio, Giselle, Camilo Sesto, Jose Luis Rodríguez. Jose Luis Perales, Ricardo Coccianti, Eros Ramazotti, Luis Cobos, Ilan Chester, Chris Duran, Malú, Carlos Baute, Marcela Morelo, Tamara, Jose Cura, Donato & Estefano, Amaury Gutiérrez, Rafael, Raúl Di Blasio, Rocío Jurado, Lissette, Willie Chirino, Luis Enríquez, Bertín Osborne, Salsa Kid’s, Gerardo Flores, Carlos Oliva, Vicky Carr, Braulio, Lucero, Ricardo Montaner, María Marta Serra-Lima, Danny Rivera, Lourdes Robles, Yuri, Paloma San Basilio, Yolandita Monge, Azúcar Moreno, Juan Gabriel, Maricela Verena, Vanessa Formel, Francisco, Juan Ramón, Arturo Sandoval, Paquito D’Rivera y otros.
Además ha trabajado para grandes productores como : Phil Ramone, Arif Mardin, Dave Grusin, Larry Rosen, Desmond Child, Rodney Jerkins, Dan Shea, Joel Dorn, Emilio Estefan, John Boylan, Keith Thomas, Cory Rooney, Cris Apostle, Luke Campbell, Paul Hardiman, Robbi Rosas, Walter Affanasiev, Carl Griffin, Nick Martinelli, Marcos Flores, Bebu Silvetti, Jorge Calandrelli, Mauro Motta, Estefano, Kike Santander, Roberto Livi, Ramón Arcusa, Larry Dermer, Luis Cobos, Ruddy Pérez, Ricardo Eddy Martínez, Clay Ostwald, George Casas, Humberto Gatica, Mark Portman, Ari Sperling, Pablo Flores, Tony Moran, Rafael Ferro, Manuel Tejada, Roberto Blades, Manuel Pérez Botija, Rey Nerios, Juan Vicente Zambrano, Manny Benito, Héctor Masselli, Jose L. Rupérez, Oscar Gómez, Eduardo Leiva, Lester Méndez, Alex Soler, Steve Roitstein, Shell Shapiro, Jose L de la Pena, Jacobo Calderón.
Entre sus producciones musicales se destacan las de Julio Iglesias en “Noche de Cuatro Lunas” y “Divorcio”; con Gloria Estefan en “Alma Caribeña” (Grammy Award Winner como productor y compositor); Chayanne con “Sincero” , “Simplemente”, “Grandes Éxitos”, “Grandes Baladas” y “Desde Siempre”; Malú “Esta Vez”; Melina León “Melina”;Amauri Gutiérrez “Pedazos de mi”; Manuel Mijares “Cappuccino”; José Luis Perales “Me han contado que existe un paraíso” y “Grandes Éxitos”; Jose “Jose”; María Bestard “María Bestard”; Maricela Verena; Jose Luis Rodríguez “Razones para una Sonrisa” y “Clave de Amor”;Carlos Ponce “Rezo”; Raúl Di Blasio “Clave de Amor”; René Toledo “The Dreamer” y “Mestizo”
Como músico de Jazz ha grabado y trabajado con artistas como Jane Monheit, Arturo Sandoval, Paquito de Rivera, Ron Carter, Ira Sullivan, Fathead Newman, Iván Lins, Chick Corea, Gary Campbell, Mike Orta, Bobby Martínez, Dave Weckel, Alfredo Paixao, Neil Stubenhouse, John Robinson y muchos otros, ha participado en los festivales de Jazz de más importancia a nivel mundial como:
North Sea Jazz Festival, Montreal Jazz Festival, Newport Jazz Festival, Playboy Jazz Festival, Glasgow Jazz Festival, Milan Jazz Festival, Calgary Jazz Festival, Nice Jazz Festival, Parade Chicago Jazz Festival, Stockholm Jazz Festival, Roma Jazz Festival Saratoga Jazz Festival, Grenoble Jazz Festival, Geneva Jazz Festival, Wighan Jazz Festival, Birmingham Jazz Festival, Ronnie Scotts London, Le Pettit Journal, Paris. Quassimodo, Berlin, Palabra De Guitarra in Palma De Mallorca, Palabra de Guitarra at the MIDEM in Miami, Concert and master class at Notre Dame University..etc…

Muchas gracias, aprecio mucho su articulo...muy completo. Gracias de nuevo.Un abrazo Rene Toledo

G.A.S....Bueniiiiisimo jejeje...

2008-11-30T08:29:00.000-08:00

GUITAR ACQUISITION SYNDROME
http://www.joseperdicion.com/wordpress/gas-guitar-acquisition-syndrome/

"Flavio Sala"

2008-11-29T19:09:00.000-08:00

Dailyguitar.com

"El nuevo Paganini de la Guitarra" (Alirio Diaz). "Un discipulo como Flavio Sala: un raro evento" (Oscar Ghiglia). "Estoy entusiasmado con su talento" (Maurizio Colonna). "Su peronalidad perfora a la audiencia" (Suonare News). "Gran Comunicatividad" (Seicorde). "La nueva estrella de la Guitarra Italiana" (Guitart).
Flavio Sala, 1983, es considerado la nueva estrella de la guitarra clasica mundial, aclamado por la critica y el publico gracias a su sorprendente tecnica instrumental, unida a una estraordinaria sensibilidad y creatividad musical.
Primer premio en el XXVI "Concurso Internacional de Gargnano" (Italia, 2001), XXXVI "Michele Pittaluga" de Alessandria (Italia, 2003), Primer Premio del Publico en el "San Francisco Master Guitar Competition" (USA, 2004), Primer Premio del XIV "Concurso Internacional Alirio Diaz" de Carora (Estado Lara - Venezuela, 2006), donde obtuvo el Premio Especial de la "Fundacion Vicente Emilio Sojo" a la Mejor Interpretacion de Musica Venezolana.
Flavio Sala inicia su carrera concertista a la edad de 18 anos, teniendo numerosos conciertos y giras en toda Italia, Austria, España, Rusia, Estados Unidos y America del Sur, tocando en prestigiosas salas de concierto (Tchaikovsky Concert Hall y Gnessin's Concert Hall de Moscu, Leopold Auer Hall de Bloomington, Teatro Bonci de Cesena, Teatro Alirio Diaz de Carora, Sala Regia del Palacio Venecia en Roma, Taeatro dell' Hermitage en San Petersburgo, Sala del Conservatorio de Viena, entre otros), como solista, en duo con el guitarista flamenco Juan Lorenzo y con orquesta (Orquesta Filarmonica de Torino, Orquesta Milan Clasica, Orquesta Sinfonica de Friuli-Venezia-Giulia, Orquesta de Estado del Hermitage, Orquesta Nueva Rusia).
Flavio Sala nacio en Bojano (Campobasso - Italia) en una familia de musicos. Realizò sus estudios musicales en el Conservatorio "Lorenzo Perosi" de Campobasso bajo la guia de Pasqualino Garzia, terminando con notas excelentes, una graduacion de primera clase y una mencion honorifica. A partir de 1998 sigue sus estudios de perfeccionamiento con Oscar Ghiglia en la Academia Chigiana de Siena, obteniendo siempre el diploma de merito y la beca de estudio. Sus encuentros con musicos de la talla de Alirio Diaz y Paco de Lucia le han animado e inspirado.
Su primer trabajo discografico "Flavio Sala Live at the Hermitage Theatre" (Sello MAP de Milan), ha sido acogido con gran entusiasmo.
En Septiembre del 2006 se hizo acreedor de "La Guitarra de Oro", en el Encuentro Internacional de Musica en Alessandria, como Mejor Talento Italiano.
Flavio Sala toca un instrumento hecho por el constructor de guitarras italiano Camillo Perrella (http://www.camilloperrella.net/)

Juan Falù en Caracas

2008-10-26T11:20:00.000-07:00

LA EMBAJADA DE ARGENTINA TIENE EL GUSTO DE INVITARLES CORDIALMENTE AL CONCIERTO DE GALA DEL GUITARRISTA 'JUAN FALÚ FECHA: MARTES 28 DE OCTUBRE DEL 2008 LUGAR: SALA JOSÉ FÉLIX RIBAS, TEATRO TERESA CARREÑO HORA: 7 pm. ASIMISMO, LE INVITA A LAS CLASES MAGISTRALES DICTADAS POR EL MAESTRO JUAN FALÚ: 1º CLASE MAGISTRAL DIA: 29 OCTUBRE, 2008 HORA: 3:00 PM LUGAR: PLATILLO PROTOCOLAR DEL TEATRO TERESA CARREÑO 2DA. CLASE MAGISTRAL (POR CONFIRMAR) DIA: VIERNES 31 DE OCTUBRE 2008 HORA: 3:00 PM LUGAR: CONSERVATORIO JUAN JOSE LANDAETA, CHUAO, AVDA. PRINCIPAL RIO DE JANEIRO. 3RA. CLASE MAGISTRAL DIA: MARTES 4 DE NOVIEMBRE, 2008 HORA: 3:00 PM LUGAR: ESCUELA DE MÚSICA LINO GALLARDO.....

Grupo Baraka en el 2do Festival Internacional de Mùsica Popular Latinoamericana (Argentina)

2008-10-24T08:15:00.000-07:00

Festival Internacional de Guitarra Repùblica Dominicana

2008-10-19T21:08:00.000-07:00

Sylvain Luc

2008-10-12T10:51:00.000-07:00

Sylvain Luc, gran guitarrista francés... inició su arte a los 5 años. En los inicios de los 80`s descubre el jazz y forma su primera agrupaciòn. En 1988 se muda a Paris, donde tocó con Richard Galliano, André Ceccarelli y Francis Lassus. Su música siempre estuvo influenciada por el jazz (Keith Jarret y Django Rheinhart)como también la música clásica (Ravel, Bach y Stravinsky..)Sus grabaciones mas exitosas (Duet) junto a Bireli Lagrène y luego "Sud" su nuevo trio constituido por André Ceccarelli y Jean-Marc Jaffet. Un trío que combina el jazz europeo con el calor de los ritmos del trópico en un contexto intimo.

Sò Sambistas en El Patio (Bello Monte)

2008-10-06T20:58:00.000-07:00

Los JUEVES 9 y 16 DE OCTUBRE la flauta, la guitarra, el canto, la percusión brasilera, el cavaquinho, el samba y el choro se unen en SÓ SAMBISTAS, quienes se presentarán en EL PATIO en Bello Monte SÓ SAMBISTAS una banda surgida desde el año 2008 de las filas de la agrupación Pimenteira Brasil, para continuar difundiendo la música brasilera realizando propuestas propias con un sonido más depurado y acento venezolano.Estos músicos tienen ya más de 100 presentaciones en público en diversos eventos y prestigiosos lugares tales como: Centro de Arte La Estancia, Sala 1 del CELARG, Teatro Escena 8, Sala de Conciertos de la UCV, Centro de la Diversidad Cultural, Embajada de Brasil, Instituto Cultural Brasil Venezuela, Carnavales de Chacao 2004, VIII Salón CANTV Jóvenes con FIA 2005, Feria Internacional de Valencia 2005, XI Salón Alejandro Otero en San Antonio de los Altos, Sala de Conciertos del Ateneo de Caracas, Café Mediterráneo, Restaurante Evio's Pizza, Sake Bar, Discovery Bar, etc.La agrupación está conformada por músicos de larga trayectoria en cada uno de sus instrumentos quienes participan además con otros proyectos musicales de diversos géneros tales como el Grupo Baraka, la Banda Marcial de Caracas, Palmeras Kaníbales, Grupo Matices, La Big Landin Orquesta, pero teniendo en común el amor por la música del Brasil y su cultura. Sus integrantes son Julio Medina (Guitarra), Pedro Isea (voz y percusión), Daniely Benitez (Flauta y voz), Luciano Calello (Cavaquinho), Luis Cabriles (Percusión) y José Ramón Navarro (Percusión)...El Patio: Calle Neverí. Colinas de Bello Monte. Frente a la CANTV. Caracas.

"Concierto de Estampas Bolivianos en 2 Guitarras"

2008-08-22T05:29:00.000-07:00

CONCIERTO DE ESTAMPAS BOLIVIANOS EN 2 GUITARRAS
"THINKUNA"
(ENCUENTRO)

JUAN CARLOS CORDERO
HECTOR OSAKY

Se interpretarán obras de Alfredo Domínguez, Ernesto Cavour, Tito Yupanqui, Juan Carlos Cordero, recopilaciones tradicionales, etc.

LUGAR
"Cúpula de Adobe"
Av. Camacho detrás de "LAS VELAS"
frente al EX-ZOOLÓGICO

VIERNES 22
SABADO 23
AGOSTO

19:45

ENTRADA LIBRE

"Nirse Gonzàlez" ORGULLO VENEZOLANO

2008-07-25T06:43:00.000-07:00

Nacio en 1981 en Caracas, inicio sus estudios en la Escuela Superior de Música José Ángel Lamas en Caracas bajo la tutela de maestro José Gregorio Guanchez. Ha participado en las clases magistrales dictadas por los solistas internacionales Eduardo Fernández, Alfonso Moreno, Arturo González, Alirio Díaz, Tania Chanot y claude Ballif, Costa Cotsiolis .

A los quince años interpreto el concierto de Aranjuez con la orquesta Vicente Emilio Sojo y mas tarde Ganó el Primer Premio de Concurso Nacional de Guitarra Antonio Lauro 1996, donde obtuvo una mención especial y el premio concedido por la corporación Yamaha; Ha sido merecedor de la invitación en calidad de solista al IX Encuentro Internacional de Guitarra Antonio Lauro 1997 compartiendo escenario con solistas de destacadas trayectorias como son Eduardo Fernández, Alirio Díaz, Tania Chanot y Alfonso Moreno; Gano el Primer Premio del Concurso Nacional de Guitarra Raúl Borges 1997 donde obtuvo una mención especial por la mejor interpretación de una obra de Raúl Borges; en 1998 gano el Tercer Premio del Concurso Internacional de Guitarra Alirio Díaz ; Gano el Primer Premio del Concurso Nacional de guitarra Antonio Lauro1998; Gano el Segundo Premio del Concurso Joven Solista con el concierto de Aranjuez, acompañado de la Orquesta Filarmónica Nacional de Venezuela 1999 y dirigido por Pablo Castellano .

Ha tenido una brillante carrera artística realizando conciertos en solitario, con grupos de cámara y también como solista con las orquestas: Sinfónica Vicente Emilio Sojo, Orquesta Sinfónica Bolivariana , Orquesta Filarmónica Nacional de Venezuela , la Orquesta Cuidad de Almeria ( Espana ) bajo la direccion de Michael Thomas y la Orquesta Sinfonica de Velencia bajo la batuta de Yaron Traub.
Se a presentado en diferentes salas de conciertos como son: Salas de Concierto Ríos Reina y José Félix Rivas del teatro Teresa Carreño (Venezuela), Auditorio Eduardo Padilla de Almería (España), en la casa de la cultura y teatro de Benicassim Valencia (España), en el Auditorio Nacional de Madrid y en la sala de Concierto Manuel de Falla del Real Conservatorio Superior de Música de Madrid, Auditorio Nacional Mohammed V Rabat ( Marruecos ) y en el teatro Municipal de Vina del Mar ( Chile) , salas de concierto de la Universidad Americana , AUB Universidad del Saint-Esprit de Kaslik y del Palacio de la Unesco Beirut ( Libano ) . Teatro Gomhuria Del Cairo y la sala de concierto de la biblioteca de Alessandria ( Egipto ) . Centro cultural Al – Hussein, Ras Al- Ain en Amman ( Jordania ).

Ha participado en cuatro festivales iberoamericanos de la guitarra en Marruecos , Libano , Egipto y Jordania ; todos padrocinados por el Instituto Cervantes de Espana y en el festival internacional de guitarra Bolivar Hall en Londres .

2005 se presento en el Concurso Internacional de Guitarra Julian Arcas de Almeria ( Espana ) Obteniendo el Tercer Premio .
2006 Primer premio del prestigioso concurso internacional de guitarra " Francisco Tarrega" de Benicassim ( Espana ).

Atualmente forma parte del cuerteto de guitarra conformado por Joaquin Clerch , Rafael aguirre y Eduardo Garcia.

Discografia: Laureate Series CD , guitar recital Nirse Gonzalez. Naxos.

Realizo estudios en el Real Conservatorio superior de Música de Madrid bajo la tutela del maestro José Luis Rodrigo Bravo.

Actualmente se encuentra estudiando en la Robert Schumann Hochschule en Düsseldorf ( Alemania) , con el maestro Joaquin Clerch.

www.nirse-gonzalez.com

Programaciòn X Festival de Guitarra en Angostura-Ciudad Bolivar 2008

2008-07-21T06:46:00.001-07:00

Concierto
de apertura:
Solistas

Douglas Esteves
y
Jose Luis Lara
Museo
De arte moderno
Jesús Soto
11.am
Recital
de
Guitarra
Leopoldo
Igarza
Auditórium
Cámara de
Comercio
7. p.m.

Recital de música del Brasil para guitarra
Juárez Moreira
(Brasil)
Centro diversidad cultural
8.Pm

Recital
de
Guitarra
Luis Zea
Museo
De arte moderno
Jesús Soto
7. p.m.

Recital
de
Cuatro venezolano
Solistas
Cheo Hurtado
Y Leonardo
Lozano
8.pm
Hotel Laja Real
SALON REAL

Recital
de
Guitarra
Rubén Riera
Auditórium
CAMARA DE COMERCIO
7.Pm

Concierto Guitarra solista de jazz
Julio Sánchez
8.pm
Hotel la cumbre.

Clausura
Recital de Guitarra
Marcus
Tardelli
(Brasil)
Museo de arte moderno
Jesús Soto
11 .am
Concierto del Leonardo Lozano
Asilo san Vicente de paúl
10.am

ENCUENTRO MUSICAL CON
Juárez Moreira
(Brasil)
Tony Bar
8:3º Pm

Concierto de alumnos participantes en clases magistrales
MUSEO
JESUS SOTO
5. p.m.

Conciertos Matutinos ,Vespertinos ,y clases Magistrales

Taller de composición
Carlos Galvao
(Brasil)
9.am
Conservatorio
De música Carlos A Real.
Taller de composición
Carlos Galvao
(Brasil)
9.am
Conservatorio
De música Carlos A Real.
Taller de composición
Carlos Galvao
(Brasil)
9.am
Conservatorio
De música Carlos A Real
Clase Magistral
Luis Zea.

9. a.m.
Casa
Antonio Lauro
Clase Magistral
Julio Sánchez
9.am
Casa Antonio Lauro

Clase Magistral
Rubén Riera
Casa Antonio Lauro
9.am

Clase Magistral
Juárez Moreira
3. p.m.
Casa Antonio Lauro

Clase Magistral
Leonardo Lozano
Casa Antonio Lauro
3,p.m.

"Django Reinhardt"

2008-06-22T16:41:00.000-07:00

Jean Baptiste creció en un campamento gitano situado a las afueras de Parìs, al lado de las fortificaciones que la rodeaban, a donde se había trasladado su tribu materna cuando tenía ocho años, absorbiendo la raíz gitana que luego se mostraría en su música. Django nunca llegó a utilizar juegos o a vivir en una casa verdadera hasta que cumplió los veinte años. Estos gitanos franceses o Manouches eran un mundo en sí mismos, medievales en sus creencias y desconfiados de la ciencia moderna. Django creció en este mundo de contradicciones, con un pie en la ciudad grande y apresurada de Parìs y el otro en la vida histórica del gitano nómada.
Fue a una edad temprana cuando Django se sintió atraído por la música. Cuando tenía doce años consiguió su primer instrumento, un banjo que le regaló un vecino enterado de su interés prematuro por la música. Aprendió rápidamente a tocarlo, copiando la digitación de los músicos que podía observar. Asombró pronto a los adultos con su habilidad con la guitarra y, antes de los trece años, empezó su carrera musical con el popular acordeonista Guerino en un salón de baile en la Rue Monge. Tocaría también con otras bandas y músicos e hizo sus primeras grabaciones con el acordeonista Jean Vaissade para la Ideal Company. Dado que Django no sabía ni leer ni escribir en esa época, su nombre apareció como "Jiango Renard" en esas grabaciones.
El 2 de noviembre de 1928, a la una de la madrugada, Django regresaba a su casa-caravana de una noche de música en el nuevo club La Java. La caravana había sido llenada con flores de celuloide por su mujer, que pretendía venderlas al día siguiente. Django creyó oír un ratón y utilizó una vela para poder verlo. Un poco de cera caída sobre las altamente inflamables flores bastó para provocar un infernal incendio. El músico se envolvió en una manta para protegerse de las llamas. Tanto él como su mujer salvaron la vida, pero su mano izquierda y toda la parte derecha de su cuerpo de la rodilla a la cintura quedaron seriamente dañadas.
En un principio los doctores querían amputar su pierna, pero Django se opuso. Los cuidados recibidos en una enfermería serían luego decisivos para salvarle la pierna. Django estuvo dieciocho meses postrado en la cama. Al final había quedado incapacitado del cuarto y quinto dedos de la mano izquierda (que habían quedado contraídos hacia la palma de la mano debido al calor recibido por los tendones). No obstante, gracias a su ingenio inventó un sistema de digitación para suplir su problema, sistema que influyó en cierta medida en la originalidad de su estilo. Podía usarlos en las primeras dos cuerdas de la guitarra para los acordes y las octavas, pero su completa extensión era imposible. Con todo, fue capaz de convertirse en un gigante de la guitarra únicamente con el uso del dedo índice y del dedo medio.
De acuerdo con algunas fuentes, fue durante su período de recuperación cuando Django se introdujo en el jazz americano, cuando encontró un disco de Louis Armstrong, Dallas Blues, en un mercado originario de Nueva Orleans. Estuvo trabajando en los cafés parisinos hasta que en 1934 el jefe del Hot Club, Pierre Nourry, le propuso la idea de formar una banda de cuerdas en la que estarían él y Grappélli. Así nació el Quintet of the Hot Club of France, que rápidamente se hizo famoso en todo el mundo gracias a sus grabaciones para Ultraphone, Decca y HMV.
El estallido de la Segunda Guerra Mundial en 1939 disolvió el grupo, quedando Grappélli en Londres con el resto de los músicos y con Django regresando a Francia. Durante los años de la guerra lideró una big band, otro quinteto con el claritenista Hubert Rostaing en el lugar de Grappelli, y tras la liberación de París, grabó con músicos estadounidenses que llegaban de visita a Francia como Mel Powell, Peanuts Hucko y Ray McKinley. En 1946 Reinhardt comenzó a practicar con la guitarra eléctrica y realizó una gira por Estados Unidos como solista con la orquesta de Duke Ellington, aunque no obtuvo gran éxito. Algunas de sus grabaciones con la guitarra eléctrica en los últimos años de su vida son incursiones en el bop que suenan frenéticas en comparación con el alegre swing de sus inicios. Sin embargo, a partir de enero de 1946, Reinhardt y Grappelli llevaron a cabo varias reuniones esporádicas donde las influencias bop están más sutilmente integradas en el antiguo formato swing. Durante los años cincuenta, Reinhardt se retiró a Europa, tocando y grabando allí hasta su muerte, debida a una hemorragia cerebral, en 1953.

"Aquiles Bàez"

2008-05-25T08:16:00.000-07:00

Extraordinario músico, compositor, arreglista y concertista de guitarra de origen venezolano. Su ejecución destaca por su estilo innovador y personal, que incorpora sofisticadas armonías, con novedosos elementos rítmicos latinoamericanos. Ha grabado nueve CD´s y dos DVD’s. También ha colaborado con artistas como Paquito D`Rivera, Farred Haque, Mike Marshall, entre otros y ha participado en conciertos con algunas de las más importantes orquestas del mundo como la “Brooklyn Symphony”,”Chicago Symphony” o la “Venezuelan Symphony”. A lo largo de su carrera ha recibido notorios reconocimientos. Entre ellos el Premio Nacional de Venezuela como arreglista musical del año y el “William Leavitt award” del Berklee College of Music. Bàez ha participado en espectáculos musicales y conciertos en Europa, Asia, Sudamérica y América del Norte. Al mismo tiempo ha trabajado en el Berklee College of Music. Asimismo ha dictado talleres y seminarios en las principales universidades en Estados Unidos y Europa. Actualmente reside en New York.

Recital didàctico de guitarra renacentista con Claudio Lazcano del Castillo

2008-05-15T10:24:00.000-07:00

Con un lunes musical inicia el Decanato de Estudios Generales de la Universidad Simòn Bolivar la celebración de su XXI Semana. A las 9:30 de la mañana en el Conjunto de Auditorios, el guitarrista y luthier Claudio Lazcano Del Castillo ofrecerá un recital didáctico de guitarra renacentista del Siglo XVI.
Interpretará con un instrumento de la época algunos preludios, fantasías y pavanas de Adrian Le Roy y Robert Ballard, piezas editadas en Francia entre 1551 y 1555, con la finalidad de ilustrar el desarrollo de la guitarra en cuanto a su morfología y su música durante el siglo XVI.
Se complementará la historia de la guitarra con la proyección de imágenes sobre su desarrollo hasta el siglo XXI, y con una pequeña muestra de reproducciones de instrumentos del siglo XVI fabricados por el luthier Lazcano Del Castillo, quien acompañará la presentación con sus comentarios.
Lazcano Del Castillo ha fabricado desde 1985 instrumentos de cuerda pulsada para diversas instituciones, así como para reconocidas figuras de la ejecución musical como Saúl Vera, Julio Medina, Cheo Hurtado, Cristóbal Soto, Isabel Palacios, Jonathan Coles, Rafael Brito, Iván Adler, Salomé Sandoval, Luis Pino, entre otros, algunos de los cuales han grabado producciones discográficas utilizando sus instrumentos.
Su habilidad en la luthería no sólo se limita al ámbito de los instrumentos tradicionales, sino que además se ha dirigido a la fabricación de instrumentos antiguos europeos, como laúdes, salterios, mandorlas, guitarras renacentistas y guitarras barrocas.

"Leo Quintero"

2008-05-14T12:41:00.000-07:00

LEO QUINTERO _ONE OF MIAMI’S PREMIER JAZZ GUITARISTS ACCOMPANIED BYCARLOMAGNO ARAYA ON DRUMS, &GABY VIVAS ON BASS LIVE IN CONCERTTHURSDAY MAY 15THAT VAN DYKE CAFE846 LINCOLN ROADSOUTH BEACHCOME & EXPERIENCEAN UNFORGETTABLE EVENING OF JAZZ PERFORMANCEFUSING THE FAMILIAR SOUNDSOF VENEZUELA WITH LEO’S UNIQUESPIRIT AND ARTISTRY

"Concierto de Música Antigua"

2008-05-11T12:50:00.000-07:00

Concierto de Música Antigua
para
Canto y Guitarra

BEATRIZ MÉNDEZ, mezzo soprano
HÉCTOR OSAKY, guitarra

Concierto imperdible que fusiona los instrumentos probablemente más populares del mundo, la guitarra y la voz humana en una velada que nos transportara a casi 500 años en el pasado.

ÚNICA PRESENTACIÓN
VIERNES 16 DE MAYO
19:30

'Cúpula de Adobe'
Av. CAMACHO detrás de 'LAS VELAS'
frente al EX-ZOOLÓGICO
ZONA DE MIRAFLORES
LA PAZ

ENTRADA LIBRE

PROGRAMA

PRIMERA PARTE

1. Fantasia (solo guitarra) John Dowland2. What if I never speed? John Dowland3. Flow my tears John Dowland4. O gelosia d´amanti Alonso Mudarra5. La vita fugge Alonso Mudarra6. Isabel perdiste tu faxa Alonso Mudarra7. Fantasia X (solo guitarra) Alonso Mudarra8. Madonna per voi ardo Luys Milan 9. Fidelis Serves Archivo chiquitano10.Beatus ille servus Archivo chiquitano11.Serve bone Archivo chiquitano

SEGUNDA PARTE

1. Preludio de la Suite BWV 1006a (solo guitarra) J.S.Bach2.Amarilli Giulio Caccini3. Nel cor pui non mi sento Giovanni Paisiello4.Caro mio ben Giuseppe Giordani5.Canarios (solo guitarra) Gaspar Sanz6.Ombra mai fu G. Friedrich Händel7. No se emendará jamas G. Friedrich Händel8. Lascia chio Pianga G. Friedrich Händel

Clases Magistrales en Caracas de la concertista paraguaya Berta Rojas

2008-05-08T17:21:00.000-07:00

Invitaciòn de mi gran amiga y guitarrista Marina Parilli

Hola Julio, La Embajada de Paraguay te envía una invitación para el concierto de la guitarrista Berta Rojas. Es el día jueves 15 de mayo, en el teresa carreño, me gustarìa saber si puedes ir. Tengo tu entrada.Te la puedo entregar ese día, a las 7 p.m.También te envié otro email que anuncia unas clases magistrales, pueden participar profesores o alumnos muy avanzados. Saludos Marina.
La Embajada del Paraguay
Y La Fundación Teresa Carreño
Invita a las:
Clases Magistrales de
Guitarra
De la Concertista Paraguaya:
Berta Rojas

Día: martes 13 de mayo 2008 Hora: 2:00 p.m.
Y miércoles 14 de mayo 2008 Hora: 9:00 a.m.
Lugar: Platillo Protocolar del Teatro Teresa Carreño
Entrada: libre
Público: Los alumnos de guitarra clásica, y público en general. En calidad de activos y oyentes
Audiciones para alumnos activos
Día: Viernes 9 de mayo hora: 3 a 5 p.m.
Lugar: Escuela de Música Lino Gallardo,
con los profesores José Gregorio Guánchez y Marina Parilli

Berta Rojas, es una guitarrista clásica (*23 de septiembre de 1966 Asunción del Paraguay).
Es una artista cuya versatilidad le permite moverse con comodidad tanto en la música clásica como en cualquier otro estilo musical que se proponga.
Elogiada por el Washington Post como..."Guitarrista Extraordinaria"..., es considerada actualmnete por su extraordinario talento, como una de las mejores guitarristas de su generación, y la más capacitada técnicamente para interpretar las obras del genial compositor, el también Paraguayo Agustín Barrios
Como solista, ha cautivado a los amantes de la música en toda América, Europa y Asia.

Presentaciones
Weill Recital Hall del Carnegie Hall
Frederick P. Rose Hall, del prestigioso Jazz at Lincoln Center en New York.
John F. Kennedy Center de Washington DC
South Bank Centre, Londres
En los años 1995 y 2005 le cupo el honor de ser artista invitada para la ceremonia inaugural de las Cumbres de Primeras Damas en Paraguay, la primera de ellas con la presencia de la entonces, 1ª Dama de Estados Unidos, hoy Senadora Hillary Rodham Clinton.
Elogiada por el Washington Post como "guitarrista extraordinaria," su musicalidad y carisma, la hizo favorita del renombrado "John Marlow Guitar Series" en Washington DC.
El Kennedy Center ha reconocido la excelencia artística de Berta Rojas seleccionándola como "Fellow de las Américas". Este premio, así como el otorgado por la Organización de Estados Americanos, le ha permitido obtener la "Maestría en Música" en el prestigioso "Peabody Conservatory", institución que la ha distinguido con dos importantes reconocimientos, el "Zaidee Thomas Award" y el "Harold Randolph Prize".
Además de su talento musical, ocupa un rol importante como promotora del arte de otros artistas sudamericanos, especialmente de su tierra natal, Paraguay.
Ha producido una serie de conciertos en los Estados Unidos de América, país donde reside, introduciendo en ellos la música folclórica de artistas de América Latina.
Ha sido además, Directora Artística de diversas competencias como el "Festival Internacional de Guitarra Agustín Barrios", el "Premio Ciudad de Asunción" y en el presente, el "Premio Cardozo Ocampo"
Junto con el gran guitarrista John Williams ha sido reconocida por la prestigiosa Gramophone Magazine, por la grabación uno de los mejores álbumes de Guitarra Clásica, "Intimate Barrios" - 1998/ Dorian Recordings.
También ha sido tapa de la Classical Guitar Magazine, y está reconocida por sus excelentes interpretaciones de musicas latinoamericanas.
Es profesora de guitarra de la Universidad George Washington en Washington, DC
Colaboraciones_Duetos
"Alma y Corazón" - Carlos Barbosa Lima - ONmusic_2007
Junto a su carrera de solista, está unida al maestro Carlos Barbosa Lima en un proyecto llamado "Alma y Corazón", en el cual presentan un repertorio basado en obras latinoamericanas, solos y duetos de gran vitalidad
Ganas de disfrutar es quizá la motivación más grande que genera la colaboración entre Carlos Barbosa-Lima y ella. Además de proyectar pasiones y perspectivas diferentes en la guitarra, esta colaboración musical gira en torno al placer que sienten estos dos artistas cuando interpretan obras que combinan, tanto jazz y estilos clásicos, como también los diversos y variados estilos latinoamericanos.
Como ocurre con sus países de origen, Brasil y Paraguay, existen muchos elementos comunes en esta colaboración. Carlos y Berta comparten el mismo deseo de explorar y expandir sus horizontes musicales, ambos son artistas clásicos provenientes de América del Sur, con un variado repertorio y con el talento y la facilidad de moverse ricamente dentro de diversos estilos musicales. Uno y otro se han beneficiado a raíz de esta unión tan particular y única, así como lo hicieron en el pasado en otras colaboraciones con artistas Sudamericanos y de diferentes lugares del mundo.
“Tocamos juntos, por primera vez, junto a Andy Summers, ex-integrante de The Police....Los tres estábamos en Paraguay y fue realmente increíble... Carlos ha trabajado con tantos grandes intérpretes, entre ellos Antonio Carlos Jobim y Charlie Byrd, por nombrar solo algunos. Realmente es un honor para mí tocar con él” Berta Rojas.
También comparten raíces musicales que se generaron a partir de la poderosa influencia de la pedagogía musical de Guido Santórsola de Uruguay. La escuela de Santórsola ha sido el corazón de muchos de los grandes músicos y compositores sudamericanos.
“Una oportunidad magnífica de trabajar con Carlos, de aprender de un guitarrista y maestro arreglador como el. Carlos es un artista con una vasta trayectoria de éxitos.” Berta Rojas
"Guitarra Adentro" - Juan Cancio Barreto - Dorian Discovery_2003
"Flores de Asunción" - Juan Cancio Barreto - ONmusic_2007
Berta Rojas y Juan Cancio Barreto son verdaderos ídolos en su país nativo Paraguay. Este dúo inexplicable bajo las formas del estándar, rompe el equilibrio de lo establecido, uniendo a una de las mejores guitarristas clásicas de su generación, Berta Rojas, cuya técnica y talento le permiten moverse tanto en la música clásica, como en cualquier otro estilo que se proponga. Y un "Requintista" reconocido por su talento e ingenio Juan Cancio Barreto, representante musical del Paraguay folclórico, rural y de la tierra.
Ellos, han derribado barreras cuando unieron sus estilos diferentes de ejecución y se convirtieron en el dúo más exitoso de música Paraguaya de los últimos años.
Su música recorrió no solo el Paraguay, sino Argentina, Brasil, Uruguay, Chile, Colombia En mayo del 2005, alcanzaron el Allen Room de Jazz en Lincoln Center en New York. Al ser los primeros paraguayos que se presentaron en ese escenario.
Discografía
"Cielo Abierto" - ONmusic_USA_2006
"Guitarra Adentro" - Dorian Dsicovery_USA_2003
"Concierto Latinoamericano" - Dorian Discovery_USA_2003
"Intimate Barrios" - Dorian Discovery_USA_1998
Articulos de prensa
...“Se necesita una guitarrista con mucha destreza para que sea posible ejecutar con solvencia las altas exigencias de “Un Sueño en La Foresta” de Agustin Barrios, sosteniendo al mismo tiempo la melodía con el tremolo. Rojas interpretó elegantemente un tremolo como de cristal liquido, tan perfecto que uno podría imaginarse que un músico con su balalaica se había unido a ella en el escenario"….The Washington Post USA/ 12-99
….”Su presentación consistió en obras de su más reciente grabación, “Intimate Barrios”, y su interpretación de “La Catedral” fue la mejor que este critico haya escuchado hasta hoy. Su fabulosa ejecución y su manera de tocar sin esfuerzo ninguno, hizo par con la sensualidad de su fraseo. Ambos elementos nos dieron pruebas convincentes de que Barrios solo compuso para que ella tocara sus obras. Charles J. Walsh / Guitar Magazine/ Usa/ 2005
Obtenido de "http://es.wikipedia.org/wiki/Berta_Rojas"

Gibson lanza una guitarra que se afina automàticamente

2008-05-02T18:59:00.000-07:00

La famosísima compañía estadounidense lanza una nueva generación de Les Paul, llamada por ellos mismos como "Guitarra Robot" o "Robot Guitar".
Este lanzamiento marca una nueva generación en la creación de guitarras eléctricas, ya que incorpora a otro nivel componentes electrónicos. La principal virtud de esta guitarra es que se podrá afinar automáticamente con tan solo tocar una perilla.
Un sistema de micrófonos ubicados en el puente medirán la afinación de cada nota individual, y enviará la información al clavijero, donde un microchip hará los ajustes necesarios sobre cada cuerda.
Este avance está pensado tanto para aquellas personas que les cuesta mantener su guitarra afinada (tanto un principiante como alguien que le da un uso muy intensivo); como para aquellos profesionales que cambian frecuentemente de guitarra (por ejemplo, arriba de un escenario) y precisa que todas estén afinadas en el momento justo, sin depender de un equipo de soporte.
Además del afinador automático, la nueva joya de Gibson incorpora un set de afinaciones pre-cargadas, como las de algunas canciones de Jimmi Hendrix o Page.
Recordemos que no sólo el uso desafina una guitarra: también la humedad, los cambios de temperatura, la oxidación de las cuerdas, el estado general de la guitarra, etc.
Se espera que la guitarra se venda masivamente a finales de 2008.

"Joe Satriani en Caracas"

2008-04-28T05:20:00.000-07:00

El guitarrista Joe Satriani, quien en el mes de julio y agosto estará tocando por Sudamérica y México, ha incluido una fecha por Venezuela.Posiblemente será el domingo, 10 de agosto del presente año, en el Anfiteatro del Centro Sambil en Caracas.En esta ocasión el virtuoso Satriani presentará su "GC Sessions Tour" el cual llevará por todo el mundo, desde abril hasta agosto de este año, y buscará promocionar su nuevo disco "Professor Satchafunkilus and the Musterion of Rock" (2008), y trabajos anteriores.Joe "Satch" Satriani es un guitarrista instrumental de rock. Ha recibido 13 nominaciones a los Premios Grammy y ha vendido más de 10 millones de discos en todo el mundo.[]
Satriani está considerado por muchos expertos como uno de los guitarristas más técnicos del rock. Según éstos ha conseguido dominar casi todas las técnicas de ejecución de su instrumento, incluyendo tapping a dos manos, sweep picking, volume swells, tap harmonics, etc. Además es reconocido como un gran profesor de guitarra, entre cuyos alumnos se incluyen Steve Vai, David Bryson (Counting Crows), Kirk Hammett (Metallica), Larry LaLonde (Primus, ex-Possessed), Charlie Hunter, Kevin Cadogen (Third Eye Blind), Alex Scolnick (Testament), el ex-Megadeth, Marty Friedman, Riff Raff (Halcon)y Reb Beach (Winger) entre otros.
Joe Satriani nació el 15 de julio de 1956 en Westbury, New York. Se decidió por la guitarra tras escuchar a Jimi Hendrix. Durante los '70 Satriani se mudó a Berkeley, California persiguiendo una carrera como músico. Fue inspirado por músicos como Allan Holdsworth y Lennie Tristano. Cuando su amigo y antiguo alumno Steve Vai alcanzó la fama tocando con David Lee Roth en 1986, Vai alabó a Satriani en multitud de entrevistas a revistas de guitarra.
Su segundo álbum editado en 1987 y llamado "Surfing with the alien" se considera como el mejor álbum de guitarra instrumental del rock, conteniendo temas como "Always with me, always with you" o "Midnight", según los lectores de la edición española de la revista "Guitarra Total".
En 1989, la canción de Satriani "One Big Rush" (originalmente lanzada como "Flying in a Blue Dream") fue incluida en la banda sonora de Say Anything. En 1994, Satriani ingresa en Deep Purple sustituyendo a Ritchie Blackmore durante la gira de la banda.
En 1996, Satriani forma el G3, una gira de conciertos de tres guitarristas instrumentales de rock -- originalmente Satriani, Steve Vai, y Eric Johnson.
Satriani ha creado la serie de guitarras Ibanez JS y el amplificador Peavey JSX

Pimenteira Brasil bautiza su nueva producciòn discogràfica "Sambando en Caracas"

2008-04-24T06:36:00.000-07:00

Disco "Sambando en Caracas"
UNIÓN RADIO -
Conocidos ya en el ámbito musical local por su aporte e investigación dentro de los diversos géneros de la música popular brasilera, la banda venezolana Pimenteira Brasil bautiza el próximo miércoles 30 de abril su segundo trabajo discográfico, el cual lleva por nombre "Sambando en Caracas", una producción independiente y autogestionada, cuya producción, grabación, mezcla, master y trabajo gráfico fueron realizados en su totalidad en el país.
Con una producción más depurada, la sonoridad, musicalidad y calidez de Pimenteira Brasil se hacen presentes en cada uno de los 12 temas incluidos en "Sambando en Caracas", con el sonido característico del samba y el choro al estilo muy particular de estos músicos venezolanos como principales protagonistas.
Conformada por 9 músicos profesionales, la agrupación tiene ya cinco años de investigación y difusión de los géneros de la música popular brasilera, particularmente el samba y el choro, en salas de concierto, locales nocturnos y espacios no convencionales de la ciudad de Caracas y algunos lugares del interior del país.
Cinco percusionistas con instrumentos típicos de la percusión afro brasilera; tres músicos en las cuerdas como el cavaquinho, el banjo y la guitarra de siete cuerdas; una flauta transversa y el pícolo, interpretan los sambas y los choros instrumentales con el mayor apego al sonido y sabor del género.
En opinión de sus propios integrantes, "Sambando en Caracas" representa una evolución en su interpretación de la música brasilera debido, por un lado, a la inclusión de instrumentos como la flauta, el banjo brasilero y el saxo en la grabación y por el otro a la diversificación en el repertorio ya que el álbum, de 36 minutos de duración, incluye sambas de autor de compositores como: Martinho da Vila, João Bosco o Cláudio Jorge y choros del repertorio clásico de Pixinguinha y Jacob do Bandolim, además de tres temas originales compuestos por integrantes de esta agrupación.
El bautizo de "Sambando en Caracas" para los medios de comunicación y personalidades relacionadas con Brasil en Venezuela tendrá lugar el miércoles 30 de abril a las 8 de la noche en el Instituto Cultural Brasil - Venezuela, Av. San Felipe, entre 1era y 2da Transversal, Quinta Degania, La Castellana, Caracas.

"CONCIERTO DE STACATTO"

2008-04-12T23:48:00.000-07:00

CONCIERTO
DE
STACATTO
HÉCTOR OSAKY
guitarra
GUILLERMO LUNA
flauta
- Sonata Arpeggione de Franz Schubert
- Serenata al Alba del Día de Joaquín Rodrigo
- Bachiana Brasilera Nº 5 de Heitor Villa-Lobos
- Sonatina Op. 205 de Mario Castelnuovo-Tedesco
- Soledanza de Cergio Prudencio
y muchas otras obras más se escucharán en esta velada, alguna de las cuales, por primera vez en Bolivia.
JUEVES 17 HORAS 19:00
Centro Cultural y Pedagogico Simón I. Patiño
Av. Potosi No 1450
COCHABAMBA

VIERNES 18 HORAS 19:45
SABADO 19 HORAS 19:30
"Cúpula de Adobe"
Av. CAMACHO detrás de "LAS VELAS"
frente al EX-ZOOLÓGICO
ZONA DE MIRAFLORES
LA PAZ

ENTRADA LIBRE

BOLIVIA 2008

"Hector Osaky

2008-03-21T18:36:00.000-07:00

CONCIERTO DE GUITARRA
HECTOR OSAKY

GRANDES CLÁSICOS DE LA GUITARRA DE TODOS LOS TIEMPOS

UN RECORRIDO POR LAS OBRAS CLÁSICAS DEL REPERTORIO GUITARRISTICO DE LOS CONSAGRADOS MAESTROS Y DE LAS NUEVAS GENERACIONES.
DE LA PARTITA II BWV 1004, CHACONNE DE J.S.BACH, EL GRAN SOLO OP. 14 DE FERNANDO SOR, TRES PIEZAS ESPAÑOLAS DE JOAQUÍN RODRIGO, LIBRA SONATINE DE ROLAND DYENS, DANZAS DE MICHAEL PRAETORIUS, NUAGES DE DJANGO REINHARDT, ETC.

LUGAR: "CÚPULA DE ADOBE"
Av. Simón Bolívar y Wenceslao Argandoña
detrás de "LAS VELAS"
frente al EX-ZOOLÓGICO
ZONA DE MIRAFLORES

VIERNES, 28 DE MARZO
SABADO, 29 DE MARZO

HORAS: 19:45

ENTRADA LIBRE

LA PAZ - BOLIVIA

2008

"Oscar Castro-Neves"

2008-03-11T05:20:00.000-07:00

Guitarrista emérito, compositor, arreglista, productor, Oscar Castro Neves vino al mundo bien acompañado: nació el 15 de mayo de 1940, trillizo, en Rio de Janeiro, en una familia en la que todos tocaban algún instrumento. Tenía 16 años cuando compuso “Chora tua tristeza”, su primer gran éxito. Poco después, en compañía de Antonio Carlos Jobim, João Gilberto, Carlos Lyra, Roberto Menescal ytantos otros artistas de una generación excepcional, se convirtió en uno de los creadores de la Bossa Nova, movimiento que todavía hoy deleita a sus amantes en todo el mundo.Oscar tuvo una notable participación en el primer concierto de bossa nova en los Estados Unidos, realizado el 22 de noviembre de 1962, en el Carnegie Hall, en Nueva York. Desde entonces se consolidó como un artífice de la apertura del mercado norteamericano a la música brasileña. Hizo giras con Dizzy Gillespie, Stan Getz, Lalo Schifrin, Laurindo Almeida y grabó con Quincy Jones, Ella Fitzgerald, Herbie Hancock, Barbra Streisand, PaulWinter, Dave Grusin, TootsThielemans, Harry Belafonte y con Michael Jackson. En 1971, se reunió con Sergio Mendes y, como guitarrista, director musical y a veces coproductor, grabó más de 15 discos con Brazil 66, grupo con el que se presentó en casi todas las grandes salas del circuito internacional.

Con “Soul of Tango”, que produjo en 1999, para el violonchelista Yo-Yo Ma, Oscar alcanzó un inmenso éxito popular y terminó premiado con el Grammy en la categoría “best classical crossover”. Otra grabación,“Leaning into the night”con el guitarrista Ottmar Liebert, se mantuvo en los ranking de la Billboard ClassicalCrossover durante más de un año. Compuso y orquestó la música de varias películas, entre ellas“Blame it on Rio”,“Gabriela”(con música de Jobim), “LA Story”,“He said, she said”y“Larger than life”. Durante seis años, produjo la noite brasileira en Hollywood Bowl, en Los Angeles. Entre sus créditos más recientes, se encuentra la banda sonora de la serie “Watching Ellie” para la cadena de televisión NBC. Este extraordinario bagaje musical asegura a Oscar Castro Neves la admiración del público y los aplausos de la crítica, que destacan su sofisticada concepción armónica y la textura delicada y rica de sus trabajos para orquesta. Pero todo esto es poco para definir al hombre. En él, lo que más impresiona es la dimensión humana, la alegría de vivir, la delicadeza con todos y la cálida devoción a su familia y amigos.

"Leo Quintero"

2008-02-25T04:05:00.001-08:00

COME EXPERIENCE
ONE OF MIAMIâ€™S PREMIER JAZZ GUITARISTS
LEO QUINTERO AND HIS UNFORGETTABLE BAND
CARLOMAGNO ARAYA ON DRUMS, GABY VIVAS ON BASS &
GABRIEL SAIENTZ ON PIANO
PLAYING TWO SETS OF ORIGINAL JAZZ
FUSING VENEZUELAN SOUNDS WITH
LEOâ€™S UNPARALLELED GUITAR ARTISTRY
AT ARTURO SANDOVAL JAZZ CLUB
DEAUVILLE HOTEL RESORT
6701 COLLINS AVENUE
MIAMI BEACH, FLORIDA 33141
TEL: 305-403-7565
SHOW TIMES THURSDAY, FEBRUARY 28, 2008
8:00 P.M. AND 10:00 P.M.
VALET PARKING AVAILABLE
FABULOUS DINNER MENU

"Alirio Dìaz"

2008-01-13T08:10:00.000-08:00

Wikipedia.
Alirio Díaz nace en el Caserío La Candelaria, cerca de la ciudad de Carora, en Venezuela, el 12 de noviembre de 1923 en una familia musical, de orígenes modestos, y es el octavo de once hermanos. Con dieciséis años se muda a Carora donde concluye sus estudios primarios. Luego se muda a Trujillo donde aprende a tocar el saxofón y el clarinete, y entra a trabajar en la banda municipal que dirigía Laudelino Mejías, lo cual le permite estudiar la guitarra, y aprender el inglés y la tipografía. Con estas habilidades se muda a Caracas en 1945, donde estudia en la Escuela Superior de Música José Ángel Lamas, bajo la tutela de Raúl Borges.
Viaja a España en 1950 con una beca del gobierno venezolano y allí estudia en el Conservatorio de Madrid con Regino Sainz de la Maza. Un año después viaja a Siena, donde Andrés Segovia dictaba un curso de guitarra. Gracias a su excelente técnica y dedicación en tan sólo tres años se convierte en asistente y luego sustituto en los cursos de guitarra del maestro Segovia. A partir de ese momento inició sus actividades como concertista por toda Europa y el mundo.
El amplio repertorio de Alirio Díaz abarca desde lo barroco a lo latinoamericano contemporáneo. Su labor ha permitido internacionalizar la música de guitarra de compositores venezolanos como Vicente Emilio Sojo, Antonio Lauro e Inocente Carreño, entre otros. Ofrece su primer concierto de guitarra en 1950. Ha dado recitales en los cinco continentes y es considerado como uno de los mejores guitarristas del mundo.
Recibió por parte de la OEA el Premio Interamericano de Música en 1987. Ha merecido diversos reconocimientos por parte del gobierno venezolano, entre los que destacan los Doctorados Honoris Causa de la Universidad de Carabobo, Universidad Central de Venezuela, Universidad del Zulia, Universidad Centro Occidental Lisandro Alvarado y Universidad Yacambú.
Actualmente vive entre Europa y Venezuela, específicamente su lugar de nacimiento en La Candelaria y Carora.
En su nombre se ha creado el Concurso Internacional de Guitarra Alirio Díaz, que se lleva a cabo en el Teatro Alirio Díaz, ubicado en Carora, Estado Lara, Venezuela.

"Sabicas"

2008-01-01T13:58:00.000-08:00

Agustín Castellón "Sabicas" nació en en Pamplona, Navarra, en el seno de una familia gitana. Cuando tenía cuatro años, dando un paseo con sus padres, vio en el escaparate de una tienda una guitarra pequeña y no paró de insistir hasta que se la compraron. En muy poco tiempo, ya era capaz de afinarla y de tocar cualquier melodía de oído.A los once años debutó en público en Pamplona y a los veinte ya era uno de los guitarristas flamencos más reputados de España.
Sabicas marcó, como lo hizo antes el Niño Ricardo y lo haría más tarde Paco de Lucía, un punto de inflexión en la guitarra flamenca. Incorporó técnicas y estilos totalmente novedosos que sorprendieron a propios y extraños además de mostrar un virtuosismo técnico realmente impresionante. La calidad de sus temas no se queda atrás, sus discos son una obligación para cualquier amante de la guitarra flamenca, no solo por sus estupendos toques flamencos sino también por las excelentes versiones que hizó de temas de compositores como Vittorio Monti, Ernesto Lecuona, Rimsky-Korsakov... incluso el celebre compositor Moreno Torroba escribió un conciero para guitarra y orquesta con sus toques.
Sabicas cosechó igual exito en Estados Unidos, donde llegó a tocar para el presidente Roosvelt en la Casa Blanca. En Nueva York, donde residió muchos años, conoció a un joven Paco de Lucía, quien siempre le ha reconocido como una gran influencia y formó magníficos duos con Carmen Amaya, Morente o Mario Escudero, dejandonos un gran nùmero de estupendas grabaciones.

"Frank Gambale"

2007-12-15T14:25:00.000-08:00

Frank Gambale nació en Canberra Australia en el año 1959, empezó tocando a los siete años, influenciado inicialmente por artistas como Hendrix y Clapton, tomando luego una dirección más de jazz con Chick Corea y Steely Dan. En 1982 se desplazó a EE.UU., estudiando en el Hollywood’s Guitar Institute of Technology, graduándose como Estudiante del Año y ofreciéndose para el puesto de profesor donde estuvo durante cuatro años. Durante este tiempo publicó su primer libro Speed Picking. Los primeros vídeos de Frank, una serie de tres, aparecieron en 1987.El anterior año vio como se afianzaba un contrato para tres discos así como una gira con Jean-Luc Ponty, que rápidamente le llevó a estar durante seis años con uno de sus héroes, Chick Corea. De los cinco discos grabados con Corea, uno ganó un Grammy y otros dos fueron nominados. 1990 supuso el reconocimiento internacional de Gambale como solista con el disco Thunder From Down Under, que copó las listas de jazz japonesas, acompañado por sus tres álbumes anteriores, todos dentro del top 10.Dos años después, Frank finalmente se aventuró a salir, y ha estado desde entonces grabando y de gira con su grupo, dirigiendo también numerosos seminarios y masterclass en todo el mundo. En 1996 estaba a la cabeza del Departamento de Guitarra de la nueva Los Angeles Music Academy, donde escribió el programa principal de estudios, y continúa ejerciendo como profesor cuando está en la ciudad.Aparte de formar recientemente su propia compañía, Wombat Records, y firmar un contrato con la Favoured Nations de Steve Vai, Gambale permanece muy ocupado con los proyectos de colaboración. Ha contribuido con el grupo Vital Information durante más de 13 años, y ha lanzado tres grabaciones con el bajista Stu Hamm y el batería Steve Smith. Uno de los grandes proyectos del 2002 fue un DVD en directo -Concert With Class- que no sólo muestra a los espectadores un concierto de 90 minutos, al mismo tiempo les ofrece material educativo relacionado con la actuación.

Frank Gambale con nuestro gran Otmaro Ruìz

12.000 dólares por la guitarra con que Juanes compuso 'la camisa negra'

2007-11-17T11:07:00.000-08:00

Fonseca pagó 12.000 dólares por la guitarra con que Juanes compuso 'la camisa negra'
"Con esta guitarra compuse 'La camisa negra' ", rezaba el instrumento que Juanes subastó. Quedó en manos del cantante Fonseca.
El cantante colombiano fue uno de los 600 participantes en una gala de beneficencia en Miami en la que se recaudó un millón de dólares (más de 2.000 millones de pesos) para obras sociales en Colombia.
En el evento, Be Live 2007, organizado por seis fundaciones de ayuda para Colombia, también se subastó el casco de Juan Pablo Montoya y la paleta de Fernando Botero.
"Desde que llegue tenía claro que esa guitarra era para mí", dijo Fonseca, quien cuando llegó al lujoso restaurante Karú, ubicado en pleno centro de Miami, lugar del evento, vio el instrumento y quedó enamorado. La miraba una y otra vez, la acariciaba y hacia sonar sus cuerdas.
En la tapa del instrumento rezaba: "con esta guitarra compuse La camisa negra".La paleta del maestro Botero y el casco de Juan Pablo Montoya fueron también un éxito a la hora del remate. Varios de los compañeros de la escudería Chip Ganassi Racing, a la que pertenece el corredor, estuvieron presentes en la gala, entre ellos Félix Sabatés, el dueño de Nascar, Brian France y Jimmie Jonson, campeón actual de la Copa Nextel.Juanes, quien venía de asistir a una audiencia con el Papa, logró llegar a tiempo a la alfombra roja en compañía de su esposa Karen Martínez. "Era para mí un compromiso estar aquí y todo lo que podamos hacer por ayudar a Colombia lo vamos a hacer", comentó el cantante.Entre los asistentes se encontraban la embajadora Carolina Barco, Miguel Varoni y su esposa Catherine Siachoque, Fernán Martínez, la presentadora Ángela Patricia Janiot, Camilo Villegas con su novia y la cantante Fanny Lu.

"Un Canto de Navidad"

2007-11-12T23:00:00.000-08:00

Caracas se viste de Navidad…

Por primera vez en Venezuela se realizará el Gran Musical “Un Canto de Navidad” los días 16 y 17 de Noviembre en el Teatro del Colegio Santa Rosa de Lima, con la finalidad de recaudar fondos para las Casas Integrales Granjas para niños, niñas y adolescentes, de la Fundación UMA.

Este evento contará con la animación del Historiador Oscar Yánez, la animadora Internacional Norelys Rodríguez y la participación en concierto de la Primerísima Mirla Castellanos, El Orfeón Universitario, Los Niños Cantores de Venezuela y el Grupo Baraka, todos bajo la Dirección y Arreglos de Julio Medina y la Dirección Coreográfica y el Ballet de Belkys Ramírez. Toda esta gran Producción enmarcada en la Caracas Colonial, con escenografía y trajes de la época, en lo que será sin duda un espectáculo que llenará al público de la magia y las costumbres navideñas de nuestro país.

Las entradas podrán adquirirse en Tiendas Esperanto y los precios oscilarán entre los 40 mil y los 70 mil bolívares. Para mayor información pueden visitar la Web: http://www.fundacionuma.org/

Los Esperamos!
Alejandro Pérez Bolaño
Presidente Fund. UMA
http://www.fundacionuma.org/

"Julian Bream"

2007-10-29T04:49:00.000-07:00

Junto a John Williams, Julian Bream fue el abanderado de una nueva generación de guitarristas que sucedio a la de Andrés Segovia y sus contemporaneos, abriendo nuevos campos en la interpretacion guitarrística.
Bream es uno de los guitarristas más facilmente reconocibles desde los primeros compases, con un estilo irrepetible, de gran sonoridad y colorido que consigue crear en el oyente una sensación de un universo musical único.
Siempre se ha asociado a Bream con el repertorio barroco, por su otra vertiente de laudista, pero es en la música contemporanea donde Bream desarrolla en mayor medida sus capacidades. Compositores como Takemitsu, Henze o Britten han escrito música para él; su interpretación de las obras de Rodrigo es simplemente increibe y su Villa-Lobos, pese a ser muy criticado en algunos sectores, es excelente, por su originalidad, musicalidad y calidad técnica.
Es asimismo un músico entregado, que lo da todo en cada interpretación, ayudado por una técnica prodigiosa en la que prima la calidad sonora por encima del "exhibicionismo" técnico. Esto se refleja especialmente en sus digitaciones para la mano derecha, donde emplea de forma compulsiva el pulgar para lograr un mayor volumen y busca constantemente los cambios de color.Se le ha calificado a veces de "excesivo", pero es de esa clase de músicos que consigue que buena parte de sus interpretaciones sean el punto de referencia sobre el que se comparan las demás para sus oyentes

"Rhandy Roads"

2007-10-22T22:45:00.000-07:00

Rhandy Roads fue uno de los más grandes guitarristas a pesar de su pronta muerte. Fueron solo dos discos los que logro realizar con Ozzy Osbourne, pero bastaron para dejar testimonio de su gran virtuosismo. Estudio guitarra clásica y eléctrica para poder combinar ambos elementos.Randy Rhoads nació un 6 de Diciembre de 1956 en Santa Mónica, Estados Unidos. Empezó a tocar la guitarra desde pequeño.Fue influenciado por diferentes tipos de guitarristas, lo cual fue formando su particular estilo de tocarla. Antes de tocar con Ozzy, Randy integró el conocido grupo de rock Quiet Riot (con la típica canción "Cum On Feel The Noize"). Con ellos alcanzó a sacar dos discos, pero sólo lanzados en Japón. Randy llegó a Ozzy por Dana Strum. En ese tiempo Ozzy Osbourne estaba cesante porque lo habían despedido de Black Sabbath, y su esposa Sharon Arden le había sugerido que iniciara una carrera como solista, porque ella encontraba que Ozzy tenía mucho talento. En la audición para la banda de Ozzy, Randy sólo tuvo que tocar 5 minutos... Ozzy quedó impresionado con la forma de tocar la guitarra de Randy; ya estaba en la banda. El 19 de Marzo de 1982 Ozzy y su banda viajaban hacia Orlando. Durante el camino Randy le insinuó a Ozzy que quería dejarlo para aprender a tocar mejor guitarra clásica. Ozzy ahora piensa de que si Randy no se hubiera muerto, no estaría tocando con Ozzy...
El estilo de Randy Rhoads es muy característico. Combina el estilo neo-clásico de Yngwie Malmsteen con punteos pentatónicos de gran velocidad. El virtuosismo estaba muy presente en su estilo. Sus riffs tenían mucha gracia y melodía, y a la vez fuerza. Su uso de la escala pentatónica era espectacular... tocaba licks y frases clichés a gran velocidad. Las escalas mayores al estilo neo-clásico las tocaba de una forma maestral. Los hammer-ons, pull offs y legato phrasing estaban muy presentes en sus solos. El era un guitarrista muy completo. También le interesaba mucho la guitarra clásica (quería estudiarla), como esta demostrado en "Dee". Para él no era suficiente sólo la velocidad, sino la melodía y el feeling, el sentimiento. Velocidad y sentimiento, virtuosismo y feeling, eso era él, una leyenda.

Al Di Meola en Caracas

2007-09-15T07:32:00.000-07:00

LA GUITARRA BRILLANTE DE AL DI MEOLA

El 4 de octubre será el turno en el TTC para Al Di Meola y su banda para interpretar éxitos del álbum Mediterraneam Sun dance y fusiones jazzísticas de los tangos de Piazzola.

El guitarrista estadounidense es considerado uno de los grandes representantes de la fusión jazzística, en su caso tanto con el rock como con las llamadas músicas del mundo, fruto de su viaje por otras tradiciones musicales extrañas al ámbito occidental. Es un virtuoso tanto con la guitarra eléctrica como con la acústica.Ha grabado con Chick Corea, Stanley Clarke, John McLaughlin, Paco de Lucía y Paul Simon. Su status como héroe de la guitarra es indiscutible. Di Meola ingresó a la escena musical por primera vez en 1974 con Return to Forever. Se estableció entonces como solista gracias a la serie de prodigiosos álbumes y giras durante la década de los setenta y ochenta.Su visión como compositor se hizo evidente y entonces realizó un par de grabaciones y exitosos tours con John McLauglin y Paco de Lucía en el insuperable grupo de guitarra acústica: conocido como El Trío. Desde entonces ha permanecido explorando la música de otras culturas manteniéndose fiel al mismo tiempo a sus raíces como guitarrista, centrando su atención en los últimos años en la música latinoamericana dedicando un CD al tango en la obra Di Meola plays Piazzolla.

Pimenteira Brasil - Mas chôro serás tú

2007-07-31T23:47:00.000-07:00

"Yamandù Costa y su guitarra de 7 cuerdas"

2007-07-31T21:15:00.000-07:00

(Fuente: Teatro Solìs)

Nacido en Passo Fundo en 1980, Yamandú comenzó a estudiar guitarra a los 7 años de edad con su padre, Algacir Costa, líder del grupo Os Fronteiriços , y continuó con Lúcio Yanel, virtuoso argentino radicado en Brasil.
Hasta los 15 años, su única escuela musical había sido la música folclórica del Sur del Brasil, Argentina y Uruguay mismo. Después de escuchar a Radamés Gnatalli, comenzó a buscar referencias en otros brasileros, tales como: Baden Powell, Tom Jobim, Raphael Rabello, entre otros. A los 17 años se presentó por primera vez en San Pablo en el Circuito Cultural Banco do Brasil, producido por el Estudio Tom Brasil, y a partir de ahí pasó a ser reconocido como músico revelación del violão brasileiro .
Uno de los mayores fenómenos de la música brasilera de todos los tempos, el joven Yamandú confirma y merece todos los elogios que recibe cuando toca su guitarra de 7 cuerdas. Solo en el escenario, es capaz de dejar en éxtasis las plateas mas especializadas, así como de emocionar al gran público y los mas depurados oídos.
Sus intensas interpretaciones logran remodelar cada música que toca y revelan una profunda intimidad con su instrumento. Todo reconocimiento que recibe es apenas un reflejo de lo que el entrega a su público, recreando la magia de la música en su manera de tocar, pasando por su cuerpo y transformándolo casi milagrosamente.
Yamandú Costa viaja por estilos tan profundos y brasileros como el choro y la bossa nova, igualmente influenciado por el jazz, es un gaúcho (Río Grande do Sul) lleno de milongas, tangos, sambas y chamamés. Guitarrista y compositor que no se encuadra en ninguna corriente musical, es una mezcla de todos los estilos, crea interpretaciones de extraña y rara personalidad en su guitarra de 7 cuerdas.

"4to Festival Notas de Esperanza"

2007-06-03T17:43:00.000-07:00

"Tommy Emmanuel"

2007-06-03T17:20:00.000-07:00

(Wikipedia)Tommy Emmanuel (nacido el 31 de mayo de 1955) es un guitarrista australiano, más conocido por su estilo fingerpicking (rasgueo). A través de su carrera, ha tocado con muchos artistas notables incluyendo: Chet Atkins, Eric Clapton, sir George Martin y John Denver.
Cuando Tommy toca la guitarra, parece que sean dos guitarristas a la vez, sin embargo, es el estilo característico de su sonido: mientras mantiene una línea de bajos con su pulgar (normalmente esta es su forma de tocar: usando un thumbpick) toca la melodía con sus dedos índice, corazón y anular.

Tommy nació en la ciudad de Muswellbrook, New South Wales. Comenzó a tocar la guitarra a la edad de 4 años, y a los 5, era músico profesional , y pasó su niñez viajando por Australia con el Grupo musical de su familia, tocando la guitarra ritmica..
En 1966 cuando su padre murió, comenzó a dar lecciones de guitarra a la edad de 12 años. Primero destacó nacionalmente, cuando ganó una serie de concurso en sus años de adolescencia, y a finales de los años 1970, tocaba con su hermano Phil en el grupo Goldrush. A principios de los años 80, reunió la banda reformada de Dragón, uno de los grupos principales de Rock de los años 70, viajando extensamente con ellos, incluyendo un viaje en 1987 con Tina Turner, antes de irse a emprender su carrera en solitario..
Tommy a pesar de no tener conocimientos musicales académicos, su sentido musical natural y la capacidad de tocar prodigiosamente, le ha hecho ganar miles de seguidores por todo el mundo. Igual que es un mago de la guitarra, también es un percusionista profesional, sirviéndose del cuerpo de la guitarra .
En 1994 Tommy participó como miembro de la Banda de John Farnham. El veterano australiano de la música, John Farnham, le invitó a que tocara la guitarra al lado de Estuard Fraser de Noiseworks para el concierto por Rwanda.
En julio de 1999, en la 15th Annual Chet Atkins Appreciation Society Convention, Chet presentó a Tommy con el grado certificado honorario de músico de la guitarra, un honor concedido solamente a dos guitarristas mas (uno, Atkins mismo) - “en el reconocimiento de sus contribuciones al arte de Fingerpicking”.
Uno de los momentos estelares de su carrera, fue su actuación en vivo en Sydney donde participó en la ceremonia de cierre de las Olimpiadas de verano en el 2000. Mil millones de personas contemplaron este acontecimiento en todo el mundo.
Emmanuel es un cristiano convertido desde su recuperación, hace dos decadas, del abuso de estupefacientes.
Tommy lanzó el DVD "Live At Her Majesty's Theatre, Ballarat, Australia" el 11 de julio de 2006. El último álbum de Tommy, “The Mystery,” fue lanzado el 22 de agosto de 2006.
Su canción “Gameshow Rag/Cannonball Rag” está nominada a un Grammy para “Best Country Instrumental Performanceel” en la 49ª edición. La canción es del CD “The Mystery”.
Tommy ha iniciado una gira, recientemente, con la cantante/compositora Lizzie Watkins de compañera

Discography

Tommy Emmanuel in Wrocław, Poland in 2005
2006 The Mystery
2005 Live One
2004 Endless Road
2001 Greatest Hits
2000 Only
1998 Collaboration
1997 The Day Finger Pickers Took Over The World (With Chet Atkins)
1997 Midnight Drive
1996 Can't Get Enough
1995 Classical Gas
1995 Initiation
1994 Back On Terra Firma
1993 The Journey Continues
1993 The Journey
1992 Determination
1990 Dare To Be Different
1987 Up From Down Under
1979 From Out Of Nowhere

"Murió Cacho Tirao"

2007-06-01T06:35:00.000-07:00

(Clarìn . com) En el 2000 había sufrido un accidente cerebro-vascular que lo mantuvo inmovilizado por mucho tiempo. El año pasado había logrado regresar a los escenarios con un espectáculo llamado Renacer.

El reconocido y prestigioso guitarrista de 66 años, sufrió una enfermedad que lo mantuvo inmovilizado durante mucho tiempo aunque hace cuatro meses había logrado recuperarse y grabar junto a su hija el que fue su último disco. La vocera de la compañía discográfica con la que tenía contrato el guitarrista, contó que el sábado último Tirao se sintió mal durante un ensayo y fue trasladado a la Clínica de la Fundación Favaloro, pero al sentirse mejor se le dio el alta. El miercoles en la mañana volvió a sufrir una descompensación y la esposa lo llevó al Argerich, donde falleció.Nació el 5 de abril de 1941 y comenzó a tocar la guitarra a los cuatro años, de la mano de su padre. A los siete años ganó su primer premio, por una presentación en la sección artística de Radio Mitre. Con sólo 16 años fue incluido como solista en la orquesta del Teatro Argentino de La Plata. Integrante del mítico Quinteto de Astor Piazzolla, Tirao trabajó entre otros con Osvaldo Tarantino, Dino Saluzzi y Rodolfo Mederos, acompañó a Josephine Baker y dejó grabados cerca de 40 discos, uno de los cuales vendió un millón de copias. Además es autor de numerosas composiciones, dentro de ellas el Concierto para Guitarra y Orquesta Sinfónica "Conciertango Buenos Aires", creado a instancias del genial concertista español Joaquín Rodrigo y que estrenó en Bélgica en 1985. Durante los años 70 estuvo al frente del programa Recitales espectaculares, que tenía elevados niveles de audiencia. Por esos años también comenzó a dar recitales con Paco de Lucía, quien luego se convirtió en un gran amigo. En el 2000 Cacho Tirao se desplomó en pleno concierto, mientras daba un recital en la Casa de Cultura de Adrogué. Tuvo accidente cerebro vascular que derivó en una hemiplejia. La enfermedad hizo que tuviera que reeducarse para poder volver a tocar la guitarra. Según contó en una entrevista que dio a Clarín en 2003, el célebre guitarrista se preguntó muchas veces "¿por qué a mí?". Tras haber abandonado la actividad artística por seis años, luego de un incidente cardiovascular en 2000 que le generó una hemiplejia, Tirao había retomado sus presentaciones y a fines del año pasado registró su última grabaciòn discográfica, "Renacer", que se editó en enero pasado y que pensaba presentar en vivo próximamente en Buenos Aires. En este material, que incluye una serie de temas propios como "Le petit tango", "Tercer tiempo" y "Teresa, mi renacer", dedicado a su esposa, participó también su hija Alejandra en voz.

"Convocatoria a Guitarristas y Compositores"

2007-05-01T23:00:00.000-07:00

CONVOCATORIA

Se invita a todos los guitarristas y compositores interesados, a suministrar información sobre composiciones originales para guitarra solista o de cámara, para la elaboración de un catálogo de composiciones venezolanas de tradición escrita para dicho instrumento.

Favor enviar los datos a
albertocatalogo@gmail.com
Fecha tope de registro
30 de junio de 2007

Entre los datos a suministrar deben incluirse:
Nombre del compositor (en caso de autores poco conocidos, favor suministrar una síntesis biográfica con un máximo de doscientas palabras)
Título de la obra
Instrumentación
Fecha de composición
Editor (en caso afirmativo, favor suministrar ciudad, editorial, año, número de plancha)
Duración aproximada
Grabación/es (en caso afirmativo, favor suministrar interpretes, orquesta, director, sello disquero, número de catálogo, etc.)
Número de movimientos
Dedicatoria
Lugar y fecha de la primera ejecución (en caso afirmativo, favor suministrar interpretes)

También se les agradece enviar información de contacto (dirección, correo electrónico, teléfonos, etc.) y, de ser posible, suministrar una copia de la obra referida, en formato JPG, PDF o, en su defecto, aportar datos para su localización.

Para mayor información comunicarse con el (0416) 293 23 93

"Baraka en Concierto"

2007-05-01T22:57:00.000-07:00

Mañana a las 2:00 pm en el Hotel Caracas Hilton, Baraka en concierto interpretando parte del nuevo repertorio que incluiremos en el pròximo C.D.

"Pat Martino"

2007-04-29T11:37:00.000-07:00

Fuente:Qatro.net y Wikipedia.

«Cuando los efectos de la anestesia habían pasado, Pat Martino miró confuso a sus padres y doctores, e intentó ensamblar cualquier recuerdo de su vida. Uno de los más grandes guitarristas de Jazz, Martino, había sufrido un grave neurisma cerebral fue sometido a una operación tras informarle de que su situación podría ser terminal.
Después de las operaciones, él no podría recordar casi nada. Apenas reconoció a sus padres, y no tenía nada en su memoria sobre su guitarra y su carrera. En los meses siguientes, Martino consiguió una recuperación notable. Con el estudio intensivo de sus propias grabaciones históricas, y con ayuda de la informática, Pat trabajó para recuperar su memoria perdida y volver a formarse en su instrumento».Martino (Philadelphia 25 de agosto de 1944) comenzó a tocar profesionalmente a los 15 años de edad. Trabajó pronto en grupos, como en los liderados por Willis Jackson, Red Holloway y por una serie de organistas como Don Patterson, Jimmy Smith, Jack McDuff, Richard "Groove" Holmes y Jimmy McGriff. Tras tocar con John Handy (1966), empezó a liderar sus propios grupos en sesiones para Prestige, Muse y Warner Bros., demostrando interés en la vanguardia jazzística, el rock, el pop y las llamadas músicas del mundo, al incorporarlas a su estilo hard bop.
En 1980 se sometió a una operación cerebral para corregir una neurisma que le provocó la pérdida de la memoria y cualquier habilidad para tocar. Empezó a tocar de nuevo en 1984 pero su regreso se produciría en 1987, con The Return. Aunque con una actividad menor que antes de la operación, Martino consiguió recuperar la forma, grabando otra vez para Muse y Evidence; su, por el momento, última compañía discográfica es Blue Note.

"Clinic Tour Mike Stern"

2007-04-16T22:45:00.000-07:00

Mañana martes 17 de abril a las 7:00 pm, Clinica de Mike Stern en el Centro Cultural Corp Group ambas salas, valor de la entrada general Bs. 35.000

"Pimenteira Brasil en el Museo de Bellas Artes"

2007-04-11T20:13:00.000-07:00

Mañana 12 de abril, Cafè Concert en el Cafè Jardìn del Museo de Bellas Artes, 7:00 pm. Entrada Libre. Te esperamos....

"Leo Quintero en vivo en Miami Beach"

2007-04-09T08:34:00.000-07:00

Leo Quintero live

Thursday April 4th at 9:00 PM Upstairs at the Van Dyke Located at 846 Lincoln Road (at Jefferson Ave.) MiamiBeach, FL 33139. Tel: 305.534.3600

And: Tue April 24th at . Arturo Sandoval Jazz club at 8:30 and 10:30 PM www.arturosandovaljazzclub.comDeauville Beach Resort6701 Collins AvenueMiami Beach, FL 33141For reservations please call 305-865-5775

"Tomas Janzon" en Buenos Aires

2007-04-09T08:18:00.000-07:00

10 y 11 de Abril
Tomas Janzon(Suecia)
Su master de graduación en guitarra clásica puede explicar su técnica virtuosa, pero solo un deseo natural podría explicar el increible swing que sale de su guitarra.Jim Santella - Los Angeles Jazz Scene

www.tomasjanzon.com

"Artista invitado especial"

Oscar Giunta
Uno de los principales protagonistas de la escena jazzística de la última década y media.

www.oscargiunta.com.ar

Jerónimo Carmona
Uno de los más destacados representantes de la nueva generación de músicos de jazz surgidos en Buenos Aires en estos últimos años.

Martes 10 de Abril 21.30 hs.

Miércoles 11 de Abril 21:30 hs.

Avenida Callao 892Buenos Aires / ARGENTINAReservas: 4811-3670 / 4812-8707 www.clasicaymoderna.com
_________
Salguero 1884 1° Piso / PalermoBuenos Aires / ARGENTINAReservas: 4829-1562www.theloniousclub.com.ar

"Pimenteira Brasil en el Ateneo de Caracas"

2007-03-14T21:58:00.000-07:00

Este jueves 15 de marzo a las 7:30 nos presentamos en el Ateneo de Caracas con un gran repertorio y una propuesta escènica que no te puedes perder. Te esperamos.
Entradas: General:Bs. 20.000, Estudiantes y 3ra edad: Bs. 16.000.

Parte del Concierto en el Centro de Arte La Estancia el 25 de febrero de 2007

"Pimenteira Brasil en el Centro de Arte la Estancia celebrando su 4to aniversario"

2007-02-20T00:47:00.000-08:00

PIMENTEIRA BRASIL
la banda venezolana de samba y chôro en concierto:
Por: Pedro Isea
Desde sus inicios, en los carnavales del año 2003, PIMENTEIRA BRASIL ha realizado demostraciones abiertas al público o "rodas de samba" para difundir la música brasilera teniendo como escenario distintos locales de Caracas siendo el de más larga data el Bar La Castella en Colinas de Bello Monte, donde desde hace más de dos años se presentan casi todas las semanas los días miércoles haciendo un ensayo abierto con el público en las mesas alrededor disfrutando de las bebidas, la buena compañía y la vibrante música del Brasil.

En el 2007 PIMENTEIRA BRASIL unirá esfuerzo propio y de sus seguidores para lanzar a la calle su primera producción musical formal (ya que cuentan con un primer CD artesanal el cual se ha distribuido en su totalidad en todos sus conciertos) y se presenta en concierto celebrando sus 4 años de actividades...

"En octavita: 4 años de Pimenteira..."
Lugar: Centro de Arte La Estancia. La Floresta. Caracas
Fecha: Domingo 25 de Febrero de 2007
Hora: 11:00 AM
Entrada libre

"Mike Stern en Venezuela"Ùnica presentaciòn.

2007-02-14T06:59:00.000-08:00

Mañana jueves 15 a las 8:00pm se estarà presentando en CORP GRUP el gran guitarrista Mike Stern. El valor de la entrada es de Bs 50.000,oo
Un poco de historia:

Excelsior
Por: Gabriel Medina
Mike Stern, trabajó en el grupo del fallecido y genial trompetista Miles Davis, además de la banda Word of Mouth del también fallecido Jaco Pastorius.
“Además de guitarristas me encanta escuchar a pianistas como McCoy Tyner, Bill Evans y Chick Corea, aunque últimamente también estoy escuchando muchos instrumentos de viento, sobre todo a Roy Hargrove (trompeta) y Michael Brecker (sax tenor), siempre he querido que mi guitarra cante, como lo hace un saxofón o una trompeta, el fraseo que consigues con esos instrumentos fluye como las palabras, esa es mi meta”.
Stern, cuyo decimotercero y más reciente disco titulado Who let the cats out? explicó por qué decidió nombrar así su álbum, nominado al Grammy por mejor grabación de jazz contemporáneo.
“Mi esposa tiene muchos gatos, nos encantan, pero a veces me vuelven loco, cuando los dejas demasiado tiempo afuera, no puedes ni dormir, corren y buscan cosas, exploran, siempre están jugando. Creo que este disco tiene ese espíritu loco y juguetón, también por eso en la portada aparezco con mis gatos”, explicó.
En la grabación de este CD con 11 temas lo acompañaron figuras tan importantes del jazz, como los bajistas Victor Wooten y Richard Bona, Dave Weckl en la batería, Roy Hargrove en la trompeta y Gregoire Maret en la armónica.

Figuras del rock y el blues como B.B. King, Eric Clapton y Jimi Hendrix, fueron las primeras influencias de Stern.
El músico de 54 años, quien estudió con el guitarrista Pat Metheny, expresó su gratitud hacia su maestro.
“Pat me ayudó a tener más seguridad en mí mismo, me confirmó que mi música iba por buen camino, yo era demasiado tímido y muy crítico conmigo mismo. Fue mi maestro en Berklee y apenas tenía 18 años, yo tenía ya 20”.

"Jason Becker"

2007-02-11T10:19:00.000-08:00

Este artìculo me lo enviò mi apreciado alumno Netzer Pita.

http://netzerblog.blogspot.com/

Jason Becker, fue y sigue siendo uno de los mejores guitarristas que han existido dentro de la historia de la guitarra, merece respeto y reconocimiento, por todo lo que aporto al mundo de la guitarra y por su gran calidad como compositor. Durante su paso junto con Marty Friedman en lo que fue la ya bien conocida banda Cacophony, llamo la atencion de todo el mundo en ese entonces por su impresionante forma de tocar con tan solo 17 años de edad!. Fue el creador de uno de los mejores discos instrumentales dentro del genero Neo-Clasico Perpetual Burn, que fue su primer disco en solitario, acompañado del baterista Atma Anur y el cual se puede catalogar como un excelente disco de metal, con salvajes guitarreos balanceados con poderosas melodias que hicieron de este disco una cotizada pieza para todo collecionista amante de la guitarra. Becker fue elegido para remplazar a Steve Vai, dentro de lo que fue la grabacion del disco de David Lee Roth A Little Ain't Enough, pero despues de acabar la grabacion, y a la edad de 20 años Jason fue diagnosticado con el mal de Lou Gehrig, una enfermedad que va inmovilizando el cuerpo poco a poco a hasta dejarlo totalmente paralitico. Muy pronto empezo a perder la habilidad para tocar y de repente parecio que habia quedado en el olvido, hasta que en 1995, sorprendentemente, salio a la calle su segundo trabajo Perspective, que incluye a varios de sus amigos y musicos invitados que tocan la musica que el propio Jason compuso por medio de computadoras. En 1999 apareció su disco Raspberry Jams que contiene demos y temas que Becker habia hecho anteriormente y donde tambien aparece Marty Friedman en un estupendo Jam con Jason. Becker pretende sacar mas trabajos posteriormente pero aun estan en proceso, mientras hay que permanecer en espera; porque sin lugar a dudas a pesar de su enfermedad su calidad como compositor y su virtuosismo en la guitarra lo consolidaron como uno de los mejores guitarristas que hayan existido en la tierra.
Tomado de http://www.guitarraonline.com.ar/

"Leo Quintero"

2007-02-02T21:00:00.000-08:00

Compositor, guitarrista, arreglista y productor nativo de Caracas, Venezuela, Leo es miembro de una dinastía de músicos y cantantes, como su padre “El Negro José” Quintero, y sus hermanos Maricruz y Frank Quintero. Graduado con honores (Cum Laude) en el Berklee College of Music, Estados Unidos, Leo fue miembro del plantel de profesores de ese instituto de 1991 hasta 1995, gracias a su capacidad y a su formación, en la que tuvo la suerte de contar con maestros de la talla de Charlie Banacos, Vicente Emilio Sojo, Inocente Carreño, Aldemaro Romero y Manuel Enrique Pérez Díaz, entre otros.
Leo Quintero comienza su carrera en la música popular a mediados de los años 60, con agrupaciones como The Lovin Kind, La Fe Perdida, Los Cuñaos, El Trabuco Venezolano, Frank Quintero y Vitas Brenner, tanto en calidad de instrumentista, como de compositor. Por más de 30 años, se ha destacado por sus trabajos como guitarrista de estudios de grabación. Resalta una larga trayectoria en la onda del pop y el rock, que incluye trabajos junto a destacadas estrellas internacionales de distintos géneros, como Ilan Chester, Son by Four, Alejandro Montaner, Franco De Vita, Jon Secada, Thalía, Olga Tañón, Juan Gabriel, Elvis Crespo, José Luis Rodríguez, Gilberto Santa Rosa, Ricky Martin y Armando Manzanero.
Asimismo, Leo es ampliamente reconocido como intérprete del jazz, en cuyo ámbito ha tenido la oportunidad de participar en proyectos al lado de Tiger’s Baku (gira por EUA, Canada y Japón, 1981-1984), The Bob Moses Band (gira por Europa, 1985-1986), Paquito de Rivera y el Ensemble de la Habana (Boston, 1988), Igor Buttman Quintet (Boston, 1989-1990), The Road Quartet (Miami, 1998-1999) y Chick Corea en el concierto Jam Miami. En el año 2000, también compartió con Arturo Sandoval, Ed Calle, Claudio Roditi, Horacio “El Negro” Hernández, Poncho Sánchez, Pete Escovedo, Dave Samuels y otros. Actualmente, Leo es el líder de su propio grupo musical.
A principios de 2005, Leo edita el discompacto Otro Día, con Infinite Music, su propio sello disquero. Su más reciente producción se titula Ofrendas, editado bajo el sello Fono Jazz Universal. El disco contiene conocidas versiones de piezas de guitarra clásica de Antonio Lauro y Francisco Tárrega, además de otras de su propia autoría. Ofrendas, el tema promocional incluido en el catálogo VenezuelaDemo, es un tributo al desaparecido músico Vitas Brenner, donde Leo incorpora los tambores afrovenezolanos, que son ejecutados por Carlos “Nené” Quintero.

Pat Metheny (Jazz)

2007-01-01T12:30:00.000-08:00

Nacido en Lee's Summit, Missouri, un pueblo de Kansas City, el 12 de agosto de 1954. Pat Metheny ha sido músico profesional casi la mitad de su vida. Incluso por separado, sin el grupo, las credenciales del guitarrista son impresionantes. Fue profesor tanto en la Universidad de Miami como en el Berklee College of Music, en Boston, cuando aún era un adolescente. A los diecinueve años Pat se unió a la banda de Gary Burton y permaneció con ellos durante tres años (1974-1977). Ha tocado y grabado con algunos de los más innovadores músicos de las pasadas dos décadas: Gary Burton, Paul Bley, Sonny Rollins, Steve Swallow, Dewey Redrnan, Paul Motian, Hubert Laws, Roy Haynes, Miroslav Vitous, Dave Liebman, Eberhard Weber, Julius Hemphill, Jack DeJohnette, Michael Brecker, Charlie Haden, Billy Higgins, Ornette Coleman, Milton Nascimento, Herbie Hancock y Steve Reich. Su primer disco "Bright Size Life" se estrenó en mayo de 1976 con el sello ECM. En él colaboraron Jaco Pastorius (bajo eléctrico) y Bob Moses (batería). En él ya presenta las composiciones unidas y comprometidas del líder y su concepto único de lo instrumental. A éste siguieron "Water Colors" (1977) en el cual grabó por primera vez con Lyle Mays y Danny Gottlieb. Más tarde "Pat Metheny Group" (1978), "New Chatauqua" (1979), "American Garage" (1980), "80/81" (1980), "As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls" (1981), "Offramp" (1982) su primera grabación con sintetizador de guitarra, "Travels" (1983), "Rejoicing" (1983), "First Circle" (1984), "Song X" (1986) colaboración con Ornette Coleman, el revolucionario saxofonista y compositor de free jazz, "Still Life Talking" (1987), "Letter From Home" (1989) su trabajo de mayor éxito hasta ese momento, conciso, con fuerza, inequívocamente melodioso y conmemorativo, "Letter From Home" es un mensaje de madurez y logros de un grupo en plena forma. "Question and Answer" (1990), "Secret Story" (1993), una de sus creaciones más personales, con su factor emocional, crecido como compositor, culminación de lo que había hecho hasta la fecha. "The Road to You" (1994), "We Live Here" (1995), "Beyond The Missouri Sky (1997), Imaginary Day (1997) y Speaking of Now (2002). Su grupo el Pat Metheny Group está formado por Pat Metheny (guitarra), Lyle Mays (teclados), Steve Rodby (bajo), Richard Bonna (voz y guitarra), Antonio Sánchez (batería), David Samuels (percusión) y Cong Vu (voz y trompeta). Son escasos los artistas que improvisan y que logran interesar a una creciente cantidad de público sin que por ello se vea afectado su arte. Más extraño aún es encontrar un artista que pueda ver cómo su público se desarrolla al mismo tiempo que lo hace su visión musical. Pat Metheny, considerado uno de los mejores guitarrista de jazz del mundo, compositor polifacético, productor innovador y pionero con la guitarra sintetizador, se encuentra en una posición inigualable, principalmente el resultado de una inteligencia musical insaciable y una energía aparentemente inagotable. © epdlp

Pat Metheny, Richard Bona y Antonio Sanchez.

"El Chavo y Quico, aprendiendo a tocar guitarra con Don Ramòn y el Profesor Jirafales" (Que bueno està)

2006-12-26T23:23:00.000-08:00

"El miedo escènico"

2006-12-02T21:26:00.000-08:00

Fuente: Revista Ocho Sonoro, artículo sección "Didáctica" (páginas 12-18) Recopilación: Jeff Covey (Traducción: Emilio Carrión)

Cualquier situación en la que se toque y se esté nervioso es una actuación y debe tratarse como tal. Se esté tocando para una multitud de trescientos o de tres, para el profesor o para tu esposa, o incluso para una grabadora o audiencia imaginaria, en el momento que eres consciente de que estás siendo escuchado, estás actuando y tienes la oportunidad de practicar las habilidades de actuación. Actuar es una habilidad como cualquier otra, y hay que aprenderla. Negar esto nos convierte en músicos incompletos.
Una cosa es la capacidad que se tiene de actuación y otra es la capacidad de tocar el instrumento; una siempre va a la zaga de la otra. La parte mala es que casi nunca se toca tan bien en el escenario como en la habitación de estudio. La parte buena es que conforme se aumenta la capacidad de tocar en la habitación de estudio, la capacidad de actuación sobre el escenario también se incrementa proporcionalmente. No esperes que toda actuación sea la mejor, es cierto que en cada ocasión hay que esforzarse, aunque no tanto para alcanzar la perfección sino para conseguir consistencia. Hay que procurar conseguir un buen nivel constante, llegando ocasionalmente a niveles de grandeza. Esfuérzate por mantener y mejorar tu nivel medio de actuación. Recuerda: sobre el escenario no hay ninguna pieza fácil. Si siempre intentas tocar por encima de tu capacidad de actuación (aunque estés dentro de tus límites de dominio del instrumento) nunca progresarás como intérprete sobre el escenario. Ninguna pieza es demasiado fácil. Se puede aprender a tocar en el escenario haciendo una escala.
Cuando tocas, la audiencia no sabe (a menos que proyectes tu descontento) si estás en una parte fácil o difícil, algo que además no les preocupa. El público está ahí para disfrutar de la música, de modo que déjales disfrutar. No proyectes tus inseguridades en el público que te escucha; ellos no las quieren. Dedícate a disfrutar tú mismo y céntrate en la música. Mantén la concentración en las cuestiones técnicas a vencer en cada pieza, pero sobre todo céntrate en el resultado musical que quieres transmitir. Sé un artista, no un atleta. Una técnica impresionante sólo debe ser un medio para conseguir un fin musical. No trates de competir con otros o compararte con ellos excepto si es para estimular tu propio deseo de mejorar. La verdadera competición es con uno mismo. Trabaja para mejorar tu capacidad técnica sólo como medio de lograr una mayor expresividad. Intentamos crear algo, no impresionar a alguien. Enorgullécete por lo que haces. Ten en cuenta las críticas constructivas que los amigos y profesores te dan, pero ignora las críticas destructivas procedentes de gente insegura de sí misma o que simplemente no les gustas y quieren hacerte daño. Si puedes, libérate de la preocupación por las expectativas poco realistas de los demás. Puedes disfrutar en el nivel en el que estés ahora mismo mientras sigues avanzando. A veces hay gente esperando el momento para perjudicarte. Ignóralos. Los problemas de actuación son completamente internos. No hay estrés fuera de ti. Hay que confrontar la ansiedad de actuación y tratarla en tu mente, en tu interior.
Recuerda lo que de verdad estás haciendo. La actuación no tiene nada que ver contigo. No se trata de un juicio de valor de ti mismo. No es una oportunidad para hacer alarde de tu ego o para aplastarlo. Se trata de una oportunidad para compartir el placer de la música con otros. Recuerda que en muchas culturas se consideran las actuaciones y el escuchar música como una experiencia religiosa. Esto puede mantenerte en el camino correcto. Cualquiera que venga a tu actuación a escuchar tus errores en vez de a disfrutar de la experiencia musical es más digno de pena que de temor. Usa la actuación como una oportunidad para el desarrollo, para dar. No practiques para aprender solo cómo tocar una pieza, aprende cómo actuarla; cómo interpretarla. Después de que la domines técnicamente lo suficiente, tócala aplicando estas reglas:
1. Una vez que comiences, toca la pieza hasta el final sin parar. No hagas falsos comienzos. No te detengas a mitad y comiences de nuevo.
2. Cuando cometas un error, ¡sigue! Si te paras y corriges el error, entonces has cometido dos errores. Mira siempre hacia delante. Lo que ha pasado, pasó.
3. Incluso aunque hayas realizado un pequeño desastre, termina de forma sólida y dale a la última nota todo su valor. Nada resulta más desagradable para una audiencia que alguien que al final de la pieza, frunce el seño, se queja y se lamenta de su destino.
Hay problemas que no se ven a priori que pueden aparecer cuando se toca la pieza completa. Realiza una evaluación honesta y vuelve sobre las áreas problemáticas, especialmente sobre las conexiones de las áreas que has trabajado individualmente.
Visualización
Si no puedes visualizar con confianza las piezas que tocas, te estás abriendo a la inseguridad en la actuación. Asegúrate de que no haya dudas en tu memoria de la pieza antes de salir al escenario. Has de asegurarte que puedes visualizar/solfear sin sombra de duda:
1. El nombre de las notas.
2. La digitación de mano izquierda.
3. La digitación de mano derecha.
4. La melodía en obras homofónicas, cada voz individualmente en las contrapuntísticas.
5. Las progresiones armónicas.
6. La estructura general de la pieza.
Y finalmente, ser capaz de visualizar la obra a tempo con un metrónomo sin dudas ni errores. Otro método de usar la visualización eficazmente es visualizar las actuaciones mismas. Como la ansiedad de actuación es un fenómeno puramente mental, aprende a recrear vívidamente en tu pantalla mental la experiencia de tocar frente a otros, y tratar con tus miedos donde realmente están, en tu propia mente. Cuanta mayor precisión y de forma más vívida puedas captar la expieriencia de actuación, menos tendrás que usar las actuaciones mismas como medio de trabajar las habilidades de actuación.
Relajación:
Ponerse nervioso es la reacción natural al ser el centro de atención. Es lo que haces con ese nerviosismo lo que determina si serás capaz o no de actuar. Intentar ignorar el nerviosismo es engañarse a sí mismo y con esto se empeoran las cosas. Tomarlo de una forma agresiva y decirte, "no me pondré nervioso, no puedo estar nervioso" es igualmente malo. Tienes que aceptar tu nerviosismo y trabajar con él. Tienes que canalizar tu energía nerviosa hacia una energía constructiva, y aprender a relajarte. La relajación es una técnica, y es tan importante cultivar esta técnica como cualquier otra que aprendas sobre el instrumento. Si no puedes relajar tus músculos conscientemente durante el estudio, tampoco podrás hacerlo en el escenario.
Los ejercicios de relajación progresiva pueden darte un control consciente sobre tu cuerpo. Para realizarlos ponte un reloj de alarma para que suene en 30 minutos. Échate en el suelo o en una cama (no demasiado cómodo, o te quedarás dormido). Comienza con un extremo del cuerpo, los dedos de los pies o la cabeza y relaja conscientemente pequeñas partes de tu cuerpo cada vez (cada dedo del pie, el talón, el empeine, la planta, etc.). Pasarás por tres estados de relajación: primero, llegarás al estado en que normalmente se considera estar "relajado". Después la parte que estás relajando se sentirá pesada, como si se hundiera en el suelo. Finalmente sentirás como si desapareciera totalmente, y ya no serás capaz de sentirla. Lentamente ve pasando hasta el otro extremo de tu cuerpo, hasta que todo tu cuerpo se sienta como si hubiera desaparecido. Practicar esto una media hora cada día y especialmente antes de las actuaciones, incrementará tu sensibilidad a la tensión y te hará capaz de liberarla inmediatamente cuando ocurra. Otro modo de relajación se lleva a cabo centrándose en la respiración. Aprende a respirar desde el diafragma más que desde el pecho (haciendo que tu vientre se contraiga y se expanda) hazlo despacio y en respiraciones profundas. Es de vital importancia que ralentices conscientemente tu respiración cuando sientas que empieza a acelerarse. Porque una vez pasado cierto nivel ya no es posible el control y comienza la hiperventilación. Haz como parte de tu práctica diaria la regulación de la respiración y la relajación de tu cuerpo antes de empezar el estudio. Un intérprete relajado parece hacerse uno con su instrumento. Encuentra un nuevo músculo para relajar en cada sesión.
Toca la pieza muchas veces. A la séptima vez deberías empezar a disfrutarla. Antes de la actuación verdadera, practica varias actuaciones para ti mismo. En estas actuaciones de práctica lo importante no es tanto hacer música como mejorar las habilidades de actuación. Ponte un objetivo para cada práctica de actuación. Si tienes problemas en la respiración mientras actúas, póntelo como objetivo. Aunque falles notas, si respiras en calma, de forma relajada puedes considerar un éxito en la práctica. Practica por niveles. Primero actúa en tu habitación de estudio para una audiencia imaginaria (pero vivamente imaginada). Después actúa para una grabadora (esta es una práctica excelente, ya que la grabadora te da un punto de vista completamente objetivo de cómo suenas). Toca para uno o más amigos íntimos, y después para extraños. Busca y descubre qué situación te pone más nervioso, de manera que puedas aprender a manejarla.
Acude a actuaciones en vivo de otros tanto como te sea posible para acostumbrarte al ambiente del concierto. Imagina que te acercas por el pasillo al escenario y te sientas enfrente de toda esta gente, y comienzas a tocar una de tus piezas. Maneja cualquier sentimiento de nerviosismo que tengas como lo harías si estuvieras realmente en el escenario. Hazlo en tu visualización lo más vívidamente posible. Usa las actuaciones en vivo como una oportunidad para darte cuenta de que incluso los mejores intérpretes se ponen nerviosos y cometen errores. Las grabaciones están editadas y manipuladas, y por tanto representan un ideal de interpretación. Nos dan una expectativa poco realista de lo que debería ser cuando uno toca. Escuchar los conciertos con todas sus imperfecciones debería librarte de tales preocupaciones erróneas.
El día de la actuación
Haz todo con calma y lentamente. Prepara la ropa, las partituras, el banquito y todo lo que necesites para que no tengas que correr cuando llegue el momento de salir al escenario. Evita practicar excesivamente. Empollar a última hora, al igual que ocurre con los exámenes en la escuela sólo hace que fatigues los músculos y te quede una sensación de inseguridad sobre si estás o no preparado. Acepta que te has preparado bien y todo irá bien. Visualiza las piezas, con calma y de forma efectiva trabaja sobre puntos determinados. Podrías tocar una o dos piezas completas. No se necesita más. Come ligero y suficiente. Evita los estimulantes. Llega temprano y familiarízate con la sala. Si es posible siéntate en la posición en la que tocarás y toca una pieza o dos. Permanece en calma mientras visualizas los asientos llenos de gente.
Durante la actuación
La concentración es la habilidad más importante en una actuación, y debe cultivarse mediante la práctica. Mientras estés tocando, concéntrate en los medios necesarios para conseguir el fin que te propones, y este fin llegará por sí mismo. En vez de preocuparte por sacar un buen sonido, mantén tu mente centrada en lo que tienen que hacer los dedos para producir un buen sonido. En vez de preocuparte por si tendrás un fallo de memoria, enfoca tu mente en recordar. Cultiva la habilidad de mantener tu mente centrada a pesar de las distracciones. Para esto puedes practicar tus piezas frente a una televisión con el volumen alto y con dos radios sonando al mismo tiempo en dos emisoras distintas. Si a pesar de todo puedes mantener tu mente centrada en tocar las piezas, no tendrás que preocuparte de mucho cuando estés en el escenario.
Cometer errores
Acepta que la perfección no es posible. No bajes tus expectativas, pero acepta que eres humano y que los errores llegarán; dada la cantidad de notas que se tocan en una actuación, es poco realista esperar que nunca fallarás ni una. Permítete un cierto número de errores por actuación. Si aceptas que pueden llegar, no te sorprenderás cuando lleguen ni te entrará miedo por ello. Hay dos clases de errores:
1. Deficiencias: Se trata de acciones que eres incapaz de realizar en el instrumento, y son signo de una preparación inadecuada. Estos errores son causa de preocupación y deben estar en primer lugar en la lista de cosas para trabajar después de la actuación. Mientras que ésta continúe, ignóralas no obstante, y sigue adelante. ¡No hay tiempo para practicar ahora!
2. Errores sencillos: Éstos ocurrirán al margen de lo bien que te hayas podido preparar. Déjalos pasar y continúa. Si tu perspectiva es suficientemente buena y estás centrado en la música, te reirás de ellos.
Evita el error común de ofrecer a la audiencia un comentario de los errores que vas cometiendo, ya sea con gestos o movimientos: "uup, lo siento... otra vez..." y comentarios semejantes no son ejemplos de buena comunicación con la audiencia. Cuando cometas un error, siléncialo. Casi siempre serás el único en notarlo.
Si tienes un bloqueo de memoria tan fuerte que no puedes continuar con la nota siguiente, salta a la siguiente frase o sección que recuerdes claramente. Si no puedes hacer eso, vuelve al principio de la sección en la que estés o al principio de la pieza. Cuando todo esto falle, pasa a la pieza siguiente. Si no queda ninguna más por tocar, sonríe entonces, saluda y sal.
Mira a la audiencia como amigos, no como enemigos. Lo único que quieren es escuchar tu música, y quieren que lo hagas bien. Consecuentemente, ellos apoyan tus esfuerzos, y no tratan de minarlos. La gente que venga a no escuchar otra cosa que tus errores, es digna de lástima, ya que se está perdiendo completamente la música.
Si vas a hablar con la audiencia, sé tú mismo. Tratar de parecer pomposo y formal, o siendo excesivamente próximo en plan "colega" lo único que conseguirás será alienar la audiencia. Prepárate bien lo que vayas a decir para que sepas de lo que estás hablando. Uno no inspiraría confianza en la audiencia si empieza a decir, "la siguiente pieza que voy a tocar, mmm, está compuesta por, mmm, Franco Marinaro Torroba. Se trata de su, mmm, sonatina, que es una especie de pieza grande, con movimientos y notas. La escribió me parece que en los años 20 o en los 70 para Segovia o algún otro guitarrista".
Cuando actúes, permítete sentirte grande, deja que tus hombros se ensanchen. Deja que tus brazos y dedos se expandan. Esta relajación libera la circulación y permite a la sangre fluir por los dedos, permitiéndote tocar incluso, en un escenario frío.
La mayoría de la gente piensa que todo suena muy bien en la habitación de estudio, y después cuando suben al escenario, todo suena fatal. A esto hay que darle la vuelta por completo. En la habitación de estudio uno debe ser hipercrítico en todo lo que esté oyendo, porque entonces se tiene la oportunidad de cambiarlo. Una vez que estás en el escenario, no hay tiempo para nada de esto, de modo que hay que aceptarlo tal como es y enfocarse en lo positivo, en lo que suena bien. Los problemas podrán resolverse de vuelta a casa.
A veces puede parecer en el escenario que el tiempo se detiene. Todo se ralentiza y dura más. A muchos les atemoriza esto, y piensan entonces, "Dios mío, ¿va a terminar esto alguna vez?" Este fenómeno puede utilizarse como una ventaja si eres capaz de mantenerte concentrado en lo que tienes que hacer para realizar una buena interpretación. Recuerda tomarte tu tiempo. Nadie te mete prisa. Toma todo el tiempo que necesites para prepararte física, mental y emocionalmente y nunca comiences una pieza hasta que estés concentrado y preparado.
Es bueno tener un ritual y repetirlo siempre que se sube al escenario, y realizarlo siempre en todas las prácticas de actuación. Si consigues convertirlo en un hábito inconsciente puede ayudarte de forma muy efectiva para instaurar un estado inicial de concentración. Usa este ritual para detener cualquier problema predecible que pueda perturbar tu confianza mientras tocas. Una muestra podría ser la siguiente:
1. Comprueba tu asiento y asegúrate de que está equilibrado y no tienes la sensación de que tu instrumento pueda deslizarse.
2. Tómatelo con calma. Respira profundamente para calmarte.
3. Comprueba la afinación (con volumen mínimo).
4. Coloca ambas manos en la situación adecuada para comenzar la pieza (nada resulta más perturbador que comenzar la pieza y darse cuenta que sólo una de las manos está en la posición correcta).
5. Cierra los ojos y marca el tempo con el que vas a comenzar. Ten en cuenta que si estás nervioso tenderás a tocar más rápido o a acelerarte conforme vayas avanzando en la pieza, de modo que puede que tengas que comenzar a un tempo que te parezca en principio lento. Con frecuencia el nerviosismo distorsiona la percepción del tiempo haciéndote creer que la velocidad a la que tocas la pieza normalmente es demasiado lenta.
6. Solfea y visualiza la primera frase de la pieza.
7. Comienza la pieza con decisión coordinando el primer tiempo fuerte con una expiración de la respiración (¡y no olvides mantener la respiración lenta y profunda mientras tocas!).
Tras la actuación muestra tu agradecimiento a la audiencia por escucharte y nunca te disculpes por lo que has hecho. Si has hecho lo que has podido en el momento, no tienes por qué disculparte. Censurar tu propia interpretación ante alguien que te está aplaudiendo no sólo revela tu falta de autoestima, sino que también insulta al que escucha. Es como decirle que si ha disfrutado con tu interpretación es por su mal gusto.
Cuando estés solo, evalúa tu actuación honestamente y trabaja sobre los problemas que hayas descubierto bajo el estrés de la actuación. Sobre todo no te castigues por lo que hiciste. La verdadera perspectiva de tu actuación no está en lo que esperas hacer en el futuro, sino en cómo lo hiciste en el pasado. Céntrate en lo que has conseguido y en lo que puedes llegar en el futuro.

(Salud para Guitarristas 1)"Enfermedades producidas por la ejecuciòn de la guitarra"

2006-11-29T10:30:00.000-08:00

Por el Dr: Carlos Rubèn Gòmez(autor de la Escuela fisiològica de la guitarra)
La mayoría de los guitarristas desconoce que puede enfermarse por tocar la guitarra. Esta falta de conciencia puede tener graves consecuencias, pues las enfermedades que se producen por lesiones muy pequeñas y acumulativas (enfermedades por sobreuso) pueden perturbar de tal modo la practica del instrumento que el guitarrista puede llegar a abandonar su carrera musical. Una nueva corriente en la difusión de dichos conceptos está comenzando a gestarse en el mundo del arte. Casos emblemáticos como los de Schumann y Teleman que padecieron enfermedades por sobreuso. Están siendo considerados como un llamado de atención.
No obstante, suele ocurrir que el guitarrista que comienza paulatinamente con pequeños dolores y molestias no le de importancia, mientras no le perturbe en su ejecución. Puede ser que no quiera parar porque tiene que seguir una gira, por razones profesionales, por conceptos equivocados como por ejemplo que cuando duele es mejor, por desidia, por negación, o quizá también por temor al ridículo o a tener algo malo. Múltiples razones imposibles de enumerar en su totalidad pueden contribuir a que estas lesiones progresen.
Cuando el guitarrista consulta a un médico, lo más común es que un médico, que desconozca la existencia de estas enfermedades, no sepa qué está pasando, le de reposo, un calmante y basta. Con lo cual no soluciona el problema.
Al final el guitarrista cansado de los médicos puede recurrir a medicinas alternativas (curanderos, etc). Con lo cual la enfermedad continúa. Cuando el guitarrista llega al Medico del Arte (que es una especialidad nueva y queatiende dichos problemas) tal vez la enfermedad ya sea irreversible. Por eso es tan importante defendernos de dichas contingencias.
¿Que debemos hacer?Primero saber que dichas enfermedades existen. Ante los primeros síntomas consultar con médicos que sepan atender el problema, que en general, atendido a tiempo puede ser reversible y de poca monta.
¿Cuáles son estas enfermedades?Se producen en un porcentaje elevadísimo: entre un 50 a 70% de los guitarristas. Las partes del cuerpo más afectadas son los miembros superiores (hombros, brazos, antebrazos, mano y dedos). Las lesiones son producidas por el uso excesivo de las manos, que provoca el roce de los tendones y dichos roces producen lesiones inflamatorias que se van acumulando con el tiempo.(enfermedades por sobreuso).
Síndrome del túnel carpiano Se afectan los tendones que flexionan los dedos el dolor aparece en la palma de la mano y se "duermen" los dedos pulgar, indice y medio por compresión del nervio mediano. El dolor suele agudizarse de noche y despertar al guitarrista.
Dedo en resorteCuando la inflamación del tendón provoca un agrandamiento localizado del mismo, al pasar por la 'vaina´, más estrecha, salta de golpe como un resorte.
Codo de tenista Ocurre cuando se altera un músculo (segundo radial) que sirve para fijar la muñeca para que los dedos puedan ejecutar, es frecuente en los tenistas. Aparece un dolor en el codo y en el dorso de la muñeca.
Distonía Es una contracción brusca, involuntaria, que se produce en determinadas circunstancias: por ejemplo al ejecutar la escala cromática o un arpegio, el dedo se levanta y perturba la ejecución. Es una enfermedad hereditaria que se desarrolla con la ejecución de la guitarra, después de varios años como guitarrista.

Hoy Baraka ofrece concierto en el evento "Cena con las Estrellas" de la fundaciòn UMA.

2006-11-27T07:02:00.000-08:00

"El oido izquierdo"

2006-11-26T19:37:00.000-08:00

Por: Eduardo Thènon

- El sentido del oído es estéreoceptivo. Las facultades vinculadas con la audición requieren la participación de ambos receptores auditivos.- La actitud habitual de volver la cabeza hacia el diapasón acostumbra al guitarrista a una asimetría en la recepción de la información auditiva proveniente de su propio instrumento.- Los estímulos auditivos alcanzan los dos hemisferios cerebrales desde ambos oídos. Pero la vía colateral prevalece. Así, el oído derecho remite más directamente al hemisferio izquierdo y el oído izquierdo accede mejor al hemisferio derecho. Este, el hemisferio derecho ¡sería precisamente el responsable principal de las funciones musicales!- Los grandes guitarristas - conscientemente o no - parecen tener en cuenta el fenómeno que comentamos.
Las investigaciones en curso permiten reconocer capacidades especializadas en los hemisferios cerebrales.En efecto, el hemisferio izquierdo parece hallarse comprometido en el procesamiento de la información que ingresa en forma secuencial, verbal, digital y analítica; el hemisferio derecho es vinculado con estímulos múltiples, no verbales, analógicos y directos. Se reconocen también como funciones predominantes del hemisferio derecho la memoria de largo plazo, los recorridos topográficos, las emociones y el sentido musical... Por supuesto debe entenderse que las localizaciones funcionales no son estrictas ni excluyentes, asi como no son invariables en un mismo individuo ni absolutamente generales (los zurdos presentan lateralizaciones disímiles). Pero hechas las salvedades y aceptada la concepción de "bloques funcionales" en relación con las facultades superiores cabe aun considerar la relevancia del conocimiento actual en materia de especialización hemisférica en relación con nuestra actividad musical específica.Ciertos instrumentos musicales, entre ellos la guitarra, presentan características constructivas y de ejecución tales que desfavorecen una audición simétrica por parte del intérprete. En algunos casos el problema es insalvable - pensemos en la flauta travesera, en la trompa - pero en otros es subsanable si se tiene en cuenta el problema; éste es el caso de la guitarra. En efecto, no es imprescindible que el guitarrista observe constantemente el trabajo de su mano izquierda, máxime si se tiene presente que esa mano esta vinculada con el hemisferio derecho, rector de las funciones automáticas. En cambio, sí es importante el mayor uso posible del oído izquierdo por estar comprometido especialmente en las funciones musicales.La limitación de estímulos a un hemisferio es conocida como "lateralización". Los efectos de este fenómeno pueden acarrear insuficiencias en el desempeño del intérprete. En nuestro caso, una audición canalizada principalmente a través del oído derecho remite la información auditiva en forma más directa al hemisferio izquierdo, el cual, según hemos mencionado antes, participa predominantemente en las funciones secuenciales, temporales y del lenguaje entre otras. A primera vista tal circunstancia puede parecer favorable a las funciones del discurso musical, ya que sin duda las cualidades musicales involucran una gama completísima de facultades en las que no quedan precisamente excluidas las funciones secuenciales, lógicas y analíticas. Pero sucede que el discurso musical no es verbal (incluido el canto, desde que la capacidad de cantar no es afectada en pacientes con serias perturbaciones del habla), es además un discurso múltiple y la concepción del fenómeno musical reconoce ciertas características que podemos denominar "espaciales" - a propósito de ello recordemos lo dicho por Debussy: "la música no está en las notas sino entre las notas" -. Pues bien, todas estas funciones se asignan actualmente al dominio del hemisferio derecho. Consecuentemente, la subutilización del oído izquierdo afectará el desempeño musical del intérprete.Finalmente nos resta comentar que algunos guitarristas descollantes parecen estar atentos a los valores de una audición simétrica de su instrumento. No resulta muy aventurado pensar que cierta tendencia advertible en la intervención del oído izquierdo es más una actitud sistemática que una casualidad. Podemos hacer una sencilla observación casera de esta tendencia: con todas las cubiertas de nuestros discos de guitarra por delante, contemos los casos visibles de audición con el oído izquierdo que aparecen en las fotos. Algunos casos pueden obedecer a razones de fotogenia, pero en otros la intención es evidente y no son solo unos pocos, ¡el porcentaje es significativo!La historia de los progresos técnicos en nuestro instrumento muestra un énfasis en aspectos manuales y más recientemente en cuestiones de posición, relajamiento, etc. Las sucesivas indagaciones técnicas apuntan menos al instrumento y más al hombre. Los avances recientes en materia de localizaciones funcionales permiten suponer que los nuevos progresos técnico - musicales tendrán mucho que ver con un mayor conocimiento de nosotros mismos.

"John Petrucci" (Rock)

2006-11-25T17:43:00.000-08:00

Nacido el 12 de julio de 1967, John Petrucci se crió en un ambiente familiar de músicos en Long Island, New York. Aunque sus padres no son músicos, su hermana mayor tocaba el piano y órgano, su hermano toca el bajo y su hermana menor toca el clarinete. Aunque su hermana influenció sus intereses musicales hasta cierto punto, John dice que agarró la guitarra porque todos los muchachos del vecindario tocaban y le parecía algo divertido.
John empezó a tomar clases de guitarra a los 12 años y de ahí ha surgido como uno de los guitarristas más importantes entre nuevos artistas. Actualmente John contribuye a la revista Guitar World Magazine con una columna mensual y también contribuyó con la escritura de las partituras para los libros de "Images and Words" y "Awake". Tiene también un video actualmente a la venta. Los guitarristas que más han influido en el estilo de John (llamados todos casualmente Steve ó Al) tenemos a Steve Vai, Al DiMeola, Alex Lifeson, Steve Howe, Alan Holdsworth y el difunto Stevie Ray Vaughan.
Empezó a experimentar con una guitarra de 7 cuerdas para el nuevo disco "Awake", lo cual, él cree, le dió al disco un toque mas pesado. El escribe activamente en su casa con su "four track studio" (cónsola de 4 canales) y siempre lleva con él un "sequencer" a todas sus giras. A John le gusta, cuando no se encuentra totalmente envuelto en su música, hacer ejercicios, pasear en barco, el ciclismo y comer.
John vive en Long Island con su esposa Rena, tres hijos SamiJo, Reny y Kiara y su gata Little Girl. Cuando no está tocando la guitarra, John pasa la mayoría de su tiempo libre con su familia o patinando, montando bicicleta, haciendo ejercicios y viendo películas.

"Pimenteira Brasil en el Centro Comercial Concresa"

2006-11-24T05:18:00.000-08:00

Hoy a las 7:00 pm estaremos interpretando nuestros Sambas, Choros y Chorinhos en el Expo Bodegòn, nivel 1 del C.C.Concresa. Te esperamos!!!

"Baraka en Concierto"

2006-11-17T00:12:00.000-08:00

Hoy a las 7:00pm estaremos en concierto interpretando todos los temas de nuestro primer CD en la "Quinta Anauco Arriba"calle Arìstides Rojas, San Bernardino¡¡¡

"Laurindo Almeida"se consagrò como intèrprete tanto en el mundo de la guitarra clàsica como en el jazz y le valiò varios premios Grammy.

2006-11-12T14:38:00.000-08:00

(Grandes Guitarristas Libsa)Laurindo Almeida fue un prestigioso compositor e intérprete, tanto de jazz como de música clásica, algo realmente raro en los guitarristas. En una época en que predominaban las guitarras acústicas con cuerdas de acero y las guitarras eléctricas, Almeida eligió, sin embargo, la guitarra clásica con cuerdas de nailon e introdujo en los discos de jazz y en las bandas sonoras de las películas su sonido característico, más cálido y suave.
Nació en Sao Paulo, Brasil, en el seno de una familia de músicos (su madre era concertista de piano y su primera maestra de música) y había empezado a estudiar guitarra en su infancia, tocando tanto música clásica como la música popular brasileña de la época. El talento de Laurindo fue reconocido de inmediato y ya con 14 años participaba en programas de radio en Río de Janeiro. En 1934 viajó a Europa y escuchó en Paris en directo al virtuoso guitarrista gitano Django Reinhardt. Esta experiencia le marcó para siempre, haciendo que se interesara por el jazz durante el resto de su vida.
En 1947, se traslado a Estados Unidos y se estableció en Hollywood. La calidez del sonido que lograba punteando con los dedos la guitarra clásica suponía una refrescante novedad en una época en la que casi sólo se oían instrumentos eléctricos, como sabía tanto de música clásica como de jazz, pronto fue muy solicitado como músico de estudio, para tocar en las bandas sonoras de las películas, la primera de ellas fue A Song is Born(1954) y como compositor para el cine. A partir de 1940, la guitarra de Almeida aportó elegancia y belleza a gran cantidad de películas, entre las cuales destacan: Viva Zapata(1952), Ha nacido una estrella(1954), El viejo y el mar(1958) y El padrino(1972). En los años cincuenta, grabó 16 álbumes de guitarra que abarcan un repertorio muy diverso, incluyendo a compositores como Agustín Barrios y Heitor Villa-Lobos.

Poco después de su llegada a Hollywood, le invitaron a unirse a la prestigiosa Stan Kenton Orchestra, lo cual sirvió para iniciar su carrera como jazzista. Sus solos, expuestos a la admiración del público en las grabaciones de Lament y Amazonia de la orquesta, cautivaron a los amantes del jazz de todo el mundo y legitimaron a la guitarra clásica como instrumento de jazz. En 1954, se asoció con el saxofonista Bud Sank para grabar tres álbumes titulados: Brazilliance, en los cuales se aunaban por primera vez en la historia las formas propias del jazz con melodías brasileñas. Para muchos, él fue el introductor del ritmo bossa nova en Estados Unidos. De todos sus álbumes, probablemente los más influyentes fueron Viva Bossa Nova(1962), que alcanzó el puesto 20 en la lista de los más vendidos en Estados Unidos, y Guitar from Ipanema(1964). Almeida se volvió a asociar con Bud Snank en 1974 para formar el grupo de jazz LA Tour junto con el bajista Ray Brown y el baterista Shelly Manne(a quien ocasionalmente sustituìa Jeff Hamilton). Estos músicos siguieron tocando y grabando juntos durante casi dos décadas. Almeida y Shank también colaboraron en algunos proyectos clásicos durante este período, como demuestra Selected Classical Works for Guitar and Flute(1982).
Laurindo Almeida fue un músico completo que tendió un puente entre el mundo del jazz y la música clásica, y no dejo nunca de trabajar como compositor, arreglista e intérprete hasta su muerte, en 1995.

"Pimenteira Brasil en el Centro de Arte la Estancia"

2006-11-06T05:39:00.000-08:00

Hoy, a la 1:00pm estaremos en concierto privado en el "Centro de Arte la Estancia"donde interpretaremos gran parte de nuestros Sambas, Choros y Chorinhos.

"Vicente Amigo"(Guitarra Flamenca)

2006-11-03T01:29:00.000-08:00

(deflamenco.com) Un carismático aura de incorporeidad envuelve a Vicente Amigo. Su mirada parece estar queriendo siempre perderse en el más allá. Su guitarra es un continuo incitar a la imaginación. La música de Vicente se baila con el espíritu hecho carne. Es ancha, se extiende a lo largo de los compases y resuelve en el infinito. Incitante para los entendedores y de asunción inmediata para todos los oídos. A ese hermoso dominio de su mágica sonata se une el donaire personal, que en escena provoca embeleso. ahí están sus poderes de sultán cordobés a la conquista del mundo. Vicente Amigo es un cordobés pura sangre, Séneca en el saber. A los ocho años del pequeño Vicente, los Reyes Magos se portaron regalándole su primera guitarra. Personas más tangibles lo introdujeron en la verdad del flamenco: Juan Muñoz (El Tomate) y Merengue de Córdoba. Su siguiente etapa la pasó con Manolo Sanlúcar y su hermano Isidro, quienes le alumbraron nuevos territorios. Formará pareja con el cantaor El Pele, produciendo el disco “Poeta de esquinas blandas”, que de alguna manera abrió un camino, en cuanto a formas, en el flamenco contemporáneo. Colaboró con Camarón de La Isla en el disco “Soy Gitano”. Finalizando la década de los ochenta obtiene los primeros premios que en el flamenco se conceden a un guitarrista de concierto. Ese será en adelante su espacio expresivo. En 1991 compartirá con Paco de Lucía la representación del flamenco en el estelar festival internacional “Leyendas de la Guitarra”, en Sevilla, con Bob Dylan, Keith Richards, Phil Manzanera, Joe Cocker, Jack Bruce y Richard Thompson. Graba ese año su primer álbum en solitario, ”De mi corazón al aire”, que resulta doblemente galardonado por la prensa especializada. En la siguiente temporada estrena “Concierto flamenco para un marinero en tierra”, dedicado a Rafael Alberti, que orquesta el gran compositor Leo Brower. En Martinica 92 compartió escenario con Stanley Jordan y comienza una carrera internacional que le lleva a colaborar con figuras como Milton Nascimento, Wagner Tiso, Al Di Meola, Joáo Bosco, John McLaughlin...En 1995 publica “Vivencias imaginadas”, su segundo álbum, con un refinado mano a mano con Paco de Lucía que rendía homenaje a Pat Metheny. Y dos años después, ”Poeta” le hace merecedor de los galardones flamencos que otorgan los “Premios de la Música”. En “Ciudad de las ideas”, su nuevo disco, han puesto su voz Khaled, Pedro Aznar, Dieguito “El cigala”, Montse Cortés y el propio Vicente. Encontramos también músicos de la talla de Mino Cinelu a la batería, Alfredo Paixao al bajo, y la orquestación dirigida por Joan Albert Armagós. Tino di Geraldo, Chaboli y Echegaray Street a las percusiones, son otros de los músicos que aparecen en los créditos de esta obra musical. El álbum se grabó en los estudios Filigrana, de Córdoba y se mezcló en Madrid, en los estudios Eurosonic, con la producción de Vicente Amigo. La masterización corrió a cargo de Todd Gerard, en Gerard sound lab, New York. En el año 2000 colabora tocando la guitarra en el album "El alma al aire" de Alejandro Sanz y de aquí en adelante, su carrera crece....

"Roland Dyens"(Guitarra Clàsica)

2006-11-03T01:17:00.000-08:00

Nacido el 19 de octubre de 1955, él interprete, compositor, arreglista e improvisador Roland Dyens inició sus estudios de guitarra a la edad de nueve años. Cuatro años después fue alumno del Maestro guitarrista español Alberto Ponce. En 1976 se le otorgó la Licence de Concert de L’Ecole Normale de Musique de Paris.Mientras aprendía su instrumento, Roland Dyens también estudió composición con el renombrado maestro, compositor y director de orquesta Désiré Dondeyne, cuando bajo su tutela obtuvo el Primer Premio en Armonía, Contrapunto y Análisis.Entre los más distinguidos premios obtenidos durante los primeros años de su carrera, Roland Dyens recibió el Premio Especial en en el Concurso Internacional Cittá de Alessandria ( Italia) y El Grand Prix de L´Académie Charles-Cros, los dos en honor de HeitorVilla-Lobos, el mayor compositor brasileño.A la edad de veinticinco años fue Laureado de la Yehudi Menuhin Foundation. Ocho años después de este honor Roland Dyens fue reconocido como uno de los “100 Best Living Artists” en todos los géneros por la revista francesa Guitarist.
Roland Dyens comparte su gusto y talento musical en sus conciertos, composiciones y clases maestras alrededor del mundo. Esta tridimensional actividad provee la base del fenomenal éxito de este músico en constante evolución.Los conciertos de Roland Dyens siempre ofrecen a su público la experiencia personal de un despertar emocional. Inspirados profundamente en esta arena de unidad musical, el público muchas veces usará el impacto de la virtuosidad y creatividad de este artista para su propia percepción musical aplicándolo a la vez a su realidad de vida. El público de Roland Dyens que no está familiarizado con las peculiaridades de un concierto de guitarra clásica, experimenta el descubrimiento del instrumento y su potencial musical. Roland Dyens se acerca a la guitarra con una gran sensibilidad, coloratura y mente abierta que atrae a todo tipo de formas musicales en cada uno de sus conciertos. Su presencia en el escenario, sus improvisaciones en las aperturas de sus conciertos y la relación única con sus oyentes lo colocan sin lugar a duda al frente de los concertistas de guitarra de hoy en día.Desde hace ya tiempo, su música ha sido parte integral del repertorio de la guitarra, lo cual lo coloca en el corazón de un grupo muy selecto de guitarristas compositores que gozan de tal privilegio. Sus composiciones y arreglos son ampliamente ejecutados y admirados mundialmente y contribuyen con un nuevo aliento de vida a la guitarra cuando este solista y compositor no cesa nunca de desafiar las limitaciones del instrumento.El crecimiento de participantes y oyentes en las clases maestras de Roland Dyens se debe seguramente a la profundidad de sus excelentes presentaciones de innovadores temas. La formalidad de la clase maestra se transforma en un encuentro feliz debido a su entusiasta sentido de calidad y de una fuerza emocional en unión a su habilidad de comunicarse con guitarristas de las nuevas generaciones.Roland Dyens enseña en el Conservatoire National Supérieur de Musique de Paris.

"Carlos Eduardo Arellano"(Jazz)

2006-11-03T00:52:00.000-08:00

Hace algunos dìas, me llegò otro mail que me vuelve a llenar de felicidad y orgullo y confirma algo que siempre he pensado: GRANDEZA ES IGUAL A HUMILDAD, y esto lo podemos ver reflejado en un gran maestro y mùsico venezolano llamado Carlos Eduardo Arellano que desde hoy pasa a ser uno de mis guitarristas favoritos. Este es su comentario y la direcciòn de su excelente pàgina para que todos la visiten y apoyen su trabajo, en verdad la recomiendo y no dejen de escuchar su mùsica es increible y de muy alto nivel. Carlos desde mi blog mi respeto, admiraciòn y un fuerte abrazo hermano, estamos pendientes.

Hola Julio,
Recibe un cordial saludo de este servidor, descubrí tu blog, tu música y tu talento hace algun tiempo y tenía muy presente la inquietud de escribirte y felcitarte. Es admirable y debería servir de ejemplo la universalidad de tus horizontes musicales, los cuáles se ven reflejados además de en tu excelente ejecución (escuché todos tus clips..un gustazo!! ) también por tus buenísimos comentarios y artículos de guitarristas en diversos estilos desde lo clásico hasta el rock, jazz, blues, bossanova y otros mas de los que hay varios de mis "heroes" como Joe Pass, Steve Ray Vaughn, Luis Salinas, Martin Taylor y mas y sin olvidar en ningun momento a nuestros artistas venezolanos! . Que bien Julio! . Yo soy guitarrista (eso dicen) compositor y actualmente resido en el Táchira, sin embargo de cuando en cuando me doy mi viajecito a Caracas, ya que he tocado conciertos y "jams" como guitarrista invitado y en bandas de artistas como Andres Briceño, Pablo Gil, Otmaro Ruiz, Gerardo Chacón, Kitimba Jazz, Maria Virginia Ramirez (mi hermana pianista ), Pedro Castillo (queridisimo amigo!! el me llama "el sacerdote del midi perdido en las montañas" :=), Gonzalo Micó, Benjamín Brea, Luis Alvarado, Victor Cuica, Alexander Livinalli, Miguel Hernandez, Gerry Weil, Vytas Brenner (qepd) y algunos más...todos grandes amigos que siempre me preguntaban porque no estoy alla, ya que debido a poderosas razones circunstanciales durante años he tenido que permanecer aqui en el Táchira apoyando a mi familia. Bueno, esto "era" un saludo y no quiero extenderme mucho, de nuevo recibe mi admiración y un fuerte abrazo musical ..y adelante con esa buena tarea!

Cordialmente- Carlos Eduardo Arellano
PD: por ahi tengo una paginita si gustas entrar http://www.carlosarellano.com/music y www.download.com/carloseduardoarellano con algunos demos y temas mios, algunos aunque no muchos (tengo material nuevo) serán incluidos en mi CD

una fotico con Ilan Chester...http://www.carlosarellano.com/photos/image33.html cuando me cayó de sorpresa en un concierto mio y descargamos juntos con Otmaro Ruiz, Frank Quintero http://www.carlosarellano.com/photos

"Chet Atkins"

2006-11-03T00:33:00.000-08:00

(WIKIPEDIA)
Chet Atkins Chester Burton "Chet" Atkins (20 de junio, 1924 – 30 de junio, 2001) fue un guitarrista de country y productor influyente. Su estilo, inspirado por Merle Travis, Django Reinhardt, George Barnes y Les Paul - le trajo admiradores dentro y fuera de la escena de EE.UU. Atkins produjo discos para Eddy Arnold, Don Gibson, Jim Reeves, Connie Smith, y Waylon Jennings. Creó, junto a Owen Bradley, el estilo de música country más suave y tranquilizador conocido como el Nashville sound (El sonido Nashville), que amplió la música country incluyendo a admiradores de música pop adultos. Chet Atkins nació en Luttrell, Tennessee, y creció con su madre, dos hermanos y una hermana, siendo el más joven. Sus padres se divorciaron cuando tenía seis años. Comenzó con el ukelele, más tarde avanzó al violín, pero negoció a su hermano Lowell una vieja pistola y algunas tareas para una guitarra cuando tenía nueve años. Forzado a trasladarse Georgia para vivir con su padre debido a una casi fatal condición asmática, Atkins fue un joven sensible que hizo de la música su obsesión. Se hizo un guitarrista dotado mientras estaba en educación media. Atkins era autodidacta, y más tarde la vida le concedió junto a Tommy Emmanuel, Jerry Reed y John Knowles el grado honoris causa "CGP"( Certified Guitar Player). Su hermanastro Jim fue también un guitarrista acertado que llegó a trabajar con el Trío de Les Paul en Nueva York. Atkins no tuvo un estilo propio hasta 1939, cuando (todavía viviendo en Georgia) él oyó tocar a Merle Travis en la radio (la WLW). Esta temprana influencia dramáticamente formó su estilo de tocar. Mientras que la mano derecha de Travis utilizó su índice para la melodía y el pulgar para apuntes de bajo, Atkins amplió su estilo de mano derecha para incluir una pulsación a las cuerdas con sus tres primeros dedos, y con el pulgar sobre el bajo. El resultado fue una claridad y complejidad que hizo su sonido inconfundible. Después de dejar el colegio en 1942, consiguió un trabajo en WNOX la radio de Knoxville. Allí tocó el violín y la guitarra con el cantante Bill Carlisle y el cómico Archie Campbell así como también se hizo miembro de la estación "Dixieland Swingsters", un pequeño combo instrumental de swing. Después de tres años, se movió a la radio WLW en Cincinnati, Ohio, donde Merle Travis anteriormente había trabajado. Después de seis meses se movió a Raleigh y trabajó con Johnnie y Jack antes de dirigirse a Richmond, Virginia, donde tocó con la banda Sunshine Sue Workman. Su estilo sofisticado condujo a muchas personas a dudar que él fuera realmente un intèrprete de "country". Fue despedido a menudo, pero fue capaz de conseguir otro trabajo en otra emisora de radio debido a su habilidad de tocar. Atkins hizo sus propios discos de pop y jazz, en un estudio sofisticado en su casa, a menudo grabando las pistas de ritmo en la radio RCA, pero añadiendo sus partes de solo en casa, refinándolo todo hasta que el resultado lo satisficiera. Guitarristas de todos los estilos eran admiradores de sus álbumes debido a sus ideas musicales únicas y en algunos casos, sus ideas electrónicas experimentales. En este período Atkins se hizo conocido internacionalmente como "Mister Guitar" (Señor Guitarra), que es también el nombre de uno de sus álbumes. Su marca registrada "el Estilo de Atkins" para tocar, que era y es muy difícil para un guitarrista de dominar, es usando el pulgar y los primeros dos - a veces tres - dedos de la mano derecha. Él desarrolló este estilo de escuchar a Merle Travis de vez en cuando de la radio. Estaba seguro que nadie podría tocar esto articuladamente solamente con el pulgar y el índice (que en realidad era exactamente como Travis lo tocaba) y él asumió que para esto se requerían el pulgar y dos dedos - y era el estilo que promovió y dominó. El hit más grande de Atkins fue el single de 1965, "Yakety Axe" una adaptación de su amigo saxofonista Boots Randolph, "Yakety Sax". Raras veces se presentaba en vivo en aquel tiempo, y eventualmente tuvo que contratar a otros productores de RCA como Robert Ferguson y Felton Jarvis para aliviar su carga de trabajo. Un combate en 1973 contra el cáncer de colon, sin embargo, condujo Atkins a redefinir su papel en RCA, permitir a otros manejar la administración mientras que él volvió a su primer amor, la guitarra, a menudo grabando con Reed o incluso con Homer y Jethro en Jethro Burns (el cuñado de Atkins) después de que Homer muriese. Hacia finales de los años 70, Atkins se la había pasado como un productor. Nuevos ejecutivos en RCA tenían ideas diferentes. Primero se retiró de su posición en la empresa, y luego comenzó a sentirse sofocado como un artista porque RCA no le dejaría diversificarse en el jazz. Al mismo tiempo se le presentaron problemas con la dirección de Gretsch y retiró su autorización a ellos para usar su nombre y comenzó a diseñar guitarras Gibson. Abandonó RCA en 1982 y firmó a Columbia Records, para la cual produjo un álbum de estreno en 1983. Mientras estaba con Columbia, mostró su creatividad y gusto en la guitarra de jazz, y en varios otros contextos. El jazz siempre fue un amor fuerte, y a menudo en su carrera fue criticado por músicos "puros" de country del país, por sus influencias de jazz. También dijo en muchas ocasiones que no le gustaba ser llamado un "guitarrista country", insistiendo que él era un guitarrista nada más, y punto. Aunque tocase 'de oído' y fuese un improvisador magistral, también fue capaz de leer la música y hasta realizó algunos arreglos de guitarra clásicos con el gusto y la distinción. Más tarde, volvió al country con álbumes que registró junto a Mark Knopfler y Jerry Reed. Siendo cuestionado por nombrar a los diez guitarristas más influyentes del siglo XX, nombró a Django Reinhardt en primera posición de la lista, y él mismo se ubicó en quinta posición. En años posteriores volvió a la radio, apareciendo en Garrison Keillor's Prarie Home Companion, llegando incluso hasta el punto de tocar un violín de tiempo en tiempo. Atkins recibió numerosos premios, incluyendo once Grammy Awards y nueve premios de la Country Music Association. Mientras hacía más y más actos, en los años noventa su salud se puso frágil y el cáncer volvió y esta vez empeorado. Chet Atkins moría el 30 de junio de 2001 en su casa en Nashville "Muchos años después que me haya ido, algunos escucharán lo que he hecho y sabrán que estuve aquí. A ellos no les importará quién era yo, pero escucharàn mis guitarras hablar por mí".

"Luis Salinas"

2006-11-03T00:08:00.000-08:00

Nació en Argentina, Monte Grande, ciudad muy cercana a Buenos Aires.La influencia de su padre y de su padrastro, ambos músicos, lo animaron a tocar la guitarra desde edad muy temprana.La ductilidad del guitarrista y el músico se combinan logrando una fusión impecable, se trata de un virtuosismo musical no meramente técnico.Podría decirse que es un músico libre. Transita sin ataduras por distintos estilos. Acerca de su arte George Benson señala: " Es uno de mis guitarristas favoritos ... " Chick Corea habla de él como "Uno de los grandes músicos argentinos". Scott Henderson afirma "Es increíble. Será sin duda un héroe de la guitarra". O las palabras de Badem Powel "Es un guitarrista loco y genial". Esta versatilidad ha logrado que músicos como B.B.King y Hermeto Pascoal lo hayan invitado a compartir su escenario.Es compositor de la mayoría de los temas que toca en sus conciertos y discos.Salinas innova en la música argentina.Compartió experiencias con auténticos ídolos del folklore y del tango, como Adolfo Ábalos y Horacio Salgan. Se da el lujo de tocar un zamba con Jaime Torres o grabar un disco de tango con María Graña.Músico autodidacta. No estudió en ningún conservatorio. Improvisador nato con una original capacidad interpretativa dice: "Todo tenemos una condición natural para algo. No es lo que te gusta sino lo que puedes hacer. El resto es trabajar. No pretendo ser mejor que alguien. Quiero ser el mejor Salinas posible. Mi música más que nada tiene que ser fluída y sincera, si uno no se emociona, el público tampoco. Premios Gardel 2003 Argentina Mejor álbum de folklore " Música Argentina Volumen 1 y 2 " Gardel 2004 Argentina Mejor álbum de jazz "Ahí Va" Konex 2005 Argentina Mejor solista instrumental de la última década Gardel 2006 Argentina Mejor álbum de jazz "Luis Salinas y amigos en España" Paises donde se ha presentado: Australia, Colombia, Curaçao, Francia, Paraguay, Suecia, Brasil, Costa Rica, EE.UU, Italia, Perú, Suiza, Chile, Cuba, España, Panamá, Portugal,Uruguay y Venezuela.

"Joe Pass"(Jazz)

2006-11-02T23:44:00.000-08:00

De todos los guitarristas de jazz surgidos en los años sesenta, Joe Pass fue uno de los màs populares.Utilizaba con tremenda habilidad los dedos de su mano derecha, siendo capaz de tocar melodìas, acordes y el bajo, todo ello a la vez. Con frecuencia tocaba en solitario, asombrando con su destreza a las audiencias del mundo entero, pero tambièn realizaba estupendas improvisaciones, como atestiguan mucho de los discos que grabò para la firma Pablo. Su nombre de pila era Joseph Anthony Passalaqua. Naciò en New Brunswick, Nueva Jersey, el 13 de enero de 1929. Empezò a tocar la guitarra con nueve años y en un par de años màs ya estaba practicando ocho horas diarias. Con 15 años tocaba con regularidad en los grupos de baile de la zona. Se enamorò del jazz en cuanto lo escuchò, e inmediatamente empezò a aprenderse los solos de Charlie Parker nota por nota. Pass aprendìa deprisa y ya tocaba con el grupo de Tony Astor antes de terminar sus estudios en el instituto. Las asombrosas innovaciones de Charlie Christian, desde luego, se dejan sentir en los primeros trabajos de pass, aunque los guitarristas que màs influyeron en su formaciòn musical fueron Django Reinhardt, Wes Montgomery, y Tal Farlow. Sin embargo, quienes màs influyeron en su posterior trabajo no fueron los guitarristas, sino los intèrpretes de otros instrumentos como Parker, Stan Getz, Dizzie Gillespie y Coleman Hawkins, a los cuales escuchaba con la màxima atenciòn y de forma infatigable. Tanto estudio y aplicaciòn obtuvieron recompensa sin hacerse esperar. No mucho despuès, Pass ya ejecutaba innovadores solos de bebop a extraordinaria velocidad, ganàndose a pulso el sobrenombre de "el presidente de la guitarra bebop". En 1949, Pass se mudò a Nueva York con la esperanza de conocer en persona a algunos de los mejores exponentes del gènero. Por desgracia, con quienes màs se codeò fue con los traficantes de drogas, y pronto se convirtiò en un drogadicto, una esclavitud que tardarìa mucho en superar. En 1961 ingresò en la Synanon Foundation, un centro de rehabilitaciòn de Santa Mònica para toxicòmanos y tuvo que permanecer allì tres años antes de ser capaz de superar su adicciòn. Estando en ese centro grabò un àlbum, "Sounds of Synanon" (1962), junto con otros mùsicos hospitalizados. Sorprendentemente par ellos, este àlbum fue un gran èxito comercial y ganò el premio " New Star" de Downbeat en 1963. Despuès de dejar el centro, empezò a trabajar con George Shearing y grabò varios àlbumes aclamados por la crìtica entre mediados de los años sesenta y el final de la dècada, entre los que destacan For Django(1984) y The Living Legends(1969). El mejor momento de su carrera musical fue sin duda a principios de los años setenta. Continuò trabajando con importantes mùsicos de jazz durante este perìodo y, cierto dìa, en 1973, mientras tocaba en un club de los Àngeles, fue descubierto por Norman Granz, el propietario de una discogràfica de jazz de reciente creaciòn llamada Pablo. Pass grabò muchos superventas para la firma Pablo, entre los que destacan Virtuoso(1973), Virtuoso 2(1976) y Virtuoso 3(1977). Tambièn trabajò como acompañante para estrellas del jazz de la talla de Oscar Peterson, Duke Ellington, Count Basie y Ella Fitgerald. Pass siguiò tocando la guitarra de jazz hasta su muerte por càncer en 1994.

"Carlos Santana"(Rock latino)

2006-11-02T23:12:00.000-08:00

Su padre fue violinista en una banda de mariachi, y Carlos aprendió a tocar el violín, pero cambió a la guitarra cuando tenía ocho años. En 1955 su familia se mudó a Tijuana, y Santana empezó a tocar en clubes y bares en la zona turística. Se quedó en Tijuana cuando su familia se mudó de nuevo, esta vez a San Francisco, California, pero pronto la siguió. En 1966, ayudó a fundar la Santana Blues Band, eventualmente acortándolo a Santana. La banda empezó a tocar en The Fillmore West, donde muchas de las bandas legendarias de San Francisco tocaban. Su estreno en grabación ocurrió en The Live Adventures of Mike Bloomfield and Al Kooper (Las Aventuras en Vivo de Mike Bloomfield y Al Kooper) con Al Kooper y Mike Bloomfield. Tras firmar con Columbia Records, Santana sacó al mercado un álbum llamado Santana. El grupo consistió en Carlos Santana (guitarra), Gregg Rolie (piano y voz), David Brown (bajo), Michael Shrieve (batería), Jose Areas (percusión) y Michael Carabello (percusión). Haciendo una gira para promover el álbum, la banda Santana tocó en Woodstock. La presentación de la escena en Woodstock fue legendaria y aumentó mucho su popularidad. Santana fue un gran éxito, así como Abraxas (1970) y Santana III (1971). La banda original se disolvió. Rolie llegaría a ser un miembro fundador de Journey. Carlos Santana usó el nombre y una serie de músicos distintos para continuar su gira tras los Estados Unidos, lanzando varios álbumes. Durante este período, Carlos adoptó el nombre "Devadip", conferido por el líder espiritual Sri Chinmoy. Sacó al mercado muchos álbumes en los 1970 y 1980, incluyendo colaboraciones con John Lee Hooker, Willie Nelson, Herbie Hancock, Booker T. Jones, Wayne Shorter, Ron Carter y The Fabulous Thunderbirds. En 1991, Santana apareció en el álbum de Ottmar Liebert Solo Para Ti, en las canciones "Reaching out 2 U" y una grabación nueva de su propia canción "Samba Pa Ti". Fue instalado en el Rock and Roll Hall of Fame in 1998. En 1992 canceló su contrato con Columbia y después grabó con Polygram y Arista Records. Santana surgió de nuevo en 1999 con el lanzamiento de Supernatural, que incluyó colaboraciones con Rob Thomas, Eric Clapton, Lauryn Hill y Maná. Supernatural fue el álbum de Santana de mayor venta, alcanzando número uno en la lista Billboard y manteniendo esa posición por 12 meses y ganando nueve Premios Grammy. En 2002, Santana sacó al mercado Shaman, revisitando el formato de artistas invitados, incluyendo P.O.D., Seal y Michelle Branch. En 2005, Santana lanzò su álbum más reciente All That I Am ("Todo Lo Que Soy"), incluyendo artistas invitados como Big Boi (de Outkast), Mary J. Blige, Black Eyed Peas, Los Lonely Boys, Sean Paul, Kirk Hammett (de Metallica) y Robert Randolph.

"Guitarra a cuatro manos"

2006-11-02T22:21:00.000-08:00

Este video de los hermanos Assad, para mi, el mejor dùo de guitarra clàsica del mundo, me lo habìa mostrado en uno de sus comentarios mi alumno Enrique Valbuena y ahora me lo enviò mi gran amigo y flautista Carlos Carmona Bello. Espero que lo disfruten, està buenìsimo.

"Luis Salinas y Vicente Amigo nominados a los Grammy Latino 2006"

2006-11-02T07:34:00.000-08:00

Dos grandes guitarristas como lo son Luis Salinas y Vicente Amigo, han sido nominados a los premios Grammy Latinos 2006, en la categorìa de mejor disco instrumental del año y mejor album flamenco respectivamente.

La entrega de Premios es hoy en la ciudad de Nueva York.Toda la suerte del mundo para los dos.